Суета вокруг театра

Дмитрий Сергеевич Лихачев говорил: «Каждый человек обязан знать, среди какой красоты и каких нравственных ценностей он живет. Не должно быть слепых к красоте, глухих к слову и настоящей музыке, черствых к добру, беспамятных к прошлому. А для этого нужны знания, нужна интеллигентность, дающаяся культурой…» И в этих словах, мне кажется, заключена важная мысль: культура не возникает сама по себе. Ее нельзя подхватить как грипп, она не приходит с возрастом, ее нельзя постичь одной книгой, одним спектаклем или одной выставкой. Культура - это то, что человек ежедневно в себя вкладывает. Это привычка замечать красоту, думать, различать фальшь, сопереживать, слышать.

«Школа удивления. Дневник ученика». Книга Константина Райкина. В субботу я побывала на презентации книги Константина Райкина в ВШСИ. Было особенно приятно и удивительно оказаться среди приглашенных - в кругу друзей и коллег Константина Аркадьевича. Название книги выбрано неслучайно: удивление – это важнейший элемент актерской игры и свидетельство высокой жизненной энергии. Эта книга - размышление большого артиста о профессии, начиная с первых шагов, честный разговор о сложной театральной кухне и о людях, которые сопровождали его по жизни и сопровождают до сих пор. Константин Райкин великолепный рассказчик. Я помню феерическое выступление «простого сына Райкина», «дрессированного ребенка» семьи артистов на вечере, посвященном Олегу Табакову. Зал тогда восторженно рыдал. В нем до сих пор нет ни капли пафоса, застывшего лица, маски. Он все время в движении – в физическом и эмоциональном. С легкостью шутит, с улыбкой признается в «горьком счастье» учителя, что ученики уже догнали и перегнали его в мастерстве. Много и подробно говорит о Юрии Бутусове, об их последнем совместном спектакле, который из «Ревизора» превратился в «Р.». О репетициях, об общем канале для обмена мыслями, который у них был только для двоих. О том, как сильно этот спектакль его будоражил: однажды его накрыли рыдания, и этот разговор с Юрой (с) сквозь слезы остался у него в записи. Константин Аркадьевич говорил «без фильтров». Удивляюсь его внутренней свободе, азарту, хулиганству. И это так здорово, ни позы, ни бравады - просто, естественно и уместно. И с большой любовью к своим артистам. Говорил, конечно же, не только о театре, но и о нашей нынешней жизни вообще. Фраза, которая запомнилась: «Кто заражен бациллами зла, того уже не вылечить». А книгу обязательно почитайте. Там много личного: о родителях, отдельная, очень трогательная глава о няне, воспоминания о работе с разными режиссерами - Фокиным, Фоменко, Стуруа, Виктюком, Бутусовым. А в конце «стишки для своих», строго 18+.

Моим самым сильным впечатлением от творчества Марка Шагала стали витражи в фамильной церкви Рокфеллеров в Покантико Хиллз, штат Нью-Йорк. Я была там летом 2018 года - это тихое, нетуристическое место. Над входом в церковь висит надпись: “Jesus said — come and see.” И это правда - переступив порог, видишь внутри настоящее сокровище. В оконных проемах – великолепные витражи, выполненные Марком Шагалом. На одном из них, он изобразил Херувима, на других - шесть ветхозаветных пророков: Иезекииля, Даниила, Иоиля, Иеремии, Исайи, Илии. На витраже «Распятие» перед крестом с распятым Христом взору предстает коленопреклоненный Майкл Рокфеллер. Но особенно поражает центральный, главный витраж – «Добрый самаритянин», посвященный Джону Рокфеллеру-мл. Я не знаю, как это выглядит в пасмурный день, думаю, что так же роскошно. Но мы были, когда солнечный свет лился сквозь цветные стекла, и передать это ощущение красоты словами нереально. О Шагале я вспомнила не случайно. На днях в Пушкинском музее открылась выставка «Марк Шагал. Радость земного притяжения» - для меня это уже вторая большая выставка Марка Шагала. В 2019 году в Новом Иерусалиме проходила масштабная экспозиция - около 240 работ, включая произведения из Центра Помпиду и музея Шагала в Ницце. По понятным причинам сейчас показать весь творческий путь Шагала невозможно – львиная доля картин находится в Европе и США. Так что нынешняя выставка более камерная: тут собраны произведения, созданные до 1922 года перед его эмиграцией во Францию, так называемый «русский период» художника. Часть работ дала Третьяковская галерея, Русский музей предоставил для выставки всю свою коллекцию Шагала, одна картина добралась из-за границы – из Армянского нац.галереи, остальное получили из частных собраний. Но и сам Пушкинский музей не остался в стороне: показал редкую графику, цикл работ, посвященных Первой мировой войне, книжные иллюстрации Марка Шагала к сказкам Дер Нистера и к поэме Гоголя «Мертвые души» из собственных фондов. Правда, иллюстрации к «Мертвым душам» были сделаны позже 1922 года. «В работах Шагала русского периода есть своя большая особенность, что определило своеобразие этой выставки. Они резко отличаются от того, что он писал в Париже» (Евгения Петрова, куратор). Не знаю, корректно ли относить картины, написанные в родном для Шагала Витебске, к «русскому» периоду: все-таки Витебск - белорусский город. Из «витебской серии» тут представлены работы, в которых Шагал запечатлел членов своей семьи и виды своего города. Удобно выстроена архитектура выставки – картины на колоннаде находятся в специальных нишах. Особое место на выставке занимает реконструкция авторского проекта для Еврейского камерного театра. Шагаловские панно очень эффектно смотрятся в ансамбле - белый зал превращен в пространство, в котором зритель буквально оказывается внутри театра. Странным образом проигнорирована история с Казимиром Малевичем и их академией в Витебске. В 1918 году Шагал вернулся в Витебск с мандатом: «Художник Марк Шагал назначается уполномоченным означенной Коллегии по делам искусства в Витебской губернии, причем товарищу Шагалу предоставляется право организации художественных школ, музеев, выставок, лекций и докладов по искусству и всех других художественных предприятий в пределах Витебска и всей Витебской губернии. Всем революционным властям Витебской губернии предлагается оказывать товарищу Шагалу полное содействие в исполнении вышеуказанных целей». О взаимоотношениях двух художников подробно рассказывается в художественном фильме Александра Митты «Шагал-Малевич». В роли Шагала – Леонид Бичевин, которого театралы точно знают хотя бы по спектаклю Бутусова «Бег» (Голубков). Выставка начинается почти по-шагаловски - с парящих над лестницей музыкальных инструментов и лилового платья Беллы, словно взятого из «Прогулки». А завершается инсталляцией комнаты семьи Шагалов с подлинными предметами из дома художника в Витебске. Символично, что сегодня, 14 декабря, день рождения Беллы Розенфельд-Шагал - любви, музы и центра его вселенной. Выставка будет работать до 15 марта 2026.

«Мох. История одного пса». Режиссер Екатерина Корабельник. Театр «Шалом» В Шаломе еще одна хорошая премьера. На этот раз спектакль для подростков по книге Давида Циричи. Возрастной ценз 12+, но все зависит от индивидуальной впечатлительности подростка. Историю своей жизни рассказывает пес по кличке Мох. В разрушенном войной мире он остался один. Когда в дом, где жил Мох, попала бомба, его привычная жизнь - с любимыми запахами свежего утра и гренок, с щекоткой, радостью, счастьем и детьми, Янинкой и Миреком – полностью изменилась. Он оказался на улице в стае таких же бездомных, как и он, собак, где и начались его скитания и ежедневная борьба за выживание. Мох сразу же умудрился завоевать уважение «коллег» (сами узнаете, как), успел поработать в цирке, служил охранником в концлагере, потерял друзей, но пройдя через все испытания, обрел семью, человеческое тепло и домашний уют. И больше всего слез проливается именно в финале – невероятно трогательном и по-настоящему спасительном. После всех потерь, страха, жестокости у Моха вновь появляется его собственное большое счастье. Он не утратил веру в Человека, как не теряют веру все собаки – любят и верят людям до самого конца. Художник спектакля Ирина Уколова создала на сцене мрачное пространство войны: проржавленный мир, затянутый паутиной, обломки мебели, засохшие цветы – все завалено и разрушено. Эта реальность дается зрителям через восприятие собаки. Поэтому и прохожие тут показаны в виде одних только ног - в них собаки обычно утыкаются при встрече с людьми. Лев в цирке – это две огромные челюсти, ведь самую большую опасность для собак представляют клыки хищника. Собак играют, разумеется, не собаки. Артисты, одетые в костюмы от чебурашки, очень органичны в роли разномастных. У каждого есть какая-то отличительная черта, особенность – при этом, я не думаю, что перед ними стояла задача имитировать поведение четвероногих. Главное - передать их характер (у собак тоже есть характер!), эмоции и внутренний мир (и внутренний мир есть!), делая персонажей живыми и убедительными. Эти же артисты, за исключением Вениамина-Фабиана Вайсенберга и Софии Незнамовой, которые до конца остаются собаками Мохом и Мятой, играют и других персонажей, в том числе новую семью главного героя. А еще тут есть совершенное чудо – совсем юные, но уже бесстрашные артисты в роли самых главных и любимых людей в жизни Моха – детей Янинки и Мирека. Уверена, все зрители, у которых есть собаки, по возвращении домой сгребли их в охапку, чесали и обнимали. Моей Баси нет с нами уже полтора года, но не проходит и дня, чтобы я о ней не вспомнила. А ещё у меня был приютский пес Мишка, которого я больше десяти лет поддерживала финансово. Приютам невероятно тяжело выживать… Вот тут театр «Шалом» проводит акцию с фондом «Ника», возможно, чье-то сердце отзовется.

Я редко пишу о кино, но в этот раз пройти мимо не смогла. Недавно в ограниченном прокате прошел последний фильм Натальи Назаровой - режиссера и руководителя Мастерской Назаровых в ГИТИСе. Он называется «Филателия». Я просто призываю вас его посмотреть. В одной рецензии я прочла самое, как мне кажется, точное описание: «Наталья Назарова поставила фильм-светлячок и он будет нам светить» (Павел Воронков) Это проникновенный рассказ о девушке с лёгкой формой ДЦП и больным сердцем. Яну сыграла Алина Ходжеванова, и, честно говоря, я ее не сразу узнала: настолько верно и тонко она передала свою героиню. И дело не только в поставленном дефекте речи - вся пластика, походка, жесты, взгляд, реакции кажутся невероятно органичными. Фантастическая, почти документальной точности актёрская работа. Яна работает на почте, а все свободное время отдает своему хобби - коллекционированию марок. Увлечение, доставшееся ей в «наследство» от отца, стало для нее и нитью связи с прошлым, и способом не тонуть в одиночестве. Ей за тридцать, но личная жизнь не складывается: она не привлекает мужчин «как женщина». Пока однажды в порт не причалит корабль с Греем моряком-харизматиком Петей (Максим Стоянов). При всей разности – и внешности, и характера, и образа жизни – в них неожиданно находится много общего. А Петя, которого я сначала восприняла легкомысленным повесой, постепенно раскрывается совсем с другой стороны. На фестивале «Окно в Европу», где фильм завоевал гран-при, дуэт Алины Ходжевановой и Максима Стоянова получил награду от кинокритиков и специальный отдельный приз «за пронзительный актерский дуэт». Действие фильма происходит в портовом северном городе, где в серый, унылый пейзаж врываются вспышки завораживающей красоты - цветущие поляны пурпурного иван-чая и одна почти сюрреалистическая ночь с мириадой мерцающих светлячков. Так и в жизни Яны, окруженной «серыми» людьми, способными на предательство, прорезается луч, дающий свет, надежду и счастье. И хотя счастье у Яны, в моем представлении (вы возможно увидите иначе) недолговечное, главное, что оно было и дало силы продолжать жить. Очень сильное кино - и особенно щемящее от того, что оно стало прощальным: в апреле этого года Наталья Назарова умерла. Сейчас фильм можно посмотреть на цифровых платформах Okko и Кинопоиск.

Две вещи посоветую, а вы решайте, надо вам или нет 😄 ➖Театр наций завтра, 11 декабря, откроет продажу билетов на спектакль Елизаветы Бондарь "История одной фотографии". Даты 17 и 18 декабря. Смотрела его на фестивале Горький+. Впечатления супер! Писала о нем тут. ➖Из Новосибирска на гастроли приедут театры "Красный факел", "Старый дом", "Глобус" и Первый театр. Программа тут. Я видела "Бесов" Прикотенко, очень понравилось. "Петерса" давно хочу посмотреть - его рекомендовал Саша Золотовицкий. В сторону "Вассы Железновой" тоже смотрела, но ничего про него не знаю. В моих планах.

«Дядя». Как бы по Чехову? Режиссер Петр Шерешевский. МТЮЗ Посмотрела спектакль дважды и не могу сказать, что хватило. Какой же глубокий спектакль! «Дядя» поставлен по пьесе Семена Саксеева (псевдоним Петра Шерешевского). Почти все чеховские персонажи сохранены, но есть две перестановки. Мария Войницкая стала сестрой-близнецом дяди Вани, а няня Марина – мамой доктора Астрова. Так что дядя Ваня имеет тут другую версию себя и она боготворит Серебрякова. Ваня и Маша, как попугаи-неразлучники, все время вместе – до рождения и после. Вот уже 60 лет. Действие происходит в наши дни и начинается с поминок по Вере – умершей жене Александра Серебрякова. За столом собирается семья, соседи и незнакомая им «ассистентка» вдовца, которая, впрочем, явно уже хозяйка в доме: и стол накрыла, и полотенце чистое повесила. И так ее добьет Мария унизительными замечаниями про застрявший в зубах укроп и сто раз повторенным «как ваше отчество», что Елена разденется до нижнего белья и наденет белое платье с фатой. «Башмаков ещё не износила, в которых шла за гробом мужа, как бедная вдова, в слезах... и вот она - жена другого». Только тут это история жизни не матери Гамлета, а отца Сони. Поминки стремительно перерастают в свадьбу – дикую, странную, заведомо обреченную на несчастливый брак. Чтобы описать жизнь Елены с мужем, П.Ю. придумывает отличную метафору. Елена рассказывает историю о том, как когда-то долго ждала свой автобус, но он всё не приходил, и тогда она села в первый попавшийся, и уехала не туда. Мое возникшее раздражение к этой неуместной тут Елене обернулось жалостью. Вообще все персонажи вызвали у меня огромное чувство эмпатии - каждого было жалко до слез. Дядю Ваню, который в детстве оказался заперт в туалете, потому что сломалась ручка и он не мог выйти. Метафора его замкнутой жизни там, откуда выход невозможен - из-за «сломанной ручки». Соню - с ее безответной любовью к Астрову и покинутостью, поскольку каждый тут занят своей личной жизнью. Машу - с ее неустроенностью и постоянной болью. Вся ее злость к Елене зиждется на ревности одинокой женщины к той, которая, как ей кажется, любима. Сценография как всегда у Шерешевского «полнокровная». П.Ю. помещает героев в квартиры, разделенные стеной. Астровы тут - соседи Серебрякова. Иногда задник поднимается, открывая вид на лестничную клетку, куда выходят покурить близнецы и где происходят самые важные разговоры об энтропии мира. Над сценой висит экран, который позволяет рассмотреть крупные планы, выкручивая психологизм на максимум. Про спектакль можно говорить еще долго, пытаясь разобраться в каждой сцене, в каждой детали на сцене. О картине Уайета «Зима», написанной после трагической гибели его отца. На ней изображен соседский мальчик, олицетворяющий потерянную душу художника. У героев души также потеряны, но, как скажет в финальном монологе Иван Петрович, они сами «просрали собственные души». О даче - родовом гнезде, где каждое лето детства проводили Ваня и Маша, а потом и Соня. Именно там, оказавшись во время прогулки под дождем, мама предложила ей представить, что они катаются на речном трамвайчике. Соня вспоминает этот день, как самый счастливый в своей жизни. Поэтому продажа дачи (ради спасения какого-то кинофестиваля) вызвала у дяди Вани и семьи «бурную» реакцию – ведь это продажа их былого счастья. Надо сказать, что Серебряков тут является киноведом, знатоком румынской новой волны в кино (и это в спектакле тоже не случайно). И все же главное, что показал режиссер лично мне – это то, о чем я часто в последнее время думаю. Мир уничтожают не катастрофы - мир разрушает ненависть, вражда, дрязги... Ждать спасения извне – непродуктивно. Надо разбираться самим. Делать все, что можем, даже если «читали сценарий» и знаем, чем все закончится. Я так хотела, чтобы у дяди Вани и Елены Андреевны, когда он объяснился ей в любви, на этот раз все получилось. Но это невозможно не только в рамках этой семьи, страны, но и в масштабе всего нашего земного «шарика», в котором энтропия достигла максимума. Полный отзыв тут. Про невероятные актерские работы там же. Фото Владимир Кашицин

⚡️Друзья, пока ждем спектакль "Пыль да Небыль" (и не факт, что он будет, но очень надеюсь), уже завтра, 10 декабря, можно посмотреть постановку того же творческого тандема - режиссера Павла Ващилина и драматурга Ивана Андреева. "Надо что-то делать" - это комедия в жанре абсурда с прекрасными актерскими работами. Повторяться не буду, про спектакль подробно писала тут. Это совершенно новогодняя история, роли в которой исполеяют мой любимчик Илья Козырев (едва находит время в плотном графике репетиций "Дон Кихота" в МХТ), Янина Колесниченко, Георгий Ковалев и Елизавета Орлова. И самое приятное. На спектакль действует промокод ПАВЕЛ, который дает скидку 25% на билеты на оба показа

Telegram doesn't show this post on the web. Open it in Telegram to see it.

А для совсем быстрых на подъем есть два билета на спектакль "Дачники" Юрия Муравицкого. Начало в 17.00. Студенческий театр на Ленинградке, 17. Партер 3 ряд

Подарок Друзья! Один из моих подписчиков хочет подарить свой билет на спектакль "Дядя" Петра Шерешевского легким и быстрым на подъем, так как спектакль уже сегодня. 7 декабря в 19.00 МТЮЗ Партер 16 ряд Пишите в комментариях

Не удержалась и посмотрела "Дядю" Шерешевского еще раз. Хотя, к чему лукавить, я предполагала, что так будет. Позавчера я сказала, что не бывает спектаклей для женщин и для мужчин, но Петр Юрьевич сумел удивить и поставил "женский" спектакль. Я ошиблась! Этот спектакль одинаково пробивает и женщин, и мужчин. Если, конечно, вообще пробивает "Дядя" настолько эмоционально заряжен, что некурящие знакомые спрашивали у меня, тоже некурящей (а вдруг?) сигарету, чтобы покурить и как-то успокоиться. Кто-то истерично весь спектакль ржал, кто-то сдерживал слезы. Подруга в половине четвертого ночи написала, что не может уснуть, не отпускает... Я еще сформулирую свои восторги во что-то более вразумительное. Потому что там не только эмоции - там всё, вся наша жизнь... Но то, что Шерешевский крут - для меня уже аксиома.

Друзья, дорогие подписчики! 8 декабря в Пространстве "Внутри" после спектакля "Добыть Тарковского" состоится встреча с Павлом Селуковым - автором сборника рассказов, по которому поставлен спектакль. И презентация его новой книги. Можно задержаться после первого показа (в 18.00) и дождаться встречи с автором, которая пройдет после второго (в 20.00) показа спектакля. Книга называется «Пограничник». К охране государственной границы и вообще любой службе, которая и опасна, и трудна, отношения не имеет. Название отсылает к состоянию сознания, в котором поселился свой Доктор Джекил и Мистер Хайд. Театральный критик Ольга Фукс так описала свои впечатления: "Меня эта книжка буквально размазала. Степенью откровенности, честности, исповедальности, беспощадности к самому себе: Павел (ок, допустим, его лирический герой) сам отдает себя на Страшный суд еще при жизни. Где-то рядом маячит «Роберто Зукко» бунтующего интеллектуала Бернара-Мари Кольтеса. И одновременно – предельной, всепоглощающей тягой к свету, к которому он все-таки в итоге выбирается. Спойлерить не хочется, но, провалившись в «Пограничника», как в омут, я в какой-то момент захотела, чтобы этот автобиографический роман хотя бы частично содержал в себе литературный вымысел. Павел Селуков, говорят, все равно до конца не расскажет, где правда, где вымысел, особенно, когда первое кажется совершенно нереальным, а второе абсолютно правдоподобным. Но, возможно, вам расскажет". Это бывает редко, но сейчас как раз тот самый случай: Пространство "Внутри" дает скидку 25% на билеты на оба показа спектакля 8 декабря. Промокод ТАРКОВСКИЙ. В спектакле играют артисты МХТ им.Чехова Антон Лобан, Влада Сухорукова, Мария Сокольская, Александр Поршин. Одна моя приятельница после спектакля написала мне: "Я так давно не смеялась". По-моему, годная рекомендация 😄

"Ты не можешь выиграть, не можешь сыграть вничью, даже выйти из игры не можешь"... Петр Шерешевский поставил офигенный спектакль. Давно меня так не пробивало на эмоции в театре, чтобы смотреть на сцену с полными слез глазами. Так мне всех было жалко! И еще я очень люблю Викторию Верберг и Полину Одинцову. Про Гордина вообще молчу. "Дядя" в МТЮЗе.

В июне была у Кудряшей на экзамене по актерскому мастерству и режиссуре. Темой семестра был заявлен «А.С.Пушкин». Тогда они показали настоящие мини спектакли собственного сочинения и поставленные педагогами курса. Один из них, дополненный новыми этюдами, вырос в спектакль под названием «Онегин. Телесные комментарии к роману». Поставила спектакль режиссер-педагог Наталья Евгеньевна Шурганова, а Кудряши получили возможность продемонстрировать свое безупречное владение телом. Спектакль к Пушкину имеет такое же отношение как жилой комплекс «Онегин» к герою романа «Евгений Онегин». Но это только так кажется на первый взгляд. На самом деле, это их фантазии на тему, какими были бы Женя и Вова, если бы жили в современном мире, какие сны видела бы Таня сейчас. Как они знакомятся и объясняются в любви, дружат и вообще проводят время. Можно сказать, что у спектакля нет привычного сюжета, событийности - он создан из пластических этюдов. В одних - возникают отдельные реплики и разговорные ситуации. В других, как в этюде «Пули», звучит целый рассказ о том, что происходит с человеческим телом в момент, когда его пронзает пуля - и начинается он со смертельного ранения Пушкина. Как здорово они обыгрывают любой текст, неважно – пушкинский или собственный с примесью молодежного сленга. Как выразительно с помощью пластики передают свои чувства, тревогу, стыдливость, нежность... С какой завораживающей паучьей «грацией» двигается Анна Суховеева, изображая полет пули. Словно медленно ползущий и извивающийся скорпион, который выпустит ядовитое жало, как только настигнет жертву. Главное же, что студенты смело пробуют себя в разных жанрах, не боятся искать свой путь и набираться опыта. И у них это получается – они поют, бешено танцуют, исполняют сложные акробатические трюки. Оливер Мара сидел за пультом и сам управлял звуковыми и видео эффектами. Они изучают театр во всей его полноте, не очерчивая себе никаких границ. Следующей их премьерой будет спектакль «Дом Бернарды Альбы» в постановке Дениса Лобанова. Мне кажется, что Кудряши придумали оригинальный ход, отказавшись от главного героя пьесы - Бернарды Альбы. «Нам показалось интересным создать историю, которая не нуждается в злодеях».

«И я там был. Сказки Афанасьева». Режиссер Арсений Мещеряков. Театр наций. Фольклорист, исследователь культуры славянских народов, литературовед и историк – всё это в одном лице Александр Афанасьев. А знаменит он тем, что собрал под одной обложкой целую вселенную народных русских сказок. Из шестисот сказок, изданных Афанасьевым, Арсений Мещеряков выбрал девять - максимально разнообразных. И предъявил их зрителю в том первозданном виде, в каком они были записаны. Ни единого слова литературной поправки - только «нефильтрованный» язык народного творчества. И все потому, что любое вмешательство в текст уничтожило бы его уникальность. Название спектакля «И я там был» придумано очень удачно: узнаваемая фраза как-то сразу настраивает на сказочный лад, отправляет в мир древних сказителей. С этой концовкой мы оказывались не просто читателями, а как будто сами попадали внутрь сказки. Такое же ощущение остается и после спектакля. «Сказки Афанасьева» в буквальном смысле насыщены яркими красками: от световых панелей (других декораций в постановке нет) до выразительных костюмов и грима. Режиссер обозначил жанр спектакля как клоунаду. Для клоунады характерны «говорящие» детали костюма - они раскрывают характер персонажа или подсказывают его род деятельности. Внешний облик тут словно сам обретает голос и рассказывает историю персонажа, являясь таким же важным театральным «инструментом», как музыка и пластика. Эти элементы костюмов довольно интересно разглядывать. Льняные платья, холщовые рубашки, лапти и разные войлочные «штучки». У зверей, которые сожрали друг друга, на поясе пристегнуты животы, у Колобка - что-то вроде шлема как у космонавтов, а космос, видимо, олицетворяет неизведанный, опасный мир. У дерева, которое подобно золотой рыбке исполняет желания взбалмошной старухи – огромные черные ветви. Но вся эта пестрота и кажущаяся инфантильность не должны вводить в заблуждение - это спектакль для взрослых. На фоне юмора и комической манеры исполнения - гримас, неестественных движений, пропевания текста в разных музыкальных стилях – тут звучат жутковатые истории о смерти, насилии, охоте, травле друг друга. Я бы вряд ли хотела, чтобы в подростковом возрасте меня отправили изучать такой внешний мир, населенный чудовищами, психами и уродцами. Даже безобидная щука (замечательная Анна Галинова) предстает здесь хтонью с кровавым оскалом и гребнем в виде пилы на голове. Хотя взрослые сейчас, пожалуй, более впечатлительные, чем дети - дети не так остро ощущают свою уязвимость. Спектакль начинается со смерти – рушится терем-дом и гибнут все его обитатели. Смертью и заканчивается – сказкой о Колобке. Фатальный исход, хаос ощущается почти в каждой сказке. Этот ужас от осознания хищнической природы мира, хотя вроде бы и не нов в нашей жизни, но накрывает не только зрителей, но и самих артистов. «Нам нужно было сойти с ума, а потом собрать себя заново». На этом фоне сказка о цапле и журавле кажется самой лайтовой, хотя в плане актерского исполнения (Арсений Касперович и София Петрова) в ней достигнута невероятная степень отрешенности и безразличия к жизни. Ходят (тяп-тяп-тяп) друг к другу свататься два одиночества и никак не могут договориться... Так что ни о каком сказочном хэппи-энде речь, конечно же, не идет. Что касается театральной магии - мне кажется, она режиссеру и артистам вполне удалась 😄

Спектакль режиссера Александра Плотникова «Хиросима» рассказывает о выживших в катастрофе - атомной бомбардировке японского города Хиросима 6 августа 1945 года. В основу спектакля легла статья военного репортера Джона Херси, вышедшая в 1946. Это был уникальный случай в истории газеты The New Yorker: они отдали под репортаж все полосы, от первой до последней, и убрали всю рекламу. Репортаж стал сенсацией. Херси собрал множество свидетельств, но в итоге сосредоточил внимание на шести судьбах. «Дочери Сосо» не перевоплощаются в своих персонажей, не стремятся прожить на сцене их эмоции - они становятся голосами историй выживших в аду. Актрисы произносят слова почти отстраненно, почти бесстрастно, почти не меняя позиций на сцене. Но за этим внешним спокойствием скрывается невероятный эмоциональный накал, способный пробить воображение любого в зале. Александр Плотников создал спектакль, который красив утонченной, сдержанной японской красотой - сценография вдохновлена традиционным японским садом камней, а само действие происходит на залитой водой сцене, с клубящимся над гладью воды туманом. Толща воды актрисам по щиколотку, и при каждом их шаге в тишине раздается медитативной плеск... Спектакль дает возможность пристально рассмотреть и вслушаться в судьбы выживших, которых называли «пережившими свет». Они пережили апокалипсис, они выжили в городе, который исчез с лица Земли за считанные минуты... «Хиросима» идет в Пространстве «Внутри», но в феврале она приедет в Санкт-Петербург. 25 и 26 февраля спектакль сыграют на площадке «Пароход». А 27 февраля у «Дочерей Сосо» состоится камерно-неформальный «Квартирник», где звучат стихи Федора Сваровского и самые разные песни. Я понимаю, что загадывать в начале зимы поход в театр в конце зимы немного странно, но кто ж из театралов не странен?

«Театр для меня – это эклектика, сложенная в гармоничное целое». Творческая встрече с Петром Шерешевским в лектории «Прямая речь». Петр Юрьевич с самого начала решил взаимодействовать с живыми вопросами из зала. И было их так много, что мы могли бы сидеть до утра. Напишу тезисно: С детства мечтал рассказывать истории, писал стихи и рассказы. Профессия режиссера - прагматичный выбор: это возможность рассказывать истории, осмыслять собственное существование через литературу и таким образом познавать мир. Если бы жил 100 лет назад и был писателем, любопытно было бы посмотреть, как режиссеры сейчас осовременивают его тексты. Закончил художественную школу и увлекается живописью, что очень помогает в постановке спектаклей. Бывает, что сам создает сценические пространства (в КТМ). Работать в Питере и в Москве приятнее, поскольку спектакль дольше проживет и у него будет больше зрителей. Это важно, так как любой спектакль – это желание диалога со зрителем. Из личного опыта П.Ш.: Москва чаще всего принимает спектакли с распахнутыми объятиями, Питер более настороженно. О подборе музыки к спектаклям. Музыка в спектаклях – это отдельный персонаж. У спектакля должны быть очень разные ритмы. Музыку выбирает интуитивно, чаще из того, что слушает. «Что угодно можно приставить к чему угодно, но если их правильно завязать между ними происходит такая молекулярная связь, что вдруг оно начинает резонировать и работать». В «Дяде» будет и попса, и сочинения Мечислава Вайнберга (и рассказ про этого композитора), и музыка от московской группы «Шкловский» – «всеядное поглощение всего, что прилетело из мироздания ко мне, которое я пытаюсь подвинтить, чтобы оно подходило одно к другому» . Про камеры и экраны. Использование камер и экранов – не модный прием, а театральный язык. Камеры позволяют передавать энергию большой сцены, видеть и ощущать живых людей, которые рождают живые эмоции, а не только угадывать их. (Петр Юрьевич, кстати, сказал, что когда в театре сидит дальше 5го ряда, то уже ничего не понимает и не чувствует. Как же я согласна! Я тоже люблю сидеть близко). В большом зале есть магия, в больших залах проще говорить про космос, про мироздание. А онлайн трансляция позволяет и ощущать энергию, и понимать, что все это происходит здесь и сейчас. Но также этот «медиум» дает возможность делать какие-то дополнительные художественные интересные «штуки». О первом опыте использования камер в одном из моих любимых спектаклей «Ревизор» – в прикрепленном видео. В театр на чужие постановки ходит 3-4 раза в месяц. Из прекрасного за последнее время: «Три сестры» Андрея Маника (Пространство «Внутри»), «Мадам Бовари» Антона Федорова, «Елка у Ивановых» и «Иуда из Кариота» Романа Муромцева, «67/3. Одна ночь из жизни трех композиторов» (творческое объединение Mader nort) – все композиторы учились у Настасьи Хрущевой. «Винни-Пух» - пока единственный детский спектакль, который поставил П.Ю. Делал его для дочки, которой сейчас почти 12. Опыт оказался настолько интересным, что теперь в планах - новые постановки по любимым детским книжкам. Буддистскую открытость миру через детскую литературу легче выражать. На вопрос, что он транслирует зрителям, ответил, что скорее не транслирует, а исследует. В спектакле сталкивает себя с неразрешимыми противоречиями, с вопросами, на которые нет правильных ответов, живет и пытается хоть как-то их внутри себя согласовать. А если сформулировать совсем просто, то хочется одного, «чтобы люди любили друг друга и не обижали». На сцене телесность - первостепенна. Не знает другого способа говорить о душе, кроме как через тело, через самые первичные, инстинктивные желания человека. Поэтому вместо условной театральности - настоящая еда, настоящие ощущения. Зритель должен хотеть есть, ощущать сексуальность, чувственность. Когда рассказывал про свой опыт за рубежом и желании его продолжить, у зрителя включился навигатор и очень громко произнес: «Вы на месте». Хочется слова навигатора поддержать и сказать, что вы, Петр Юрьевич, тут на своем месте и мы очень ждем ваших премьер. И, конечно, пожелать творческой удачи.

Друзья, дорогие подписчики! С началом зимы нас всех! Вчера я шикарно стряхнула с себя ноябрь, мой самый нелюбимый месяц: успела на две отличные выставки и попала на фееричную читку в МХТ. Сначала - маленькая, почти камерная экспозиция позднего Осьмеркина. Потом - размах моновыставки Ирины Затуловской, в которой можно пропасть на пару часов. Обе закрылись именно вчера, так что я, как обычно, прыгнула в последний вагон. Но бонусом к посещению в последний день работы было присутствие самого автора. Ирины Затуловской разумеется, не Осьмеркина 😄 «Грабли – наши скрепы», «Заборы – наши скрепы» Но написать я хочу о читке, которую поставил Павел Ващилин по пьесе драматурга из Екатеринбурга Ивана Андреева. У них уже есть творческая история: не так давно в рамках Артхаба Павел поставил эскиз по другой пьесе Ивана Андреева «Надо что-то делать». Эскиз вырос в спектакль и идет сейчас в Пространстве «Внутри». Новая пьеса называется «Пыль да Небыль». Это народная сказка для взрослых (хотя я считаю, что большинство сказок написаны для взрослых) про Федю-дурака, который отправился «туда – не знаю, куда» привести «того – не знаю кого». Жил-был Федя-дурак (Антон Лобан). Однажды он зашел в магазин канцтоваров, чтобы купить ручку, и влюбился в продавщицу Настеньку (Мария Сокольская). Настеньку харассил коварный искуситель - владелец магазина (Кирилл Трубецкой). И вот внезапно обнаружив в себе смелость былинного героя, Федя отправляется искать «право», а точнее, единственного в округе Спасителя, ну то есть адвоката. Адрес, как и положено, сказочный - у черта на куличиках тридевятый дом, тридесятая квартира. По пути ему встретится всякая хтонь. Сережа – Серый волк (Даниил Феофанов), который домчит его на велосипеде через жуткий мост, Сонечка Мармеладова – Жар-Птица (Ульяна Глушкова), которая светом укажет ему правильный путь, Баба Яга Яна (Янина Колесниченко), проводящая безвылазно и без сна время в избушке - круглосуточном киоске «24 часа», и другие. Вместе они с успехом пройдут через все испытания и в финале зрителей ждет хэппи-энд, потому что в сказке добро всегда вознаграждается, а зло получает по заслугам. Право побеждает беззаконие (в сказке). Сюжет, в общем-то, не очень затейливый, но честно соблюдает все каноны сказки с ее легко угадываемыми перипетиями и архетипами. Пьеса написана с отличным юмором, чувством ритма и той волшебной интонацией, которая уводит за собой в дебри приключений. Местами автор позволил себе фривольность, которая так свойственна драматургам Уральской школы, но ведь это сказка для взрослых, не правда ли? В МХТ действительно, как сказал Павел Ващилин после показа, фантастическая труппа. Да, слог пьесы имеет большое значение, но без этих артистов и режиссёрской выдумки она бы не зазвучала так эффектно. Тем более что на финальном этапе Иван Андреев вместе с Павлом Ващилиным буквально «примеряли» текст на каждого исполнителя, подстраивали роли под их психофизику. Я бы даже не назвала это действо читкой. От читки там только листки с невыученным (не было такой задачи) текстом. А в остальном – это полноценный спектакль. С визуальным рядом на заднике сцены, где на фоне панелек иногда возникали смешные портреты главный героев – Феди и Настеньки. С музыкальными перебивками, причём не случайными, а тщательно продуманными: от «Шербургских зонтиков», где Мария Сокольская и Антон Лобан выдали прекрасный дуэт, до «Иронии судьбы», «17 мгновений весны», «Журчат ручьи» и «Титаника». Каждая мелодия не просто уместно иллюстрировала действие, а подбрасывала искру - и зрительный зал радостно хохотал. А как профессионально поет Ульяна Глушкова! Но и это еще не все – режиссер добавил в «читку» несколько танцевальных этюдов. В общем, у меня восторг, хочу, чтобы вместо всех «Голубых огоньков» и «Старых-новых песен о главном» в новогоднюю ночь по всем каналам показывали эту «Пыль да Небыль». Фото и видео - Елена Посувалюк

«Макбет». Режиссер Елизавета Бондарь. Театр Наций Мои альтернативные соцсети подкинули воспоминание, что ровно два года назад я посмотрела спектакль Лизы Бондарь «Макбет». А тут я о нем еще не писала. Я не жду от Бондарь веселого водевиля со времен потрясшего меня спектакля «Танцующая в темноте», но «Макбет» превзошел все мои ожидания. «Картинка» и звуковой (шумовой) фон способен довести в прямом смысле слова до исступления. Мрачное, погруженное во тьму пространство сцены, в центре - иссохшее, залитое свинцовым дождем дерево, корни которого расползлись и опутали всю поверхность. Повсюду сухие комья развороченной снарядами, воющей и ревущей земли. Взрывы, выстрелы, набат, грохот и скрежет военных действий. Эту «музыку» сочинил Петр Айду, а «музыкальные инструменты» (жестяные листы, металлические ржавые трубы и прочую арматуру) постановщики взяли буквально со свалки. Действие происходит после тотальной опустошительной войны, и все эти звуки раздаются, скорее всего, в голове контуженного Макбета (Дмитрий Гизбрехт). Тут у каждого персонажа тут есть какой-то дефект, вызванный посттравматическим синдромом. Как сломанные игрушки - они трясутся, заикаются, спотыкаются, пресмыкаются, хрипят и пищат. Нет ни одного нормального человека - все искалечены, вывернуты, надломлены страшной войной. Дункан больше похож не на короля, а на «батяню-комбата», три ведьмы тут существуют в образе одной уродливой цыганки-бродяжки, требующей «позолотить ручку» в обмен на предсказания. Малкольм, узнав об убийстве отца, просит Макбета о пощаде и сбегает в Англию (за границу) - в безопасность, беспечность и кокаиновый дурман. Банко таскает сына, крепко сжимая его в объятиях, боясь выпустить из рук, словно прикрывая своим телом, потому что сыну грозит гибель. Так кенгуру таскает своего детеныша. Леди Макбет (по сюжету уже потерявшая ребенка) не расстается с пустой люлькой, то и дело сюсюкает с воображаемым младенцем, в речах постоянно сбивается на тему материнства и вынашивания ребенка. Я смотрела спектакль еще с Марией Смольниковой - играла и больное отчаяние, и жажду власти. Ей удавалось создать два совершенно разных образа, за секунды мастерски меняя тембр голоса, выражение глаз, мимику. Леди Макбет у Смольниковой существовала на пределе эмоциональных сил. Очень интересно посмотреть Софию Сливину в этой роли. Война обращает вернувшихся воинов в первобытное состояние - однажды почуяв кровь, трудно остановиться. А почуяв власть - тем более. Летят головы на пути соискателя трона, забывшего, что «человек - это единственное чудо на Земле». Дорвавшийся до высшей власти Макбет не сожалеет даже о жене - «всегда путалась под ногами, теперь же нашла время умереть». Язык персонажей значительно упрощен. Странно было бы им в заданных обстоятельствах велеречиво общаться на языке Шекспира. Драматург Анна Лифиренко использовала разные переводы «Макбета», добавив (и частично преобразив) в речь героев несуществующие слова. Эти неологизмы порой неприличны («Я благоговняю тебя»), а иногда и вовсе превращаются в абракадабру. Что поделать? А ля гер ком а ля гер. На войне как на войне. Там люди не всегда способны изъясняться членораздельно. Смотреть спектакль трудно, это эмоционально напряженная работа. На протяжении двух часов, не давая перевести дух, нам показывают, как мир погружается в ад. И смотреть тяжело, потому что понимаешь, что выхода у них нет, надежды нет, веры, что все изменится, нет. Одна война тотчас же продолжается следующей. Один кровожадный тиран приходит на смену другому. «Да здравствует Мудляндии новый король!»...