Света Липкина. Дизайн и ремесло

+1

3/3 #вещь В этой версии выставки «Вещь!» меня зацепили не экспонаты (их я видела ни раз), а комната, в которой они стояли. Небольшое помещение с сохранившейся отделкой 1950-х годов: тяжелые двери, ореховые панели, резные пальметы. Когда-то здесь располагался Совет Министров РСФСР. Сам корпус построен по проекту Владимира Гельфрейха — архитектора высотки МИД и нового здания Ленинской библиотеки. Это очень сдержанный сталинский неоклассицизм без привычной советской символики и показной роскоши. Вероятно, на характер здания повлияло соседство с усадьбой Остермана. Зато пропорции и масштаб более чем соблюдены и соответствовали значимости делегатов. Подумала, что интерьер здесь — такой же экспонат, как и мебель. Он связывает разные эпохи в одну историю, подчеркивая как менялось представление о функции, форме и роли вещей. На фото: — Светильник 1970-х. — Стеллаж «Ракета» 1960-х, созданный под руководством Юрия Случевского — Модульная система «Одингений» — Зеркало Ярославы Галайко — Ширма Ульяны Хохловой — Стул Егора Бондаренко

2/3 #вещь Я спросила Алёну Сокольникову: — Если бы проект «Вещь!» нужно было объяснить всего одним экспонатом, какой предмет ты бы выбрала? — Никакой. Как это ни странно, выставка задумывалась не как рассказ о конкретных предметах. Она про фундаментальные смыслы, которые человек выражает через вещи в разные эпохи. Главный экспонат для меня — это аудиоспектакль «Вещи и время», который мы сделали в дополнение к аудиогиду. Сама же коллекция продолжает жить и меняться. Я застала последний день работы одной из реэкспозиций, которую курировала Анастасия Пашкова. Раньше Настя работала в Московском музее дизайна, а теперь — в команде Центра моды и дизайна. Я задала ей тот же вопрос и получила не менее ценный ответ: — Если выбирать один предмет, то это лампы Абрама Дамского, созданные под руководством Александра Родченко в 1929 году. Это во всех отношениях смелый эксперимент — можно сказать, исток отечественного дизайна. И пусть он не реализовался в тираже, но стал импульсом к реализации других ещё более масштабных проектов. Для одного куратора важна — идея, для другого её продолжение. И это греет.

1/3 #вещь — Тебе понравится! Так Наташа Логинова однажды анонсировала мне предложение Алёны Сокольниковой сделать в Музее декоративного искусства постоянную экспозицию «Вещь!». Это был 2019 год. Мы как раз завершали работу над первым конкурсом «Придумано и сделано в России» и строили планы на будущее. Я, если что, отвечала только за конкурс, Центром моды и дизайна руководила Наташа. Помню, как листала презентацию Алёны и думала: вот это масштаб. Практически на каждый вопрос, который меня волновал в настоящем, она уже нашла ответ где-то в истории отечественного дизайна. И тут же появилась другая мысль: реализовать такой проект с тем бюджетом, которым тогда располагал центр, почти невозможно. Тем не менее в сентябре 2021 года «Вещь! / Предметный разговор» открылась. Конечно, многое пришлось сократить. Многое осталось за кадром. Думаю, большинство посетителей даже не представляли, какой объем исследовательской работы Алёны стоял за этой экспозицией. Потом была новая версия «Вещи!» уже с другим кураторам. Потом снова изменения. В какой-то момент, в музее не оставалось практически ни одного человека, с которым я была бы знакома лично. На днях зашла в музей впервые за долгое время и поймала себя на мысли: мне опять нравится. Не всё, но уже многое. Например, внутренний двор с верандами и арт-объектами.

+6

#диалогииграни Со школы мне говорили, что Вера Мухина — автор «Рабочего и колхозницы» и гранёного стакана. Тогда это мало что для меня значило, хотя сам факт удивлял: автор такого монументального произведения — женщина. После реставрации в 2009 году я случайно оказалась рядом с этим «эталоном социалистического реализма» и на несколько минут зависла у постамента. В тот момент стало понятно, насколько это произведение больше своего символического значения. Сложнейшая инженерная конструкция плюс захватывающий динамизм. Да, это государственный заказ, но сделан он с огромным мастерством и с использованием возможностей своего времени. Потом я стала читать о самой Мухиной. Оказалось, что она была совсем не тем безупречно официальным художником, каким её часто представляют. Она спорила с художественными советами, добивалась качества исполнения, писала статьи о роли художника и отстаивала свои профессиональные принципы. Со стаканом история сложнее. Документов, подтверждающих, что именно Мухина придумала гранёный стакан, нет. Она действительно работала с промышленным стеклом, но сама история этой формы связана с более длинной традицией стекольного производства. При этом за пределами одного знаменитого объекта остается огромный пласт её работы: эскизы стекла, фарфора, одежды, тканей, выставочных пространств. Сейчас Мухину всё чаще вспоминают в контексте истории отечественного дизайна, так как её интересовала не только форма, а среда вокруг человека. А тот самый динамизм, который меня когда-то так поразил, во многом связан с европейской школой. Мухина училась у Антуана Бурделя (3 фото) — ученика Родена, и это влияние чувствуется. Думаю, мы ещё не до конца оценили масштаб её наследия. На фото работы Мухиной (1,2 и 5 фото), её коллег и последователей в Музее декоративного искусства.

+4

#система Образовательные программы последних лет (в том числе мои) исходили из предпосылки, что правила игры более-менее понятны. Достаточно найти свою нишу, сделать хороший продукт, научиться продвигать его и дальше вопрос времени. Но если посмотреть вокруг, в 2026 году эта логика всё чаще даёт сбой. Рынки меняются быстрее, чем успевают обновляться стратегии, а конкурировать приходится уже не только с соседями по цеху, но и с искусственным интеллектом. На что тогда вообще опираться? 🔹 Не на тренды. Они меняются слишком быстро. 🔹 Не на инвестиции. Можно строить планы вокруг финансирования и обнаружить, что доступ к нему внезапно изменился. 🔹 Не на маркетинг. Можно идеально настроить продвижение, а потом понять, что продвигать стало некому. 🔹 Не на удачное стечение обстоятельств. Можно оказаться в нужном месте в нужное время, но невозможно построить долгосрочную стратегию на том, что однажды повезло. Единственное настоящее преимущество сегодня — собственная система принятия решений. Именно поэтому курс «От предмета до бренда» никогда не был курсом про создание вещей. Он про создание устойчивой системы. Системы, которая помогает отвечать на вопросы, когда готовых ответов уже нет. 🔥 До 1 июля действует стоимость ранней оплаты — 117 000 рублей. Старт курс 28 июля. 👉 Подробности на сайте На фото работы выпускников курса.

#пейзажи Краски в руки я так и не взяла, хотя новые кисти уже заказала. Наверное, не пишу потому, что до сих пор не решила, чего именно хочу от живописи. А может, мне просто мешает хорошо подвешенный язык. Похоже, в моём случае действует правило: либо доступ в интернет, либо живопись. Зато я наконец поняла, какую живопись хочу видеть у себя дома — пейзажи. Не детализированные, а недосказанные, слегка расфокусированные, но насыщенные цветом. Такие, где каждое пятно живёт собственной жизнью и остаётся самодостаточным. На фото: серия работ Карины Еганян.

+4

#prodesign Я думала, что блог нужен, чтобы делиться знаниями — разобраться самой и объяснить другим. Но чем больше я узнаю индустрию, тем меньше становится простых ответов. Когда я только начинала писать, то смотрела на российский дизайн скорее как наблюдатель. Изучала, анализировала, собирала факты, пыталась понять закономерности. Своего голоса почти не было, зато уверенности было больше. Как стать дизайнером? Как продвигаться? Что нужно рынку? Каким будет будущее профессии? Теперь я почти всегда начинаю ответ со слов: «Зависит от…». Что изменилось? Появился канал. Появились читатели. Появились коллеги, с которыми можно спорить, соглашаться и не соглашаться. Появилось ощущение, что где-то рядом есть люди, которые говорят на том же языке. Именно они заставили меня перестать обесценивать собственный труд. И вместе с этим ушла иллюзия, что на сложные вопросы существуют простые ответы. Чем глубже я погружаюсь в тему, тем яснее вижу её противоречивость и многослойность. Наверное, поэтому меня до сих пор удивляет смелость людей, уверенно дающих готовые решения. У меня так не получается. Зато остаются вопросы, исследования, наблюдения за индустрией и попытки разобраться, куда вообще движется дизайн и что нас ждёт дальше. Ещё несколько лет назад мне казалось, что российский дизайн существует как набор отдельных авторов и брендов. Сегодня разговор о дизайне перестал быть монологом. И, пожалуй, это гораздо важнее любого отдельного канала. А ещё я поняла, что блог нужен мне не для того, чтобы быть услышанной, а чтобы не оставаться наедине со своими сомнениями. С днём блогера всех коллег и авторов папки Pro Design!

#вайб Пишут, что эйчары начали использовать мемы и рилсы как способ проверить cultural fit. Рекрутеры хотят увидеть вашу «человеческую» сторону и понять, насколько вы разделяете ценности и неформальную жизнь коллектива. Для прохождения такого vibe check рекомендуют держаться подальше от политики, религии и сарказма. Самоирония, абсурд и мемный язык чувствуют себя вполне уверенно. Любопытно наблюдать, как мем постепенно превращается из развлечения в маркер «своих», особенно, если он бессмысленный. Вот, например, мем «67», его происхождение туманно (есть версия, что это отсылки к росту баскетболиста ЛаМело Болла — 6 футов 7 дюймов), но, как это часто бывает с мемами, важен не исходник, а жизнь, которую мем начинает жить самостоятельно.

+4

#созерцание Сегодня мой первый день за городом не набегу. Никуда не ездила, никого не консультировала, не готовила, не убирала — большую часть дня наблюдаю, как колышется овёс. Похоже, это первый настоящий выходной в этом году, настолько непривычный, что даже подумываю взять в руки краски. У этого состояния был предвестник — поездка в Петербург. Питер всегда ко мне благосклонен и встречает хорошей погодой, но дело не только в этом. Здесь мне который раз удаётся отвлечься от бесконечных задач, дедлайнов и уведомлений. Это город, который заставляет меня замедлиться и внимательнее относиться к повседневности — замечать обычное, а не только исключительное. Одним из таких впечатлений стало посещение фестиваля «Синтез форм». После него думала о том, как многое из того, что действительно ценно, существует только в моменте — невозможно сохранить в коллекции, поставить на полку или отложить на потом. Только здесь и сейчас. На фото — экспозиция «Синтез форм». Авторы проекта: Мария Нечаева, Анастасия Продовикова, Лена Адамова и Юлия Дашкевич. Среди участников: L.BURO, BRIGHT BURO, Предметы, Палаты, Анастасия Панибратова, Solid Water, FRESH.GLASS, Eburet и другие.

#синтез Питер, если ты меня читаешь — самое время встретиться офлайн. 3 июня, в 14:30 в пространстве HIDEOUT Residence читаю лекцию «Экономика дизайна: уникальный, серийный, массовый». 👉 Регистрация на лекцию «Синтез форм» — новая инициатива на стыке дизайна, искусства и бизнеса. Всё как я люблю.

#архмосква Спросила коллег, напоминает ли им АРХ Москва идеальный город будущего, как заявлено в теме выставки. В ответ мне справедливо заметили, что на АРХ Москву ходят прежде всего ради нетворкинга, а экспозицию смотрят постольку-поскольку. В связи с этим особенно интересным показалось наблюдение Риты Морозовой, которая сравнила, у кого и что сегодня болит. Спойлер: все четыре дня деловой программы говорили о стиле: «А был ли мальчик? Стиль как фантом и фактор единения», «Русский стиль: пространство смыслов», «Когда среда диктует русский стиль», «Битвы за стиль и стилевые манипуляции: взгляды теоретиков и практиков». Единственное, что, судя по комментариям под постом Риты, волновало аудиторию помимо стиля, — это туалеты и голубятни. И вот что я думаю. Когда профессия уверена в своих задачах, она говорит о жилье, общественных пространствах, климате, демографии, технологиях, новых типологиях и изменении образа жизни. Стиль в этом случае становится естественным следствием работы с реальностью. Когда же реальность становится менее определённой, разговор смещается к языку и символам. Через стиль пытаются решить проблему, которую архитектура сама решить не может. Вместо вопроса «Как жить дальше?» возникает вопрос «Кто мы такие?». Есть и ещё один любопытный момент. В большинстве дискуссий слово «русский» используется как цель поиска, а не как результат исследования. Как будто сначала нужно определить стиль, а уже потом строить архитектуру. Хотя исторически всё происходило наоборот: сначала менялись образ жизни, экономика, технологии и социальный уклад, а уже потом историки и критики давали этому имя. На фото: Проект виллы U от молодой студии Breatec — это «утопическая форма жилья, внутри которой человек получает возможность создать свой уникальный дом под собственные привычки».

Как обычно по субботам рассказываю, о чем писали коллеги-админы на прошлой неделе. 🌸 Globe Trotter Александр Кулиш сейчас в Венеции и репортует с полей биеннале. Рекомендую, если вам, как и мне, приходится в этом году знакомиться с выставками удалённо. 🌸 А вот АрхМоскву я наблюдаю удалённо по собственному выбору, и кажется, что лучше всего это делать через канал «Сказ про два квадрата» — уверена, что в жизни всё совсем не так красиво, как у Ани Разгуловой. 🌸 Ну а если хочется не только красоты, но и аналитики, то к вашим услугам Светлана Липкина, она разбирает АрхМоскву у себя в канале очень обстоятельно. 🌸 «Собака архитектора» всю неделю путешествовала по маршруту Ярославль — Кострома — Нижний Новгород. Обратите внимание, если тоже планируете этим летом поездить по стране. Погружаться в местный колорит можно с этого поста и дальше. 🌸 «Дизайнер в кокошнике» ведёт свой канал редко (Марина, мы по-прежнему в тебя верим), но метко — на этой неделе показывает особняк Брусницыных в Питере, в который я сама давно мечтаю попасть. 🌸 В канале «Баугауз» можно посмотреть интерьеры Философского факультета в Нови-Саде. Как всегда у Дарьи Сорокиной, всё с кучей любопытных подробностей. 🌸 Brand Angel сделала рекап колонки Ли Эделькорт, которая ругает Миланскую неделю дизайна за то, что там стало слишком много фэшн-брендов, которые якобы отвлекают внимание от молодых дизайнерских дарований. Я с этой точкой зрения готова поспорить, но сперва советую этот материал. 🌸 Артём Дежурко читает сейчас курс по модернизму Латинской Америки и выкладывает кое-какие материалы в канал. Вот тут, например, можно почитать про Сержиу Родригеса и увидеть, каков он был в молодости. 🌸 Я на этой неделе вовсю готовилась к царь-лекции — в итоге рассказывала про Милан почти четыре часа, но успела опубликовать классный интерьер Елены Дроботовой. Обязательно посмотрите!

+5

4/4 #архмосква И собственно то, ради чего я регулярно хожу на АРХ Москву — коллаборации архитекторов и девелоперов с дизайнерами и художниками. Идеал, судя по экспозициям, у них тоже ассоциируется с геометрической размеренностью. Хотя это, на мой взгляд, совсем не очевидная связка. Идеал может быть и про неоднозначность, и про конфликт, и про «недоделанность». Парадокс в том, что чем больше участников у идеи идеала, тем сильнее она сводится к общему и безопасному знаменателю. А геометрия становится способом избежать комфликта и договориться без лишних рисков. На этом фоне проекты, которые допускают «ошибку», выглядят живыми, потому что возвращают в идеал необходимое напряжение. На фото: — Светильник от Zelenka Studio для m3light — Резиденты галереи Палаты (Мария Пухова и Лена Зайцман) вместе с «Окна мира» — Бюро CHADO совместно с Fresh.Glass и другими причастными — Maytoni вместе с бюро nefa'architects — UltimaGroup плюс Максим Кашин и другие

+1

3/4 #архмосква У архитектурных школ — свои версии идеала. Для МАРХИ это «путь, в котором архитектор стремится обрести диалог с вечными началами — природой и историей». Школа МАРШ составила внушительный список внеклассной литературы, делая ставку на культуру и контекст. Институт бизнеса и дизайна хочет «ногами стоять на земле, а головой витать в облаках». А Президентская академия напомнила, что «раньше в городах жили только люди, а теперь — люди и данные», поэтому город будущего — это симбиоз человеческих и информационных сетей. Вам какая версия ближе?

+2

2/4 #архмосква Тема выставки — «Идеал», а точнее, архитектурная утопия. Мастера показали реализованные проекты, в которых им удалось «максимально приблизиться к собственному архитектурному идеалу», а также инсталляции идеального здания. Большая часть инсталляций показалась мне невероятно скучной, но некоторые — действительно порадовали.

+4

1/4 #архмосква АРХ Москва в этом году — геометричная и структурная. В какой-то момент мне даже захотелось снять её как-нибудь криво, чтобы компенсировать эту «мужскую» системность. Куратор выставки — Тимур Башкаев, архитектор городской инфраструктуры. Насколько я понимаю, камерная, уютная архитектура ему не особенно интересна — зато он верит в «эффективный мегаполис». Вот и выставка получилась такой же: всё логично, динамично, тектонично. На фото: — Слепок реставрируемого Дома Радио, проект бюро «Цимайло Ляшенко и Партнеры» — Бюро Syntaxis — Мастерская M.A.M — Бюро SIA — Архитайл — Стенд BRAER, совместно с бюро «Хора» и Музеем архитектуры — Стенд «КСМ»

+3

#инсайты Продолжаю делиться мнением коллег о симптомах дизайн-индустрии. Что в этом году в Милане выглядело показательным, а что, наоборот, возможно, теряет актуальность? Часть 2. Ольга Косырева: Для меня в Милане было два симптоматических события. Первое — в очень престижном месте открылся пятиэтажный магазин американской мебели RH, многим известной как Restoration Hardware. Такой интерьерный люксовый «дворец» в новом для Милана формате. Это очень интересно, как растёт американское влияние в Европе и как рынки, которые всегда были как небо и земля, постепенно сближаются. Второе событие то, что первый раз в Milan Design Week приняла участие Келли Уэстлер, которая выпустила коллаборацию с H&M — одним из крупнейших европейских и мировых ритейлеров. Мебель, светильники, аксессуары — презентация была громкой, и посетителей огромное количество. Абсолютно точно коллекция будет продаваемой. Это тоже сигнал рынку, что дизайн демократизируется. Не только IKEA, а и другой тип продукта — более дизайнерский, но при этом рассчитанный на широкую аудиторию. Что касается «будущего», которое теряет актуальность — это, конечно, допущение, но под него может подойти феномен стенда Kartell. Мебель была помещена в пространство, похожее на галерею, с картинами, созданными с помощью ИИ. На мой взгляд, это был лучший стенд на Salone. Картины одновременно выглядели оригинально и при этом чем-то напоминали Матисса, Ван Гога, Мондриана. Было видно, что там работал не только искусственный интеллект, но и человеческий. С другой стороны, для определённой части публики сгенерированные изображения с их точностью и сложностью уже теряют смысл. Для этих людей гораздо ценнее ручная работа, концептуальные, близкие к современному искусству проекты. Например, Alcova показывала совсем другое: сервировку из теста, садовые фонтанчики для лягушек, плетение из лозы. Я хочу сказать, что с одной стороны — искусственный интеллект и технологическая точность, а с другой — усталость от него и стремление прикоснуться к земле, к основе и вообще не иметь дела с компьютерами. Дарья Казанцева: Милан в этот раз был невероятно многообразен, каждый мог найти что-то в своей эстетике и мировоззрении. Меня всегда привлекала идея адаптировать что-то грандиозное, дорогое и единичное под более реалистичные условия. Увидеть суть красоты и найти способ ее воплотить. Самые красивые, интересные и практичные локации для меня — личные квартиры и квартиры-офисы дизайнеров и дизайн-бюро. Сильное впечатление оставил личный интерьер дуэта Casamilana, где была презентована коллекция ковров Beni Rugs. Думаю, это про возможность не только показать подход к дизайну через реальный интерьер или предмет в его естественной среде обитания, но и способ выстроить более доверительную коммуникацию с заказчиками, партнерами и покупателями. Фото: — Интерьер магазина RH — Келли Уэстлер для H&M Home — Часть экспозиции стенда Kartell — Alcova, инсталляция «Пир для крыс», авторы коллектив La Dalle (Жюли Шаваз и Анжелика Кюнцле) и Матильда Арлетти — Alcova, выставка «От фермы к форме и к ярмарке» от студентов Школа искусств Бремена — Личный интерьер дуэта Casamilana Смотрю и читаю обзоры у Ольги тут, у Даши тут.

#чаепития Серьга-самовар. В жизни бы не надела. Вот и верь себе теперь… У самовара нет конкретного автора — это результат эволюции разных ёмкостей. В Античности тоже был свой самовар — аутепса. Ещё раньше в подходящую ёмкость просто бросали раскалённый камень, и вода закипала. Однако благодаря тульским оружейникам самовар два века считался самой необходимой русской вещью и до сих пор остаётся узнаваемым символом. Форм у него при этом множество: от тыквообразной до яйцевидной. Хотя в памяти у вас, скорее всего, образ советского самовара, который с 1950-х годов производили уже электрическим. Так что, по большому счёту, не так уж важно, какой у него силуэт, — главное, чтобы блестел. Вот и Соня так решила и вместе с брендом «Нитка» выпустила новую коллекцию. Будь это классический самовар с носиком, я бы не так впечатлилась. А тут сошлись сразу несколько ассоциаций: самовар, восточная лампа, античная ваза, раскрытый грецкий орех и даже Дворец дожей в Венеции. На презентации угощали чаем из самовара с баранками — спасибо бариста Савелию за подробный чайный рассказ, — и прохожие то и дело путали шоурум Secrets с кофейней. Всё-таки на дневные чаепития меня тянет больше, чем на вечерние презентации с вином.

+4

#настроение У Локалов — новая локация. Второй раз прихожу на техническое открытие этого проекта и второй раз прихожу буквально первой. Как и полтора года назад, когда пространство открывалось на Петровском бульваре, я снова застала команду за монтажом. Теперь — Мясницкая, здание, которое когда-то принадлежало Строгановскому училищу. Вообще монтаж — самый показательный момент любого проекта. Сразу видно, чем пространство является на самом деле: очередным концептом или местом, где людям действительно будет комфортно находиться. Так вроде заходишь на минуту и случайно выясняется, что новая владелица знакома тебе совсем по другой истории. Вместо формальной презентации тебя ведут через служебные помещения и предлагают обсудить будущее меню. Мне кажется, сегодня самые живые городские проекты строятся именно так. Не вокруг идеальной готовности, а вокруг ощущения человеческого процесса, в который тебя пустили чуть раньше остальных.

+1

#инсайты Ни один сайт, Pinterest или трендбук не дают целостного представления о том, как устроен мир дизайна. Точнее всего эту модель отражает Milan Design Week. Попросила коллег рассказать, что в этом году в Милане показалось им наиболее знаковым и какие настроения сейчас определяют дизайн-индустрию. Часть 1. Анастасия Ромашкевич: Обычно стенд большого мебельного бренда стилизован под реальный интерьер: здесь гостиная с большими диванами, там столовая, спальня и так далее. Всё это с долей условности, но в целом довольно привычно. B&B Italia, которая вернулась на Салон после двадцатипятилетнего перерыва (до этого они выставлялись только в своём шоуруме), предложила совершенно новый подход к экспонированию новинок. У меня в первую секунду было ощущение, что они не успели доделать стенд: вещи стояли строго поодиночке, на солидном удалении друг от друга. Какие-то предметы — прямо на полу, другие — на разновысоких подиумах. В качестве задников — гладкие стены вперемежку с мрамором. В пресс-релизе бренд скромно пишет, что они хотели подчеркнуть ценность своей мебели, но любой человек с маломальским культурным бэкграундом считывал аллюзию на музей современного искусства. Получилось очень по-эстетски. Не так броско, как нашумевший стенд Kartell, но гораздо более концептуально. Главный тренд Милана-2026 родился ещё на первой большой постпандемической выставке 2022 года: с тех пор мир дизайна планомерно создаёт альтернативу тому, о чём мы каждый день читаем и слышим в новостях. Реальный мир пугает или, как минимум, вызывает тревогу. Поэтому востребовано всё, что позволяет хотя бы временно от него отключиться, благо наши дома — последнее место, над которым мы всё ещё властны. Логично, что на мрачном сером фоне будет востребован не минимализм с его сдержанностью и внутренней дисциплиной, а всё то, что вызывает сильные эмоции — яркие краски, сложный декор, праздник и веселье. Наверное, самый виральный объект этого года — овощная карусель Arket. К дизайну она особого отношения не имеет, зато отлично передаёт дух момента. Алена Сокольникова: Знаковых проявлений множество, одно из них — легитимация коллекционного дизайна и антиквариата внутри промышленной ярмарки (Salone Raritas). Раньше «уникальное» и «тиражное» существовали параллельно, теперь они вступают в прямой коммерческий диалог. Это говорит о том, что рынок пресыщен стандартными продуктами, и ценность смещается от функции к культурной значимости, авторским высказываниям и «экономике впечатлений». Милан превращается в площадку для размышлений на стыке моды, искусства и социальных вопросов. При этом, модные дома и технологические бренды, тратящие миллионы на эффектные инсталляции, постепенно вытесняют менее состоятельные бренды с городских площадок. В свою очередь, те массово покидают павильоны и уходят в частные квартиры, виллы, парки и сады. Это тоже реакция на инфляцию впечатлений: чтобы быть замеченным, нужно предложить не просто продукт, а интимное переживание. Главным образом недели я бы назвала «цветущий сад», который выступал и в роли иммерсионного фона для инсталляций, и в качестве разнообразных флориальных мотивов, вдохновлённых пышной эстетикой 1970-х. С ней был связан и тренд на тактильность. Пушистые поверхности, мех, ворс, бахрома, ручное плетение — это не просто эстетика, а терапевтический ответ на цифровой сенсорный голод. Дизайн берёт на себя функцию возвращения телесности, что указывает на глубокий запрос на аналоговый опыт. Фото: — Инсталляция Лайлы Гоар для Arket — Стенд B&B Italia, проект студии Formafantasma — Инсталляция «В беседе с» в монастыре Кьостро-Каппуччо, Жан-Гийом Матьо для бренда Byredo — Инсталляция «Более мягкий мир», Альфхильд Кюльпер для бренда STEPEVI — Monochrome Affinity – Chapter 2 в Palazzo Visconti, Migliore+Servetto для бренда Neutra Внимательно слежу за обзорами у Насти тут, у Алены тут.