Арт-консультант

+4

Сегодня мой канал выглядит вестником пресс-служб, но рассылка Третьяковки о завершении выставочного проекта «Илья Репин» в Национальном музее Китая (Пекин) включает фотографии с упаковкой и отправкой картин, предоставленные аэропортом Шереметьево. Что любопытно. Кстати, если вас интересует бэкстейдж международной выставочной деятельности, можно почитать мемуары бывшего директора Зельфиры Трегуловой. Книга с точки зрения повествования не самая захватывающая, но про техническую сторону организации международных выставок из первых уст там много. Все же, Трегулова один из самых опытных выставочников-международников. Тем временем, в пост-релизе сообщают, что выставку Репина в Китае, которая шла с 22 июля 2025 по 11 января 2026 посетило 350.000 человек.

Фонд поддержки современного искусства Cosmoscow объявил победителей первого конкурса «Куратор года» По решению экспертного совета, в рамках первого конкурса лауреатами стали все пять номинантов: Елена Каменская — кандидат искусствоведения, автор исследований по истории культуры и искусства XX века и специалист по творчеству художников русского зарубежья. Проекты Елены были показаны в ГМИИ им. А.С. Пушкина, Московском музее современного искусства, Музее ВМЗ (Выкса) и др. Ильдар Галеев — куратор, искусствовед, арт-критик, издатель и коллекционер живописи. Эксперт по русскому искусству первой половины XX века («Ленинградской школе», творчеству Николая Фешина, «казанскому авангарду» 1910–1920-х и среднеазиатскому искусству 1920–1950-х), автор-составитель более 40 изданий по творчеству художников и фотографов. Юлия Аксенова — историк искусства, независимый институциональный куратор, автор публикаций на тему современного искусства, художественный руководитель и куратор 1-й Международной Экологической Биеннале в Нижнем Новгороде. В 2021 году получила премию «Инновация» в номинации «Проект года» за выставку «Лаборатория будущего. Кинетическое искусство в России». Ее избранные кураторские проекты были показаны в Performa (Нью-Йорк), Центре современной культуры «Гараж», Государственной Третьяковской галерее, ЦВЗ «Манеж», Музее Москвы и др. Марина Бобылева — куратор (в т.ч. программы художественных резиденций в Доме культуры «ГЭС-2») и преподаватель. Марина выступала куратором множества выставок и проектов в галерее «Триумф», а также в музеях и на выставочных площадках в разных городах России. В ее избранные проекты входят выставки в Московском музее современного искусства, Государственной Третьяковской галерее, Музее Москвы, Мультимедиа Арт Музее, Московском музее современного искусства и др. Надежда Плунгян — кандидат искусствоведения, независимый куратор, лауреат премии Андрея Белого в номинации «Гуманитарные исследования». Плунгян является автором множества научных работ, а также реализовала проекты в Музее русского импрессионизма, Музее Москвы и т.д. Победители получили грант от Фонда в качестве поддержки их профессиональной деятельности. Пресс-служба Cosmoscow

И ещё для настроения и по погоде, можно и по городу: Лыжи-лимузин от Василия Слонова. Могут также арендовать молодожены, брачующиеся в зимний период. Из каталогов выставок музея Площадь Мира. Хорошего дня 🫶🏻

+6

Распаковочка 🫶🏻 Красноярский музей Площадь Мира (а благодаря мой двум рабочим поездкам туда, как вы может уже заметили, мой любимый музей) прислали мне целую коробку каталогов выставок разных лет и прочие подарочки 👏 Не устану восхищаться. Это кладезь! Проекты о сибирском искусстве, хроники биеннале, экспериментальные выставки, наконец, потрясающие тексты наших гуру-искусствоведов, некоторых из которых уже и в живых то нет. А насколько прогрессивны сами издания! Например, в каталог выставки ПОСЛЕБЕДЫ вложен компакт-диск и на обложке куар-код (внимание, это 2010 год) Листаем вместе: 👉 Александр Кузнецов. Предвыборный митинг. (13 апреля 2007) 👉 «Переход в бесконечность» Александра Константинова (биеннале «Даль» 2009) 👉 «Место для углубленного самосозерцания» Владимира Селезнева к биеннале «Даль» в 2009 👉 Капусты — это инсталляция на тему блокады Ленинграда к выставке ПОЛБЕДЫ (2010) 👉 Топоры — привет Канту из Сибири от Василия Слонова 👉 Гараж — новосибирская галерея White Cube, которая в кузове ЗИЛа путешествовала в Монголию (авторы: Лукас Пуш и Константин Скотников, биеннале Даль 2009). ⛰️ фрагмент текста Ирины Затуловской «Моя 4-я Сибирь», чтобы ощутить атмосферу места: Без текста нет пространства. А пространство было: Сибирь. Волшебное (разлив Оби), зеленое (черемуха цвела в июле), безлюдное. Каждое проплывающее бревно - это событие. Каждая ласточка - счастье. Каждый человек - история. Одинокий охотник, который скуки не знает. У него три яростных собаки, еще отдельное зимовье в лесу и череп медведя. Рядом кладбище с красными крестами, могилы домиком из длинных досок с окошком - еду продавать. Я сходила на берег и, как мальчик-с-пальчик, оставляла метки по пути. На железных цистернах - мелом, на нефтяных разводах - палкой. Спасибо, Иван Борисович фотографировал: комаров не видно, но рисовать нужно было так быстро, чтобы заживо не съели. В Сосьве вода холодная (снег с Урала тает), дно зыбкое, затягивает, и пауты впились в шею. Может быть, там, в Сартынье, еще сохранились нарисованные мной медведь и медведица: «Он заиграл, а я запела». Ведь сравнивает же Вигель Сибирь с медведицей, сидящей на привязи у России. И я думаю о том, кто же выразил эти пространства: Суриков? Достоевский? Буду читать, изучать спасибо большое Площадь Мира 🤍 🕊️

Читаю научно-исследовательские практики студентов. И вот на 10-м отчете, наконец, попадается нечто щемящее сердце и извлекающее меня из моего преподавательского небытия: "Пустота в данной работе понимается как концептуальное наполнение выставки. Это не отсутствие экспозиции или кураторского текста, это осознанное решение: отказаться от лишних предметов в формировании экспозиции, таких как: экспликации, оракал или каталог. Образуется организованное пространство, обладающее художественным, символическим и управленческим потенциалом. Пустота выступает медиумом формирования зрительского опыта и инструментом управления восприятием аудитории". А так как магистратура у нас «арт-менеджмент» в конце отчета студентка справедливо подмечает и экономические выгоды, а также вызовы со стороны конкурентов: "Я буду рассматривать пустоту с точки зрения арт менеджера. Как сделать выставку о пустоте с точки зрения логистики (это выгодно экономически, так как нет необходимости заполнять все пространство). Как выстроить грамотное позиционирование, имидж и выдержать конкуренцию среди других институций". Абсолютное ничто интересовало многих в искусстве модернизма и постмодернизма. Но никогда еще движение к абсолютной пустоте не казалось мне столь актуальным — "меня приводит в ужас, что я существую" — как говорил герой Тошноты Сартра

На этой неделе Tate Britain в Лондоне проводит бесплатные йога экскурсии, чтобы помочь «сохранить разум в этот сложный период». Утренние «энергетические» сеансы пройдут с 8:30 до 9:30 16, 21 и 24 января, а вечерние «успокаивающие» сеансы — с 18:30 до 19:30 20 и 22 января. Коль у нас в музеях, судя по выставочным планам, не планируется в 2026 году приблизительно никаких интересных выставок, одни рокировки, а разум сохранить нам все сложнее, пустили бы хоть йогой позаниматься? Куда уж там. С другой стороны, и без всякого сарказма, музеи и их постоянные коллекции остаются оазисами, где можно отдохнуть. Во времена студенчества я часто ходила Третьяковку на Крымском валу или в Пушкинский в секцию зарубежного искусства и просто там сидела в одиночестве. А во взрослой жизни, хоть она и в искусстве, как-то об этом ритуале забыла … Осознанное и медленное восприятие искусства можем практиковать мы сами, пожалуй, музеи идеально для этого подходят, если не бежать сломя голову через всю экспозицию?

Поздравляю художника Михаила Рубанкова с днем рождения. Его карьера началась сравнительно недавно, но быстро пошла в гору. Сегодня он известен многим и, например, до 25 января его инсталляции можно увидеть в Музее Русского импрессионизма. Пару лет назад Михаил поучаствовал в моем материале на artandyou Никогда не поздно: можно ли стать известным художником после 35. Думаю, его пример может кого-то вдохновить и поддержать, поэтому напомню: Ты начал карьеру после 35, каковы были твои шаги к моменту, когда ты почувствовал, что стал более-менее известным? Михаил Рубанков: Шаги были очень интенсивные и быстрые. У меня не было сомнений в правильности, просто несся напролом. Я учился, много рисовал, практиковался, выставлялся. Первая относительно большая персональная выставка Вдох Выдох произошла в апреле 2023 года в галерее Граунд Солянка. Она, конечно, не послужила стартом карьеры, но многое в ней решила в положительную сторону. Для меня это был серьезный и хорошо продуманный проект, в котором все сошлось максимально успешно — и кураторы, и галерея, продажи, публикации и т.д. Прежде было много групповых выставок, но «Вдох» – важный этап. Чувствовал ли ты, что тебе тяжелее, чем молодым, что для них больше возможностей (опен-колов, стипендий, резиденций и т.д.) и внимания кураторов? Михаил Рубанков: Нет, вообще не чувствовал, куда нужно я попал в итоге, а куда не попал, видимо, не мое. Можно ли начать арт-карьеру в 40/50/60/70+ лет? Михаил Рубанков: Конечно, нормально, люди начинают бегать марафоны в 60 лет и побеждают. Не вижу особых проблем. Наверное, с возрастом шансы успешной реализации все же уменьшаются, не в последнюю очередь из-за личных приобретенных «настроек», но не так критично, чтоб не пытаться. Кто ещё из зарубежных и российских авторов стал строить карьеру в искусстве по возрасту уже не попадая в статус «молодого художника» и преуспел читайте на artandyou 🫶🏻

История искусства не есть часть общей истории. Напротив, частью истории искусства становится только то искусство, которое демонстрирует наибольшую степень разрыва со своим временем. Борис Гройс «Взгляд на историю искусства после ее конца» <…> История становится непопулярным ярлыком для неоконсервативных мечтаний о непрерывности. Выбирать другую историю, под стать нашему сегодняшнему сознанию, не имеет смысла, потому что доверие к историческому дискурсу само по себе подорвано. Иначе говоря, подразумевается, что мы живем после истории, а следовательно, понятие истории применимо только к прошлому. Достояние истории искусства, некогда являвшее собой канон коллективной памяти, в руках художников превратилось в материал для личных археологических раскопок. При этом появились «частные музеи с громкими именами, образовавшие в совокупности новый «Музей человека» (Musée d'Homme) - правда, музей без истории». Таким образом, исторические формы были превращены в фикции, включая ту, что считает возможным присвоить все что угодно на основе личной памяти. Ханс Бельтинг «История искусства после модернизма»

Тренды в искусстве в 2026 из материала платформы ARTSY ⁃ более медленные, осмысленные формы производства и потребления искусства; ⁃ акцент на ручной работе, материалах и ремесленных практиках; ⁃ рост интереса к выставочным форматам, инициируемых художниками. Проекты художников продолжат быть реакцией, критикой и противодействием на геополитические и экологические кризисы. «художники и кураторы реагируют на современную ситуацию, ставя под сомнение истинность происходящего и исследуя возможности восстановления». ✅ Акцент на диаспоры: «Диаспоры на первом плане — не только в буквальном смысле происхождения или идентичности, но как общий подход к пониманию развития, памяти, материальных и нематериальных взаимосвязей» «В ответ на нестабильность и цензуру, сформированными политикой администрации США, больше внимания будет уделяться сотрудничеству и коллективной работе» ✅ интерес к искусству коренных народов «Богатый коллективными практиками, основанными на традициях коренных народов, Азиатский регион вызывает интерес у институций, стремящихся расширить сферу своей деятельности за пределы Европы и Америки» «Важное значение будут иметь традиционные методы коренных народов, учитывающие особенности не человекоцентричных экосистем, а также форматы, созданные коллективным кураторством или под руководством художников». ✅ Ремесла и прикладные искусства «новые ориентиры молодого поколения художников, для которых границы между искусством и ремеслом перестают быть актуальными». ✅ Технологии и ИИ в взаимодействии с физическими материалами и личным опытом, а не в отрыве от них. «По мере того, как технологии, особенно искусственный интеллект, становятся все более распространенными, художники возвращаются к материальности как к форме сопротивления гиперцифровизации. В 2026 году мы увидим еще больше напряженности и диалога между цифровым и аналоговым мирами». Акцент на синтез технологий, ручного производства и вопросов физического тела, а также заботы о планете. «Рост иммерсивных практик, дополненных искусственным интеллектом, не вытеснит традиционные средства выражения, такие как живопись и скульптура, а вместо этого переосмыслит их в рамках междисциплинарного «фиджитал» континуума, где новые концепции человечества, телесности и материальной субъектности станут центральными теоретическими проблемами» ✅ Музеи и как общественные пространства, и как места уединения, что обусловлено растущим политическим и социальным давлением на западе. переосмысление коллекций и кураторских подходов их показа. «Вероятно, выставочная деятельность выйдет за пределы традиционных площадок, и все больше проектов будет разворачиваться в альтернативных и гибридных пространствах, поскольку художники и кураторы будут искать новые способы обращения к искусству и эксперимента. Мы также увидим рост мультимедийных практик и междисциплинарного сотрудничества. В совокупности эти направления указывают на год, характеризующийся изобретательностью, сотрудничеством и расширением форматов создания и демонстрации работ». ✅ биеннале, от Венеции до Кванджу в Южной Корее, дискуссии о заботе и сообществах. Бангкокская биеннале будет посвящена «сосуществованию противоположностей, таких как сострадание и жестокость, правда и искажение». В Венеции «национальные павильоны затмят все остальное, под влиянием политических игр и глобальной напряженности. Основное внимание будет на павильон США. Тем не менее, мне искренне любопытно посмотреть, как далеко может зайти искусство. Если когда-либо и был момент, чтобы проверить силу искусства, то это именно сейчас».

В этот снежный вечер в продолжение моего поста уместно предложить размышления Ильи Кабакова «Заметки о неофициальной в Москве 60-70х», написанные им в 80-х. Он предлагает 2 варианта заработка художника: «По способу заработка неофициальные художники делились на тех, кто зарабатывает своими картинами, то есть, как-то пытаться все же их продавать, и на тех, кто начисто отказывается от этого и ищет другие способы прокормиться. Сначала скажу о вторых, мне это легче, поскольку сам принадлежу к их числу. Я всегда предпочитал рисовать то, что хочу, и знал, что это не даст заработка, хотя бы потому, что сам я не был уверен в качестве своих работ, и к тому же боялся быть связанным коммерческими соображениями, зависеть от желания заказчика: раз он намерен покупать, он будет хотеть чего-то определенного и т.д., то есть всевозможные чисто панические страхи висели надо мной, а я хотел, чтобы моя работа была чисто платоническим занятием, то, что называется ,для себя“. Но как зарабатывать? <…> Требовалось встроиться в какую-либо официальную художественную структуру, будь то Союз художников или горком графиков и т.д. К счастью, окончание Суриковского института и профессия иллюстратора книги давали такую возможность. С самого начала я намеревался рисовать именно то, чего от меня ждут, чтобы скорее ״продвинуться в кассе“. Книжки (в смысле текста) могут быть любые, желательно, самые плохие, так как деньги у нас платят в зависимости от размера иллюстрации, а не по принципу: за хорошую книжку - больше, за плохую - меньше. Ну тут я немного преувеличиваю, так как есть максимальные и минимальные ставки, но меня устраивали и минимальные, я по своей стратегии рассчитал, что гораздо легче делать ״больше“, чем ״лучше“, чтобы окупить разницу в этих ставках. Кстати, Кабаков проработал в книжной иллюстрации 30 лет!!! И вообще не ожидал, что будет продавать свои работы. А как произошло после его отъезда — отдельный разговор. ☑️ А тут про вторых, кто продавал свои работы, тоже интересное: <…> Оскар (Рабин) сумел создать твердый и прочный круг потребителей своего искусства. Для этого он должен был выполнять ряд условий, а именно: очень ровная продукция одного типа, без колебаний, чтобы потенциальный покупатель знал, что он приобретает, то есть, в какой-то степени профессиональное продуцирование своих картин. Второе - полная регулярность их изготовления, без больших интервалов, то есть, картина за картиной. А у Рухина был налажен просто поток картин. Он изготовлял два десятка или полсотни картин, грузил их на машину и привозил в Москву из Ленингра- да, и в 2-3 дня продавал. В 60-е годы уже сформировался определенный круг покупателей этих картин, которые их коллекционировали. Много покупали у Володи Яковлева, у Немухина и др. Но вообще-то я тут касаюсь интимно-секретной стороны дела, не очень информирован, так что следовало бы помолчать. Стоили эти картины очень и очень дешево. Один Олег Целков продавал более или менее дорого. Оскар же оценивал свои работы в 150-200 или до 300 рублей. Это смехотворные цены в сравнении с сегодняшним днем. Яковлев продавал за скандальные цены - от 25 до 30 р. По-моему, 50 рублей его живопись никогда не стоила, насколько я знаю. Были художники, отдававшие картины и за 15 рублей. Короче говоря, все это носило позорный, кошмарный характер. Володя Яковлев только потому мог существо- вать, что изготавливал множество картин, хотя бы и дешевых. Оскар же просто рассчитал, сколько он может сделать в месяц, и продавал сообразно с этим. Картина имела номер на обороте, желающие купить могли записаться в очередь, и когда очередь подходила, картина была изготовлена. Также зарабатывал своим трудом Эдик Штейнберг, также - Свешников и Янкилевский, хотя один из них имел еще и побочный заработок в книжной графике, другой - в фотографии. Но покупки у этих художников были случайными и далеко не регулярными, и более-менее сносно существовали те, у кого был твердый круг покупателей. Кто эти покупатели, мне трудно сказать, да я и не берусь. Кабаков — умнейший был мужчина, почитайте его мемуары сохраню для вас ссылку

+4

🇰🇷 Ким Юн Шин (р. 1935) — 90-летняя художница родом из Северной Кореи, живет и работает в Южной Корее и уже 70 лет создает скульптуры из дерева 🇮🇳 Мриналини Мукерджи (1949–2015) — больше 30 лет создавала скульптуры из окрашенного волокна конопли. 🇬🇧 Барбара Хепворт (1903–1975) с 1940-х делала скульптуры, вдохновленные суровыми приморскими пейзажами родного Корнуолла 🇺🇸 Луиза Невельсон (Киев, 1899 – Нью-Йорк, 1988), эмигрантка из Российской Империи стала одной из первых, кто начал работать в жанре инсталляции —> Ретроспективы этих и других художниц пройдут в 2026 году, собрала для murmure календарь женских выставок от Европы до Австралии: https://murmure.space/women-artists_spring_summer2026

С Сочельником, православные Надежды всем нам, молитвы, тишины 🙏✨ Marina Abramović | Artist Portrait with a Candle (A), 2012

Самыми незащищенными на арт-рынке являются художники в середине карьеры. Молодые авторы, особенно в последние годы, растут как на дрожжах. Легкий вход в профессию: можно вязать или керамику делать, игрушки шить, инсталляции выдумывать, картинки рисовать. Продавать все хотят. Курсы с «наставниками», якобы на искусстве легко будешь зарабатывать. Школы современного искусства дают право причастности к сфере искусства. Особенно если после молодые художники еще и самоорганизацией назвались. Знания при этом все равно очень фрагментарные. Поэтому так часто молодые художники буквально цитируют или копируют других авторов, не осознают этого. Арт-система поощряет молодых, заинтересованна в них. И хотя у нас почти не осталось грантов или выставочных возможностей для новичков СМИ, по большей части блоги, популяризируют излюбленный народом жанр: «восходящие звезды» или «авторы за которыми стоит следить». Искусство молодых можно продавать по завышенной стоимости (с учетом, что оно вообще ничего не стоит). Потому что модно. Например, на Blazar. Но с развитием карьеры это заканчивается. У тех, кто остался, есть свой багаж выставок, про них где-то писали, они допустим у многих в коллекциях. А дальше что? А ничего. В отличие от любой другой профессиональной сферы, мир искусства не гарантирует никакой стабильности. Хоть ты трижды участник Венецианской биеннале. Вспомните хотя бы Желудь. Художники в середине карьеры регулярно сталкиваются с снижением внимания к ним. Интересно задуматься не о тех, за кем стоит следить, а за теми, кто выпали из нашего внимания в последние годы. И куда они вообще делись? Арт-ярмарки в этом году показали: за серьезные суммы продаются топовые имена. И только те, на кого делают ставку галеристы маркет-мэйкеры. Получается, есть интерес к молодым и перспективным и к «сливкам», которые гарантируют покупателю вложение и сохранение своих денег. Это уже не импульсивная покупка на блазаре. Но большинство остаётся где-то между, они и есть искусство сегодняшнего дня.

+6

Три короткие причины сходить в музей «Гараж» плюс рубрика «мои занудные невнятные размышления», если кому интересно. ✅ Выставка видео российской арт‑группы «Синий суп» в атриуме музея на 16‑метровом экране. ✅ Книжные обложки Кабакова и Пивоварова в библиотеке (но главный кайф — альбомы Пивоварова на стене: возможность «прожить» их нарратив, «прочувствовать» ритм). ✅ И, собственно, новая экспозиция открытого хранения на базе архива «Гаража». В 2025 году акцент на перформансе, видео, цифровом искусстве и инсталляциях — то, что «отражает интерес музея к сохранению неконвенциональных арт‑практик». Отметила видео Антуфьева и инсталляцию с апельсинами, столь же узнаваемый, как и неожиданный Звездочетов, а ещё проект Петрелли до возникновения «Пальто» и прекрасного (он такой один) Шульгина. ——— Неожиданно и важно, что экспозиция акцентирует художниц: Ольга Тобрелутс в секции Новой академии; немного Лены Ковылиной, Ирины Наховой и Кориной из коллекции Бакштейна, а ещё полотна Нины Котел и целая секция Люды Горловой. Прекрасно, что музей стремится показывать не только известных, но и тех, кто оставался в тени. И вот это самое интересное. В общем пространстве с вездесущим Пепперштейном, альманахом галереи в Трёхпрудном, среди этого нарратива о развитии российского искусства 1990‑х как‑то особенно ощущаешь, уважаемые знатоки, внимание, ВОПРОС: — Как так вышло, почему вот ЭТИ вошли в историю, их все уважают и знают, а кто‑то затерялся во времени? Про Люду Горлову есть личная история. Она ходила на мои занятия в магистратуре РГГУ — так мы и познакомились. Когда начал проступать, без всякого хвастовства (Люда этого напрочь лишена), её бэкграунд — выставки в XL, рассказы о проектах, — я сперва даже не поверила. Почему, думаю, я её не знаю? Мой личный контекст наблюдения за современным искусством уже, между прочим, без малого двадцать лет, хотя я всё ещё считаю себя выскочкой. Эту бирочку в личном общении повесил, ха‑ха, сам директор «Гаража» (на тот момент ещё нет): «У этой наглой девочки ничего не выйдет». Ну, в целом, и где он ошибся. Насколько всё непредсказуемо на арт‑рынке: лавры и всякие там биеннале ничего не гарантируют. Да, важно быть в тусовке. Важно личное трудолюбие и упорство (как у Тобрелутс, в тусовке иногда называемой Оля Троллейбус). Важно внимание маркет‑мейкеров. Но и пол, по‑видимому, всё же имеет значение. Система случайных, иногда субъективных, а иногда объективных переменных — такая сложная. Взгляд на перспективу в 35 лет хотя бы полезен потому, что помогает понять: до финиша суждено дойти не всем. Но и не надо об этом думать. Творите, художники, что хотите, радуйтесь процессу, а про славу (тем более богатство) не обольщайтесь.

Обязательно зайдите на видео-работы группы Синий суп в музее Гараж. В холле на 16-метровом экране можно увидеть работы «Каскад» (2016), «Озеро» (2017), «Гад» (2019), «Аврора» (2020). Синий суп давно классики, во всяком случае российского видео-арта. Их работы столь же завораживающие, как видео Билла Виолы. Метафизические, созерцательные, медитативные, они низвергаются на зрителя с экрана потоком визуального наслаждения: равнодушным не останется никто. Манифест арт-группы 2004 года: BlueSoup не имеет отношения к политике, морали, государственной идеологии, экономике, власти, насилию, сексу, спорту. BlueSoup имеет некоторое отношение к поэзии. BlueSoup имеет некоторое отношение к мистике. BlueSoup имеет определённое отношение к прекрасному. BlueSoup не имеет отношения к юмору и иронии. BlueSoup имеет отношение к гармонии. BlueSoup не провоцирует. BlueSoup не реагирует. 👆 до 1 февраля. Немаловажно, что можно забежать посмотреть не покупая билета (хотя сейчас дают новую экспозицию открытого хранения, и оно точно того стоит, расскажу отдельно).

+4

🎥 Подборка фильмов, снятых режиссерами-женщинами. Бесчисленное количество лент снимается в расчете на женскую аудиторию. Но именно женщины-режиссеры способы предложить неожиданную и правдивую женскую оптику. Неслучайно, многие оказываются в авангарде авторского кино, потому что женщины-режиссеры часто строят свой путь вне коммерческого мейнстрима. ⭐️ Кира Муратова (род. 1934 украинская СССР - 2018) – одна из ключевых персоналий российского авторского кино. Как и у многих выдающихся режиссеров у нее была своя актриса – Рената Литвинова. Я без ума от обеих. Короткие встречи (1967) – бесподобный монолог героини в начале фильма, где она говорит сама с собой. В главной роли сама молодая Кира Муратова. Сотрудница райкома любит простого геолога, которого играет Высоцкий. Этот с виду безобидный фильм, все равно получился подрывным с точки зрения советской морали. Три истории (1997) – здесь уже в полной мере проявляется гротеск и абсурдность режиссерского стиля. Три истории, три новеллы об убийстве совершенными людьми без каких-либо на то мотивов. Тут уже бесподобная Рената Литвинова. Настройщик (2004) – героиня Рената Литвинова с влюбленным в нее настройщиком роялей, очаровывают и грабят интеллигентную старушку. Фильм снят в чб и представляет собой современный нуар. ⭐️ Анна Меликян (род. 1976, Азербайджанская СССР) обрела всенародную известность с фильмом Русалка (2007). Эта красивая постмодернистская сказка про девочку с силами супер-героя, приехавшую из Дальнего Востока в Москву, поселившуюся в одном из спальных районов и встретившую свою любовь. По меркам своего времени фильм отличался своим специфическим женским взглядом и манерой. Про любовь (2005) – альманах из 5 историй, герои которых пытаются найти ответ на вопрос, что такое любовь. Чувства Анны (2023) – еще одна черно-белая лента, фантастический нуар, повествующий о любовной драме, разворачивающейся на фоне грядущего апокалипсиса. Бесподобная Анна Михалкова в главной роли – средоточие женственности, нежности и неконвенциональной красоты, работает на фабрике и живет с мужем и сыном, как и миллионы других российских женщин, неважно, что в события разворачиваются в каком-то фантастическом мире – героиня также мечтает найти сильные чувства. ⭐️ Грета Гервиг (род. 1983 США) режиссёр ленты про куклу Барби (2023). Но также стоит посмотреть ее другие картины. Маленькие женщины (2020) – история про 4-х сестер, отправляющихся на поиски себя. Действие разворачивается во времена Гражданской войны в США. В ролях Мэрил Стрип и Тимоти Шаломе. Леди Берд (2018) – девушка-бунтарка из провинциальной католической школы стремится попасть в Нью-Йорк. В центре фильма отношения девушки-подростка с матерью. В ролях также Тимоти Шаломе. ⭐️ Наоми Кавасэ (род. 1969 Япония) – одна из самых известных современных японских режиссеров-женщин Траурный лес (2007) – молодая японка устраивается в дом престарелых. Один из ее подопечных долгие годы не может прожить траур о смерти супруги. В то время как ее тайно преследует потеря ребенка. Случайно из-за аварии они оказываются в лесу. Путь в нем помогает им выбраться из скорби. Тихая вода (2014) – Ночью в полнолуние на острове Амамиосима 16-летний юноша находит труп, плавающий в море. Он просит свою подружку помочь ему в разгадке тайны. Настоящие матери (2020) – после неудачных попыток забеременеть героиня усынавляет ребенка. Драма о материнстве во всех его проявлениях. Список, конечно, не полный, в комментариях, пожалуйста, добавляйте! Будем смотреть вместе. Murmure.space — про женщин в искусстве

«Обед с устрицами», 1735 Жана-Франсуа де Труа Довольные аристократы поедают устриц. А главное, это первая картина, на которой появляется шампанское! Дом Периньон изобрел процесс его производства в конце XVII века. Слуги слева следят взглядом за пробкой, которая выскакивает на уровне мраморной колонны. Картина была заказана художнику королем Людовиком XV для первой столовой его частных апартаментов в Версале, где король обедал в уединении, обычно после возвращения с охоты. Знал толк! Желаю вам также провести праздники )

+1

Распаковка поздравлений от галерей: ❄️ Павел Варнавский, «Носок» (pop/off/art) ❄️ Егор Плотников (elephant in the Louvre) ❄️ Grabar gallery ❄️ Arttube editions Чуть повеселело, спасибо. С наступающим друзья.

✨ Ура! Развозим обладателям шелкографии Лизы Артамоновой из серии «Детство Марго». ✅ Достойно для коллекции, ведь работы с выставки в музее, о которой много писали СМИ ✅ Ручная печать (каждый оттиск имеет индивидуальные черты) ✅ Ограниченный тираж — 10 штук (+ 3 AP авторские экземпляры) ✅ Сертификат на каждую шелкографию, гарантирующий подлинность и тираж. ✅ Подпись автора от руки на каждой (на шелкографических принтах каждая подпись уникальна) ☃️ Дружеские цены: —> вертикальные с черным паспарту, например, «Шуба», 148х210 мм 10.000 ₽ —> горизонтальные (крупнее), например, «Кот-пират», 210х297 мм 20.000 ₽ Каталог доступных работ из серии «Детство Марго» ❕ Если вам нужны конкретные номера, ответим по запросу, какие остались («Шубы» и «Кот-пират» частично раскуплены).

100-летний лебедь — елочная игрушка на выставке «Детство Марго» в «Нехорошей квартире» (до 25 января) #Москва 🏛 я поведу тебя в музей