Российский духовно-культурный центр на Бранли

#вэтотдень, 40 лет назад - 20 февраля 1986 г. - состоялся запуск орбитальной станции «Мир», ставшей первой в истории человечества модульной космической лабораторией. Этот проект ознаменовал собой фундаментальный переход от жестких моноблочных конструкций, таких как советские станции серии «Салют» или американский Skylab, к гибким многоцелевым комплексам, способным годами наращивать свои возможности прямо на орбите. 🛰 В течение последующего десятилетия к базовому блоку станции «Мир» присоединялись специализированные модули - «Квант-2», отвечающий за выход в открытый космос, «Кристалл», предназначенный для научных исследований, «Природа» - биотехнологических экспериментов и другие. «Мир» стал первым реальным прототипом города на орбите, о котором мечтал знаменитый теоретик космонавтики К.Э. Циолковский. Станция «Мир» стала уникальной площадкой для глобального международного сотрудничества, фактически положив конец эпохе «космической гонки» и подготовив почву для создания Международной космической станции (МКС). Именно здесь были поставлены рекорды, которые остаются непревзойденными, — в частности, космонавт Валерий Поляков совершил самый длительный в истории непрерывный полет, пробыв на орбите 437 суток. "Мир" стал уникальным инженерным объектом ХХ века, за время своего существования, 5511 суток, совершила 86331 витков вокруг Земли. За 15 лет работы на станции провели более 30 000 научных опытов, на ней побывали 104 космонавта из 12 стран мира, включая США, Францию, Германию и Японию. Станция завершила свой путь 23 марта 2001 г., оставив после себя колоссальное научное наследие и став символом совместного мирного освоения космоса. 🛰 Сегодня можно посетить воссозданные в реальную величину макеты станции «Мир» и основных ее модулей на ВДНХ в Москве, в Музее Звёздного городка, а также в Музее Космоса во французской Тулузе.

✨ Dans le cadre de l'exposition « La grande route russe du Nord. Le fil d'or des siècles », nous continuons à vous présenter ses endroits particuliers. Aujourd'hui, nous allons parler de Petrozavodsk, la capitale de la République de Carélie. Elle a été fondée en 1703, en même temps que Saint-Pétersbourg, sur ordre de Pierre Ier pour y construire une usine d'armes. Petrozavodsk a obtenu le statut de ville en 1777, et peu après, le premier « chemin de fer en fonte » au monde a été construit sur le territoire de l'usine. La ville est surnommée « le port des cinq mers » : grâce à un réseau de rivières, de lacs et de canaux, Petrozavodsk est reliée à la mer Baltique, à la mer Blanche, à la mer de Barents, à la mer Caspienne et à la mer Noire. C'est ici, sur les rives du lac Onega, qu'a vécu l’un des prototypes d’Eugène Onéguine, le héros du roman en vers d'Alexandre Pouchkine. Petrozavodsk est assimilé aux régions de l'Extrême-Nord : en été, les nuits blanches y sont plus lumineuses qu'à Saint-Pétersbourg, et en hiver, on peut y observer des aurores boréales. 🌳 Elle est considérée comme la ville la plus verte de Russie : elle est entourée de forêts et compte de nombreux parcs. 🖼 L'une des attractions de la ville est le Musée des Beaux-Arts, qui présente non seulement une collection d'œuvres de célèbres artistes russes, tels que Chichkine et Répine, d'icônes caréliennes anciennes et d'objets d'art décoratif et appliqué, mais aussi une collection unique de peintures caréliennes des XIXe et XXe siècles. La promenade du lac Onega est devenue la carte de visite de la ville. Le long de cette promenade se trouve le Parc des sculptures, véritable galerie d'art contemporain à ciel ouvert. Sa construction a commencé dans la seconde moitié du XXe siècle et son inauguration a eu lieu le 25 juin 1994, jour de la fête de la ville. Les sculptures ont été offertes à Petrozavodsk par ses villes jumelles, créées par des artistes contemporains et fabriquées dans des entreprises municipales. Elles sont toutes consacrées aux idées d'amitié, de coopération et d'interpénétration des cultures. La première sculpture à apparaître fut « Les pêcheurs » de la ville de Duluth (États-Unis), suivie du « Panneau de Tübingen » de Tübingen (Allemagne), puis de « L'arbre des souhaits » d'Umeå (Suède), « La vague de l'amitié » de Varkaus (Finlande), « Sous les mêmes étoiles » de Neubrandenburg (Allemagne), « Le lieu de rencontre » de Mo i Ran (Norvège), « L'unité (L'étincelle de l'amitié) » de Joensuu (Finlande) et « Le porte-monnaie de la chance » de Riga (Lettonie). En 1999, la ville française de La Rochelle a offert à Petrozavodsk la sculpture « La Belle au bois dormant » de Jean-Pierre Dussaillant.

✨ В рамках проходящей выставки «Великий русский северный путь. Золотая нить столетий» продолжаем рассказывать о его достопримечательностях. Сегодня речь пойдет о Петрозаводске – столице республики Карелия. Он был основан в 1703 году, одновременно с Санкт-Петербургом, по приказу Петра I для строительства оружейного завода. Статус города Петрозаводск получил в 1777 году, а вскоре на территории завода проложили первый в мире «чугунный колесопровод» — железнодорожное полотно заводского значения. Город называют «портом пяти морей»: через систему рек, озёр и каналов Петрозаводск связан с Балтийским, Белым, Баренцевым, Каспийским и Чёрным морями. Здесь жил Евгений Онегин — герой романа в стихах А. С. Пушкина, на берегах Онежского озера. Петрозаводск приравнен к районам Крайнего Севера: летом здесь белые ночи ярче, чем в Петербурге, а зимой можно увидеть северное сияние. 🌳 Его считают самым зеленым городом России – он окружен лесами, а внутри расположены многочисленные парки. Одной из достопримечательностей города является Музей изобразительных искусств, представляющий не только собрание работ знаменитых русских художников, Шишкина и Репина, старинных карельских икон и предметов декоративно-прикладного искусства, но и уникальную коллекцию карельской живописи 19 и 20 веков. 🖼 Визитной карточкой города стала набережная Онежского озера, вдоль набережной которой разместился Парк скульптур – настоящая галерея современного искусства под открытым небом. Ее строительство началось во второй половине XX века, а в День города, 25 июня 1994 года, состоялось открытие. Скульптуры были подарены городами-побратимами Петрозаводску, созданы современными художниками, а изготовлены на городских предприятиях. Все они посвящены идеям дружбы, сотрудничества и взаимопроникновения культур. Первой появилась скульптура «Рыбаки» из города Дулут (США), потом - «Тюбингенское панно» из Тюбингена (Германия), позже - «Дерево желаний» из Умео (Швеция), «Волна дружбы» из Варкаус (Финляндия), «Под одними звёздами» из Нойбранденбурга (Германия), «Место встречи» из Мо-и-Ран (Норвегия), «Единство (Искра дружбы)» из Йоэнсуу (Финляндия), «Кошелек удачи» из Риги (Латвия). Французский город Ля-Рошель в 1999 г. подарил Петрозаводску скульптуру «Спящая красавица» авторства Ж.-П. Дюссайена.

🩰 Le 12 février a marqué le 145ème anniversaire de la grande ballerine russe Anna Pavlova (1881-1931), incarnation de l'art du ballet au XXe s. Ses contemporains disaient qu'en elle, ils ne voyaient pas une danseuse, mais la réalisation de leur rêve de danse. Elle semblait aérienne, venant de l’autre planète, volant sur scène. Anna Pavlova est née à Saint-Pétersbourg en 1882. Après avoir vu le ballet de Tchaïkovski « La Belle au bois dormant » en 1889, la jeune fille a décidé de devenir ballerine et, à l'âge de 10 ans, elle est entrée à l'École impériale de théâtre. Elle s'entraînait au barreau pendant 7 à 8 heures par jour et, grâce à son talent et à son travail acharné, elle a été admise dans la troupe du théâtre Mariinsky en 1899. On lui a confié rapidement les rôles principaux. En 1902, elle a déjà brillé dans le rôle de Nikiya dans La Bayadère, puis a interprété Giselle, Raymonda, Kitri dans Don Quichotte et Odette et Odile dans Le Lac des cygnes. De 1906 à 1913, Pavlova était la danseuse étoile du Mariinsky, puis l'une des plus grandes danseuses du XXe s. Mikhaïl Fokine créait des ballets spécialement pour elle : La Vigne, Chopiniana, Le Pavillon d'Armide et Les Nuits d'Égypte. Avec elle, un nouvel idéal de beauté fit son apparition sur la scène du ballet : les Vénus voluptueuses de l'époque de Petipa furent remplacées par les Sylphides éthérées. 🦢 Le rôle qui a rendu la ballerine immortelle est bien sûr celui du Cygne. Au départ, il n'était pas mourant. Le chorégraphe et ami Fokine a imaginé pour Anna un numéro de concert sur la musique de Saint-Saëns en quelques minutes seulement, en improvisant avec elle. Au début, le « Cygne », dans un tutu léger bordé de duvet, flottait simplement dans la sérénité. Mais ensuite, Anna Pavlova a ajouté à ces 130 secondes de danse la tragédie d'une mort prématurée, et le numéro est devenu un chef-d'œuvre, tandis qu'une « blessure » – une broche rouge en rubis – brillait sur le tutu blanc. Lorsque Saint-Saëns a vu Pavlova danser son « Cygne », il lui a dit : « Madame, grâce à vous, j'ai compris que j'avais composé une musique magnifique ! » 🌹 En 1909, après avoir dansé dans les « Saisons russes » à Paris, la ballerine a quitté la troupe de Diaghilev et a poursuivi sa carrière en solo. Sa vie est devenue une tournée mondiale sans fin : Pavlova se produisait non seulement en Europe et en Amérique, mais elle a fait également découvrir son art en Inde, en Égypte, en Chine, au Japon, en Birmanie, à Cuba et aux Philippines, devant des spectateurs qui n'avaient jamais vu de ballet auparavant. Elle a ainsi continué à se produire jusqu'à sa mort soudaine et prématurée en 1931, lors d'une tournée à La Haye. On sait peu de choses sur la vie réelle d'Anna Pavlova. Elle adorait l'art, la Renaissance lui semblait être la plus belle des époques. Ses sculpteurs préférés étaient Michel-Ange et Donatello, et ses peintres préférés étaient Léonard de Vinci, Botticelli et Sodome. Dans le ballet, ses goûts ont été influencés par les lignes épurées de l'art de la Renaissance. Tous ses partenaires avaient des silhouettes athlétiques, semblables à celle du « David » de Michel-Ange. Pavlova aimait la mode, se laissait volontiers photographier et posait même pour de grandes maisons de couture. En février 1926, à Paris, elle posa pour la couverture du magazine de mode « L'Officiel » dans un manteau en velours côtelé. Au début du XXe siècle, le style vestimentaire « à la Pavlova » est apparu. Tout le monde a découvert les châles à franges, le satin « Pavlova » et les kokoshniks, dont l'un faisait partie du costume dans lequel elle interprétait la « Danse russe » de Tchaïkovski. Les rares moments de détente la ballerine passait dans sa maison de campagne Ivy House, en banlieue de Londres, où elle avait un jardin de roses, des chats, des chiens et plein d'oiseaux différents. Son préféré était Jack, un cygne blanc apprivoisé qui participait avec elle à des séances photo.

🩰 12 февраля исполнилось 145 лет со дня рождения выдающейся русской балерины Анны Павловой (1881 – 1931), ставшей олицетворением искусства балета в ХХ в. Современники говорили, что, глядя на нее, видели не танцы, а воплощение своей мечты о танцах. Она казалась воздушной и неземной, летая по сцене. Анна Павлова родилась в Санкт-Петербурге в 1882 году. Увидев в 1889 году балет Чайковского «Спящая красавица», девочка решила стать балериной и в 10-летнем возрасте поступила в Императорское театральное училище. Она занималась у хореографического станка по 7 – 8 часов в день и, благодаря таланту и упорному труду, в 1899 году, после выпускного экзамена, была зачислена в труппу Мариинского театра. Ей быстро доверили главные партии в классических балетах. В 1902 году девушка блистала в роли Никии в «Баядерке», затем исполнила Жизель, Раймонду, Китри в «Дон Кихоте» и Одетту с Одиллией в «Лебедином озере». В 1906—1913 годах Павлова стала прима-балериной Мариинского театра, а впоследствии одной из величайших танцовщиц XX века. Михаил Фокин создавал балеты специально для неё: «Виноградная лоза», «Шопениана» и «Павильон Армиды», «Египетские ночи». С Анной Павловой на балетную сцену пришел новый идеал красоты: пышнотелых Венер эпохи Петипа сменили бесплотные Сильфиды. 🦢 Образ, который обессмертил балерину – это, конечно, Лебедь. Поначалу он не был умирающим. Балетмейстер и друг Михаил Фокин придумал для Анны концертный номер на музыку Сен-Санса буквально за несколько минут, импровизируя вместе с нею. Сначала "Лебедь" в невесомой пачке, отороченной пухом, просто плыл в безмятежности. Но затем Анна Павлова добавила в знаменитые 130 секунд танца трагедию безвременной гибели, – и номер превратился в шедевр, а на белоснежной пачке засияла "рана" – рубиновая брошь. Когда Сен-Санс увидел Павлову, танцующую его «Лебедя», он добился встречи с ней, чтобы сказать: «Мадам, благодаря вам я понял, что написал прекрасную музыку!» 🌹 В 1909 году, после выступлений на «Русских балетных сезонах» в Париже, балерина ушла из труппы Дягилева и продолжила самостоятельную карьеру. Ее жизнь превратилась в бесконечное кругосветное турне: Павлова выступала не только в Европе и Америке, но и привозила свое искусство в Индию, Египет, Китай, Японию, Бирму, Кубу, Филиппины, выступая перед зрителями, которые до нее никогда не видели балета. Так она гастролировала вплоть до своей скоропостижной кончины в 1931 г., во время турне в Гааге. О подлинной жизни Анны Павловой известно немного. Она боготворила искусство, ренессанс казался ей самой прекрасной из эпох. Ее любимыми скульпторами были Микеланджело и Донателло, а любимыми художниками — Леонардо да Винчи, Боттичелли и Содома. И в балете ее вкусы сложились под влиянием чистых линий искусства Возрождения. Все ее партнеры обладали атлетическими фигурами, подобными фигуре «Давида» Микеланджело. Павлова любила моду, охотно фотографировалась и даже позировала для известных домов моды. В феврале 1926 года в Париже она позировала для обложки модного журнала «L’оfficiel» в панбархатном манто. В начале XX века появился стиль одежды à la Pavlova. Модницы узнали про шали с кистями, атлас «Павлова» и кокошники, один из которых был частью костюма, в котором прима танцевала «Русский танца» Чайковского. Редкие моменты отдыха балерины проходили в загородном доме примы - Айви Хаус (пригород Лондона), где у неё был цветущий розовый сад, жили кошки, собаки и множество различных птиц. Ее любимцем был ручной белый лебедь Джек, который участвовал с ней в фотосессиях.

Уважаемые коллеги, дорогие друзья, от имени Российского духовно-культурного православного центра в Париже поздравляем вас с Днем дипломатического работника! Желаем оптимистического настроя, интересной и плодотворной работы, творческого вдохновения и хорошего настроения! #ддр2026 #деньдипломата

#cejour il y a 160 ans est né naissait Léon Bakst (1866-1924), artiste-peintre et illustrateur russe et français qui, au début du XXe siècle, a révolutionné le monde du théâtre avec ses décors et ses costumes incroyables, influencé la mode et dont l'héritage artistique reste aujourd'hui une source d'inspiration inépuisable. Il a passé son enfance et sa jeunesse à Saint-Pétersbourg, où il a étudié à l'école de l'Académie des Beaux-Arts. Au début des années 1890, Bakst a travaillé à Saint-Pétersbourg dans un atelier de manuels scientifiques, créait des illustrations de livres et réalisait des dessins de reportages pour les magazines L'Artiste et La Vie pétersbourgeoise. L'année 1890 a marqué un tournant pour Bakst, lorsqu'il s'est lié d'amitié avec Alexandre Benois et Serge Diaghilev, les futurs créateurs du magazine Le Monde de l'art, dans lequel le passé et le présent dialoguaient à travers un langage fait de stylisation subtile et d'ironie. Il participait aux expositions du Monde de l’art, travaillait pour des magazines, créait des affiches de théâtre et des couvertures, transformant l'image visuelle de Saint-Pétersbourg au tournant du siècle. 🎨 La renommée mondiale est venue à Bakst avec les Saisons russes de Serge Diaghilev, qui ont fait irruption sur les scènes européennes pour bouleverser le monde théâtral. Les décors de Bakst pour les mises en scène de Shéhérazade, Cléopâtre, Daphnis et Chloé, Narcisse , L'Oiseau de feu et L'Après-midi d'un faune ont remis en question le théâtre classique traditionnel, où régnaient des décors historiquement réalistes. Il utilisait des ornements plats à la place d'intérieurs « réalistes » ; des couleurs orientales saturées qui rompaient avec la palette pastel européenne ; des espaces conventionnels où les décors avaient autant d'importance que la musique et la plastique. Les critiques ont noté qu'après le spectacle de Bakst, le public européen affirmait avoir eu l'impression d'avoir pénétré dans un tableau, tant les couleurs et les formes avaient eu un impact fort sur les spectateurs. L'effet était si grand que la mode du début du XXe siècle a commencé à imiter les costumes de scène. Les motifs orientaux et les silhouettes amples ont fait leur apparition dans les vêtements : pantalons bouffants et turbans. Le nom de Bakst est devenu synonyme de luxe et d'exotisme : ses costumes étaient commandés par les clients les plus riches, il collaborait avec la maison Jeanne Paquin, influençait les collections des maisons de couture françaises Worth et Paul Poiret, et faisait la une du magazine Vogue. En 1909, il s'installe définitivement à Paris et s'impose en Europe comme l'un des principaux réformateurs de la scénographie et de l'art du costume. Dans les années 1910, le style de Bakst devient incontournable à Paris, Londres, Monte-Carlo et New York. Comme l'écrivait Jean Cocteau : « Le triomphe de Léon Bakst a balayé la poussière grise de nos scènes et l'a remplacée par une nouvelle poussière, dorée et brillante. » 🌹 En 1914, l'État français a récompensé ses mérites en lui décernant l'Ordre de la Légion d'honneur. Léon Bakst est décédé en 1924 à Paris, avant d'avoir terminé les décors pour le ballet Istar pour la troupe d'Ida Rubinstein. Il est enterré au cimetière de Batignolles.

#вэтотдень 160 лет назад родился Лев Бакст (1866 – 1924), русский и французский художник и иллюстратор, в начале ХХ в. перевернувший театральный мир своими невероятными декорациями и костюмами, повлиявший на моду, чье художественное наследие по сей день является неиссякаемым источником вдохновения. Детство и юность он провел в Санкт-Петербурге, занимался в училище при Художественной академии. В начале 1890‑х годов Бакст работал в Петербурге в мастерской научных пособий, создавал книжные иллюстрации и делал репортажные рисунки для журналов «Художник» и «Петербургская жизнь». Переломным для Бакста стал 1890‑й год, когда он сблизился с Александром Бенуа и Сергеем Дягилевым — будущими создателями журнала «Мир искусства», в котором прошлое и современность разговаривали на языке тонкой стилизации и иронии. Он участвовал в выставках «Мира искусства», работал для журналов, создавал театральные афиши, обложки, изменяя визуальный образ Санкт-Петербурга рубежа веков. Мировая слава пришла к Баксту вместе с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева, ворвавшимися на европейские сцены, чтобы перевернуть театральный мир. 🎨 Оформление Бакста к постановкам «Шехеразады», «Клеопатры», «Дафниса и Хлои», «Нарцисса», «Жар-птицы», «Послеполуденного отдыха фавна» стало вызовом привычному классическому театру, в котором царили исторически реалистичные декорации. Он использовал плоскостные орнаменты вместо «правдоподобных» интерьеров; насыщенные восточные колориты, ломавшие пастельную европейскую палитру; условные помещения, где декорация сохранилась на равных с музыкой и пластикой. Критики отмечали, что после спектакля Бакста европейская публика утверждала, что по её ощущениям, она побывала внутри картины — настолько сильно цвет и форма воздействовали на зрителя. Эффект был настолько велик, что мода начала XX в. стала подражать сценическим костюмам. В нарядах стали проявляться восточные мотивы и свободные силуэты: шаровары и тюрбаны. А имя Бакста стало знаком роскоши и экзотики¬: его костюмы заказывали богатейшие клиенты, он сотрудничал с домом Жанни Пакен, повлиял на коллекции французских модных домов Ворт и Поль Пуаре, попадал на страницы Vogue. В 1909 году он окончательно перебрался в Париж и закрепился в Европе как один из главных реформаторов сценографии и костюмного искусства. В 1910-х годах стиль Бакста стал основополагающим и в Париже, и в Лондоне, и Монте Карло, и в Нью-Йорке. Как писал Жан Кокто: «Триумф Льва Бакста смел с наших сцен серую пыль и заменил ее новой пылью — золотой и яркой». 🌹 В 1914 г. французское государство отметило его заслуги Орденом Почётного легиона. Лев Бакст скончался в 1924 г. в Париже, не доработав оформление балета «Истар» для труппы Иды Рубинштейн. Похоронен на кладбище Батиньоль.

🖼 L'exposition « La grande route russe du Nord. Le fil d'or des siècles », qui se tient actuellement au #CSCOR, présente les créations des ateliers artisanaux du monastère Novodievitchi - de broderie en or et d’iconographie. Ceux-ci constituaient historiquement le fondement de la vie artistique du monastère, où étaient créés des objets liturgiques. Les ateliers modernes accordent une grande importance aux arts traditionnels, en restaurant et en perpétuant les techniques anciennes. Aujourd'hui, nous aimerions vous parler un peu de l'ancienne technique de décoration des icônes : la broderie au fil d’or et la broderie en soie. La broderie au fil d’or est arrivée en Russie de Byzance avec l'adoption du christianisme à la fin du Xe siècle. Dès les XIe et XIIe siècles, elle était utilisée pour créer des draps mortuaires, des voiles, des voiles d'autel et des coiffes d'icônes. 🟠 La broderie au fil d’or (ou d’argent) consiste à broder avec des fils métalliques recouverts de dorure ou d'argent. Elle était réalisée en plusieurs étapes : on brodait d'abord les parties principales de l'icône — le fond, les auréoles, les vêtements, l'architecture. Les fils n'étaient pas tirés à travers le tissu, mais posés à la surface et cousus avec de la soie fine colorée. Souvent, on réalisait un revêtement en fils de lin ou de coton sous l'or, créant ainsi un relief. La technique de la broderie en or était considérée comme l'une des plus complexes et des plus laborieuses. On brodait sur de la soie et du velours, en ajoutant des perles, des pierres précieuses et de petits éléments décoratifs. Chaque point exigeait une grande précision, ce qui ralentissait le travail : la création d'un seul voile pouvait prendre plusieurs années. La broderie en soie s'est développée un peu plus tard, aux XIVe et XVe siècles. Elle était utilisée en complément de la broderie en or pour dessiner les détails des images. Les visages et les parties découvertes du corps étaient brodés au point de broderie avec des fils de soie. On utilisait généralement deux couleurs proches. On ne faisait pas de transitions douces, comme dans l'iconographie : les demi-teintes avaient des contours nets et étaient appliquées par bandes. Des perles et des pierres précieuses étaient utilisées pour décorer les icônes et les protéger des influences extérieures. Elles étaient cousues dans le motif ou fixées dans des montures métalliques, puis cousues sur le tissu. Les pierres les plus utilisées étaient l'améthyste, le rubis, le saphir, l'émeraude, le grenat et la topaze. Les pierres renforçaient l'effet lumineux de l'or, mettant en valeur les auréoles, les croix et les détails clés de l'image. En règle générale, on utilisait des perles naturelles. Tout d'abord, on réalisait une base en tissu, appelée « bel », suivant le contour du motif, puis on enfilait les perles sur un double fil ciré et on les cousait à la base en les fixant solidement à l'aide de points transversaux. De petits espaces étaient laissés entre les perles afin que la lumière se reflète sur elles et crée un bel éclat. Avant de commencer le travail principal, les artisanes réalisaient des échantillons, choisissant les nuances de soie, d'or et les méthodes de fixation. Une fois la couture terminée, elles collaient l'envers, le séchaient, puis le transféraient sur le tissu final ou le fixaient à l'encadrement de l'icône. 🔴 Vous pouvez admirer des objets uniques, habilement réalisés selon des techniques anciennes par les artisanes du monastère Novodievitchi, dans notre exposition « La Grande Route russe du Nord. Le fil d'or des siècles » jusqu'au 28 février. 🎟 Entrée gratuite sur inscription

🖼 На проходящей в #РДКПЦ выставке «Великий Русский Северный Путь. Золотая нить столетий» представлены творения ремесленных мастерских Новодевичьего монастыря – золотошвейной и иконописной. Исторически они составляли основу художественной жизни обители, в них создавались уникальные предметы богослужения. Современные мастерские бережно относятся к традиционным ремеслам, восстанавливая и развивая старинные технологии. Расскажем немного рассказать о древней технике украшения икон - золотном и лицевом шитьё. Золотное шитьё пришло на Русь из Византии вместе с принятием христианства в конце X века. Уже в XI–XII веках использовалось для создания плащаниц, покровов, иконных уборов. 🟠 Это техника вышивки металлическими нитями, покрытыми позолотой или серебром. Она выполнялась поэтапно: сначала расшивались доличные части иконы — фон, нимбы, одежды, архитектура. Их не протягивали сквозь ткань, а укладывали по поверхности и пришивали тонким цветным шелком. Часто под золото делали настил из льняных или хлопчатобумажных нитей, создавая рельеф. Техника золотного шитья считалась одной из самых сложных и трудоёмких. Шили по шёлку и бархату, дополняя работу жемчугом, драгоценными камнями и мелкими декоративными элементами. Каждый стежок требовал точности, поэтому работа шла медленно — создание одной плащаницы могло занимать несколько лет. Лицевое шитье (от слова – лик, лицо) развилось несколько позже в XIV-XV веках. Оно использовалось как дополнение золотного для прорисовки деталей образов. Лики и открытые части тела шили шелковыми нитями гладью. Обычно использовали два близких по тону цвета. Плавных переходов, как в иконописи, не делали: полутон имел чёткую границу и наносился полосами. Для украшения икон и их защиты от внешних воздействий использовались жемчуг и драгоценные камни. Их вшивали в узор или закрепляли в металлических оправах, пришивая к ткани. Чаще всего использовались аметисты, рубины, сапфиры, изумруды, гранаты, топазы. Камни усиливали световой эффект золота, выделяли нимбы, кресты и ключевые детали изображения. Как правило, применялся натуральный жемчуг. Сначала на ткани делают основу — «бель» — по контуру рисунка, а затем на двойную вощеную нить нанизывают жемчужины и пришивают их к основе, плотно закрепляя поперечными стежками. При этом между жемчужинами оставляют небольшие промежутки, чтобы свет отражался от них и создавал красивое свечение. Перед началом основной работы мастерицы делали пробные образцы, подбирая оттенки шелков, золота и способы прикрепа. Готовое шитьё проклеивали с изнанки, просушивали и затем переносили на окончательную ткань или соединяли с иконным окладом. 🔴 Полюбоваться уникальными предметами, искусно выполненными в старинной технике мастерицами Новодевичьего монастыря, можно на нашей выставке «Великий Русский Северный Путь. Золотая нить столетий» до 28 февраля. 🎟 Вход бесплатный по записи

🎞 Chers amis, pour la deuxième fois, avec un grand plaisir nous vous invitons à voir une sélection de meilleurs films présentés au XII Festival international du court métrage SHORT FILM DAYS qui s’est tenu du 14 au 21 décembre 2025 à Moscou. 49 courts métrages ont participé dans le concours officiel dans les 4 catégories : films de fiction, films d’animation, documentaires, films IA, et autant dans la partie OFF du concours. 📅 Du 9 au 16 février, nous vous invitons à découvrir une sélection de meilleurs films de cette édition du Festival, répartis en 6 programmes différents : 🟣 9, 10 et 12 février - films de fiction, 🟣 11 février - films d’animation, 🟣 13 et 16 février – documentaires. ℹ️ Tous les films seront projetés en russe et sous-titrés en anglais Les séances débuteront à 19 h À partir de 12 ans 🔦 PROGRAMME COMPLET & SYNOPSIS DES FILMS 🎟 Entrée gratuite sur inscription

Трейлер Фестиваля Short Film Days 2025 Bande-annonce du Festival Short Film Days 2025

🎞 Дорогие друзья, Международный фестиваль короткометражных фильмов SHORT FILMD DAYS, прошедший с 14 по 21 декабря 2025 г. в Москве, представит в РДКПЦ подборку лучших конкурсных и внеконкурсных картин прошлого года. "Дни короткометражного кино" проводятся продюсерским центром «Мувистарт» при поддержке Президентского фонда культурных инициатив и Союза кинематографистов Российской Федерации. 📅 Кинопоказы пройдут с 9 по 16 февраля в нашем кинозале. Зрителям будут представлены 6 программ короткометражных фильмов: 🟣 9 февраля 19:00, игровое кино Звёзды в коротком метре, 84 мин 🟣 10 февраля 19:00, игровое кино Уйти нельзя остаться, 108 мин 🟣 11 февраля 19:00, анимационное кино Большая сила маленьких вещей, 67 минут 🟣 12 февраля 19:00, игровое кино Истории взросления, 114 минут 🟣 13 февраля 19:00, документальное кино Документальное кино, 88 минут 🟣 16 февраля 19:00, документальное кино Снято в регионах. Фильмы ФПРК, 96 минут ℹ️ Подробности о фильмах 🎟 Вход бесплатный по записи

Vendredi 6 février à 19 h, avec un grand plaisir nous vous invitons au concert de deux jeunes musiciennes virtuoses, Elizaveta Zakharova, violon & Kcenia Gaumer, piano. Au programme : oeuvres de Schubert, Chausson, Schnittke, Franck Elizaveta ZAKHAROVA, diplômée du Conservatoire Rimski-Korsakov (Saint-Pétersbourg), étudie actuellement au conservatoire Hochschule für Musik und Tanz Robert Schumann à Düsseldorf. Lauréate de nombreux concours internationaux en tant que violoniste, notamment, Donauwelle IV International Music Contest (2022) et autres. Kcenia GAUMER, née à Paris en 2003, a commencé le piano à l’âge de 4 ans avec sa mère. En 2013, elle rentre à la Scola Cantorum dans la classe du professeur I.Lazko. En 2016, elle devient élève à l’école de musique spécialisée pour les enfants doués auprès du conservatoire de Saint-Pétersbourg. En 2021, devient étudiante au conservatoire d’état Rimski-Korsakov de Saint-Pétersbourg. Lauréate de nombreux concours internationaux. Entrée gratuite sur inscription

Lundi 2 février à 19 h, nous vous invitons au concert de deux jeunes pianistes -Sofia Saradzheva et Andoni Andrada. 🔦 Programme Sofia Saradzheva : Bach, Brahms, van Beethoven, Liszt, Chopin, Prokofiev, Rachmaninov (40 min) Entracte : 10 min Andoni Andrada : Brahms et de Falla (40 min) Sofia Saradzheva, étudiante au Conservatoire de Versailles, lauréate de plusieurs concours internationaux, notamment, «Sanremo music international competition» en Italie, Concours international de Glière à Moscou, festival Journées de Beethoven à Moscou. Andoni Andrada est diplômé du Conservatoire Tchaïkovski de Moscou (classe de piano et d'orgue). Il a également suivi les cours de Rena Chereshevskaïa à l'École Normale Alfred Cortot. Actuellement, Andoni termine son doctorat en orgue à l'École Normale et pursuit ses études d'orgue au Conservatoire de Versailles. En 2025, il a obtenu le prix de Bach au concours international d'orgue à Saint Albans en Angleterre. Entrée gratuite sur inscription

🗓 Ce jour-là, en 1864, qu'est née Anna Goloubkina, l'une des sculptrices russes les plus talentueuses du XX s., dont les œuvres surprennent par leur profondeur émotionnelle. Malgré sa popularité et sa reconnaissance internationale de son vivant, son nom est peu connu. À l'occasion de son anniversaire, nous souhaitons rendre hommage à son talent et vous en dire un peu plus sur elle. Goloubkina est née dans une famille modeste à Zaraysk, dans la région de Riazan. Elle n'a commencé à suivre une formation artistique qu'à l'âge de 25 ans à l'École des beaux-arts Gunst, puis à l'école de l'Académie impériale des arts, devenant la première femme inscrite au département de sculpture. Elle a poursuivi ses études à Paris : lors de son premier séjour, elle a fréquenté l'Académie Colarossi, et lors du second, elle a fait la connaissance du grand sculpteur Auguste Rodin et a pris des cours avec lui. Au Salon d'automne de Paris en 1899, son œuvre La Vieillesse a reçu une médaille, et Goloubkina est devenue la première sculptrice russe à être récompensée à Paris. En 1900-1902, lors de son troisième séjour à Paris, elle est retournée étudier dans l'atelier de Rodin, qui l'aida à trouver sa voie artistique unique. Dans une lettre adressée au sculpteur français, Goloubkina a écrit qu'« il lui avait donné le pouvoir de vivre ». Dans son œuvre, Goloubkina semble dialoguer avec Rodin : le relief Le Nageur (1903) réalisé pour le Théâtre d’art de Moscou fait écho aux célèbres Portes de l'Enfer de Rodin, et la sculpture La Vieillesse est souvent comparée à Celle qui fut la belle Heaulmière du sculpteur français. De retour à Moscou, elle a participé à plusieurs reprises aux expositions des associations « Le monde de l'art », « Union des artistes russes » et « Association des artistes moscovites ». Sa seule exposition personnelle, « En faveur des blessés », s'est tenue pendant l'hiver 1914-1915 au Musée des Beaux-Arts de l'empereur Alexandre III et a été la première exposition de sculpture en Russie. Pour Goloubkina, l'essentiel dans l’art était l'âme humaine, le monde intérieur. Elle est considérée comme maître du portrait psychologique et symbolique, ayant créé des portraits de personnalités célèbres telles que Léon Tolstoï, Andreï Biély, Savva Morozov, mais aussi des portraits sculpturaux de ses proches, de ses connaissances et de ses voisins. En 1910, Anna Goloubkina loue deux ateliers dans la maison Blumental, au centre de Moscou, où elle vit et travaille jusqu'à la fin de sa vie. Après sa mort en mort 1927, ses héritiers lèguent ses œuvres à l'État soviétique. En 1937, grâce aux efforts de sa sœur Alexandra, un Musée a été ouvert dans son atelier moscovite, devenant le quatrième musée au monde consacré à un seul sculpteur. Aujourd'hui, le musée Anna Golubkina fait partie de la Galerie Tretiakov et rouvrira bientôt ses portes après une restauration à grande échelle. 🥀 L'héritage de Goloubkina compte plus de 400 sculptures en bronze, en marbre et en bois. Elle a également travaillé dans le domaine du graphisme et de la peinture, elle a créé des camées d'une beauté exceptionnelle à partir de coquillages et d'ivoire. 🖼 Ses oeuvres sont exposées au Musée russe, à la Galerie Tretiakov et au Musée d'Orsay.