Театровидение

Всеволод Мейерхольд точно так же, как и Станиславский, опирался в своих исканиях на актерское мастерство Малого театра. Конечно, это были примеры аномальные, исключительные. Например, объясняя артистам легкую поступь грибоедовских героев (при всей их хрестоматийной серьезности), настоенную на водевильной традиции, Мейерхольд приводит в пример, как выдающийся Александр Ленский играл Фамусова: «У Ленского было полное соответствие c [балом?] – он был легкий, подвижный, он танцевал, [был] дансантен, у Ленского были потоки стиха». Дансантность в сценическом поведении и превращение артистом текста в литургию, напевность сценической речи - то, чего добивается режиссер от артистов 1920х.

Критик и поэт Аполлон Григорьев был, конечно, человеком исключительным. Посмотрите, сколько в этом тексте боли, страсти, мучения, экспрессивности и печальной невысказанности, невыносимости существования. Кроме того, эта цитата еще и так подходит к нашему времени. Фрагмент письма Аполлона Григорьева к Екатерине Протопоповой, 26 января 1859 года: «С исключительно либералами не сойтись мне совсем, потому что я по натуре артист; с исключительно артистами же не схожусь я потому, что каждая жила моя бьётся за свободу и ни одна не выносит тупого, спокойного индифферентизма политического и религиозного, к которому все артистические натуры (кроме одного Островского) чрезвычайно способны. <...> Тяжело стоять почти что одному, тяжело верить глубоко в правду своей мысли — и знать вместе с тем, что в ходу, на очереди стоит не эта, а другая мысль, которой сочувствуешь только наполовину. Хорошо было Белинскому! В нём и в его эпохе не было этого ужасного раздвоения… А господа олимпийские друзья мои, т. е. Писемский, Тургенев, Фет, Анненков, даже Островский, кажется, мечтают, что мне так же легко будет бороться, как покойнику Виссариону Григорьевичу. Бороться в эпоху, когда, что ни человек — то партия, то новый оттенок мнения!!!» И дальше вообще фантастическая фраза: «Мерзость, наконец, во мне самом. Я не могу истребить в себе тоски пса по женщине [имеется в виду конкретная женщина, а не женщина вообще]». Это же какой чудный характер, открытая душа, какая изумительная нервная чувствительность к миру. Человек без кожи.

Наткнулся на фильм Сергея Урсуляка 2004 года «Долгое прощание». Проза Юрия Трифонова в фильме сохранила свою многослойность, ненавязчивость, плотную застроенную фактуру. Сюжет: цепочка предательств театральной актрисы, живущей по законам сценической двухличности, масочности, игротеки, приводит в тупик молодого писателя, мужа, не способного выживать по этим законам, ставшим общественной нормой. Фильм интересно сделан: в первой части доминирует она - Полина Агуреева, играющая прекрасно - примерно так же, как и в последовавшей за «Долгим прощание» «Ликвидацией». А со второй половины кино экран заполняет однокурсник Полины Андрей Щенников. Духовная драма обманутого мужа все больше и больше оттягивает к себе внимание. Артист делает своего героя более сложной фигурой, которая своим драматизмом полностью заслоняет протагонистку первой части. Оператор любуется красотой, утонченностью, свежестью молодого лица артиста. Детские круглые глаза, бархатные ресницы, чересчур толстые брови, стесняющаяся улыбка, лебединая шея, разглаженное неморщинистое лицо. Это типичный розовский мальчик из оттепельного кино (фильм черно-белый), каким-то чудом залетевший и в мир более позднего Трифонова, и в мир нулевых. Выживший Питер Пэн, не желающий и не умеющий взрослеть и принимать законы подлейшего мира. Лежит, пишет и в слезном припадке падает на исписанную тетрадку. Нет сил, нет ресурсов к существованию. Совершенно детское лицо восьмилетнего пацана и многовековая мука, скорбь, нерешаемая мысль, тяжело проворачивающася в мозгу. Мы учились в ГИТИСе параллельно с этим курсом Петра Фоменко, вторым после легендарного. Я их хорошо помню в бытовых условиях. Нельзя сказать, что дружили, но были рядом, иногда на одних тусовках. Я сейчас смотрю это кино, которому уже двадцать лет. Раньше не видел. И понимаю, какое сокровище потерял отечественный театр и кино. Андрей Щенников ушел в церковь, он много лет служил батюшкой. Невозможно осуждать личный выбор человека. В сети можно найти интервью Андрея потрясающей духовной силы, потрясающего аномального гуманизма. Он говорит о колоссальном духовном перевороте в своей жизни, о сознательном пути.

+2

В блоге для начинающих театральных критиков - новая публикация. Олег Трушкин пишет о лаборатории «Видимоневидимо» в Саратовском театре драмы Василий Буткевич / «Дверь» Алексея Житковского Улан Болатбек / «Потрясающий вид из окна» Константина Стешика Соня Карпунина / «С днем рождения, мама!»

⚡21 ноября, сб, в 17:00 в Доме-музее К.С. Станиславского состоится читка пьесы Пауля Барца «Возможная встреча» в исполнении молодых актеров в рамках проекта «МХТ: репертуарная линия». Лейпциг, 1747 год. Георг Фридрих Гендель приглашает Иоганна Себастьяна Баха на обед. Два великих композитора: преуспевающий столичный маэстро и скромный церковный кантор — встречаются за одним столом. Агрессивный настрой первых минут постепенно перерастает во взаимопонимание двух стареющих гениев, «мудрых, одиноких и одинаково несчастных». За вымышленным ужином Пауль Барц сталкивает два противоположных уклада жизни, два взгляда на музыку и на цену успеха — и находит то, что делает их судьбы пугающе похожими. Пьеса, написанная в 1985 году, вошла в репертуарную историю МХТ: в 1992 году она была поставлена на сцене Художественного театра, где Генделя играл Олег Ефремов, Баха — Иннокентий Смоктуновский, а Иоганна Шмидта - Станислав Любшин. Нынешняя читка продолжает линию проекта, возвращая внимание к текстам, которые когда-то определяли лицо репертуара МХТ, — и давая им новую сценическую жизнь в пространстве Дома-музея Станиславского. Перед читкой вступительное слово куратора проекта, театроведа, доцента Школы-студии МХАТ Павла Руднева: «Пьеса немецкого драматурга Пауля Барца называется «Невозможная встреча», а спектакль Вячеслава Долгачева по этой пьесе во МХАТе назывался «Возможная встреча». И то, и другое название точно обозначают жанр пьесы: альтернативная история музыки. Бах и Гендель жили в одно время, но никогда не встречались. А вдруг все-таки встречались? Вот Барц и фантазирует на эту тему». Режиссёр: Григорий Луговский (выпускник театрального института имени Б. Щукина, мастерская Ю.Н.Погребничко). Актеры: ▪Илья Васильев (Всероссийский государственный институт кинематографии, мастерская А.Я. Михайлова, 2020) ▪Вячеслав Севастьянов (Новосибирский государственный театральный институт, мастерская С. Н. Афанасьева, 2022 Академия кинематографического и театрального искусства Н. С. Михалкова, 2025). БИЛЕТЫ https://museummhat.ru/tickets/#/buy/event/1218/2026-11-21/17:00:00 📍Дом-музей К.С. Станиславского, Леонтьевский пер.,д.6., стр.1. Фото из фондов Музея МХАТ: И. Смоктуновский и О. Ефремов в спектакле «Возможная встреча» (реж. В. Долгачев), 1992 г.

18 ноября в 19.00 на Новой сцене МХТ состоится лекция архитектора, историка архитектуры Максима Борисовича Атаянца «Зрелищные сооружения античности». Темы лекции: ☘️архитектурная форма театра от её рождения в архаической Греции до императорского Рима; ☘️культура гладиаторских игр и других массовых зрелищ и её отражение в архитектуре столичных и провинциальных амфитеатров, стадионов, цирков и навмахий. Максим Атаянц – российский архитектор и художник, преподаватель истории архитектуры и архитектурного проектирования. ✉️ Лекция проводится для всех желающих бесплатно. Стать участником можно, прислав запрос на адрес: zritel@mxat.ru. В письме необходимо указать свою фамилию и название лекции. Количество мест ограничено. 🟢 🫶🫶🫶 Камергерский, 3

Великолепная беседа с Евгением Мироновым, где он, в частности, говорит об этике театральных взаимоотношений.

Министр культуры Хабаровского края Дмитрий Кузнецов отменил приказ о сокращении должностей в Хабаровском театре юного зрителя. До конца ноября его подчиненные проанализирует иные варианты кадровой оптимизации в отрасли. https://gubernia.com/sotrudnikov-tvorcheskogo-kollektiva-habarovskogo-tjuza-resheno-ne-sokrashhat/?utm_source=yxnews&utm_medium=desktop&utm_referrer=https%3A%2F%2Fdzen.ru%2Fnews%2Fstory%2Fbd925a8f-c2f9-5133-9583-ac96964840c6

Елена Соловьева сделала беседу со мной для "Культуры Урала".

⚡️ Спектакль для семейного просмотра «Кошечка и Пёсик» выпускников и студентов ВШСИ, поставленный ими в Московском театре кукол, назван лучшим спектаклем VI Международного фестиваля «Волшебный фонарик» в Санкт-Петербурге! 🔻Режиссер: выпускница Актерского факультета ВШСИ Майя Ермакова (мастерская Анны Ивановой-Брашинской). 🔻Драматург - студент 4 курса ВШСИ Николай Борис (мастерская Павла Руднева и Олжаса Жанайдарова). В основе спектакля наивные, трогательные и смешные истории о приключениях неразлучных друзей по сказкам известного чешского художника, графика, книжного иллюстратора Йозефа Чапека. В спектакле используются перчаточные куклы и маппеты на ширме, а также штоковые марионетки. Ребята, гордимся и поздравляем!

Наговорил на канале «Культура» о спектаклях: - «Событие» Владимира Набокова, реж. Константин Богомолов, Театр на Бронной - «Случай» по сценарию Кшиштофа Кесьлёвского, реж. Елизавета Бондарь, театр «Среда 21»

Невероятная фотография из Главархива Москвы. 1967, «Декабристы» Леонида Зорина, реж. Олег Ефремов, театр «Современник» Михаил Козаков - Николай I, Андрей Мягков - Сергей Трубецкой Имеются в виду такие предлагаемые обстоятельства. После декабрьского восстания император Николай I лично возглавляет следствие. В пьесе Зорина Николай Павлович показывает себя гением перевоплощения, манипуляции, используя тонкую психологическую игру, ломая настроения декабристов. Они под воздействием демонического артистизма царя, не могут преодолеть кодекса дворянской чести и пасуют перед натиском венценосного монарха. Тут мы видим совершеннейший экстаз, «припадок административного восторга», как позже сформулирует Достоевский. Фото из книги «Современник». Страницы истории к 70-летию театра». М., 2026.

16 октября Вчера (или позавчера, не помню) было созвано собрание актеров с Судаковым и Станиславским. М. А. [Булгаков] не пошел. Ему рассказывали потом, что Илья разразился укоризнами по поводу того, что актеры раньше времени съедают закуску, которую подают в «Мертвых душах»... Тут попросила слова выжившая из ума Халютина и произнесла следующее: — Да как же им не есть, когда они голодные! — Никаких голодных сейчас нет! Но если даже актеры и голодные, то нельзя же реквизит есть! = Булгакова, 1934 =

Пользуясь методом глубокого психологического погружения, режиссер Роман Габриа снимает гриф секретности с пьесы Виктора Славкина «Взрослая дочь молодого человека», которая была закрыта для иных интерпретаций шедевром Анатолия Васильева. Материал в спектакле Театра наций освежился, дополнился некоторыми сюжетными изменениями, хотя и сократился до одноактовки. Прошло время, и ситуация крушения идеалов 1950х теперь не воспринимается так остро, как в конце 1970х. Спектакль Анатолия Васильева говорил о капитуляции бунтарей в результате их старения и забытовления. Бунт оказывался лишь формой молодежного темперамента, приложением к быстро меняющемуся возрасту. Ценности, за каждый сантиметр которых нужно было сражаться и рисковать карьерой, теперь общепризнанны, а качество мечты снизилось из-за частичного снятия запрета на нее. Спектакль 2026 года о другом. Он о чувстве расплаты за все действия, совершенные любой личностью. Если герои спектакля 1979 года экстатически танцевали, то герои 2026 года бьют друг другу морду. И даже если танцуют, то это танец не для себя, это танец против кого-то, это агрессивные конвульсии протеста, танцы на своем собственном трупе. Евгений Стычкин, играющий нового Бэмса, буквально заставляет своего героя поднять глаза и прямо смотреть в зрачки своего мучителя (немая сцена минуты на две – взаимный взгляд осмелевшего кролика и самоуверенного удава – шедевр актерской техники Стычкина и Виталия Коваленко/Ивченко). Это встреча раздавленного жизнью лузера-нищеброда и всадника с копьем, который до сих пор в седле. Похудевший Виталий Коваленко выглядит в спектакле вечноживущим красавцем-вампиром, румяным от чужой крови. И тот, и тот ощущают холодок расплаты. Дело сделано, а дальше время изменится, и надо как-то жить с катастрофой, которая более никогда не уйдет из сердца. Но после армаггедона бывших, извивающихся на ковре как Лаокоон под змеями, после драки, которая со всех срывает маски, взрослых ждет суд детей. И если в спектакле 1979 года стиляги были сперва субъектами борьбы, а затем мишенью для своих отпрысков, которые не могут простить взрослым их конформизма, то в новой версии намечается возможность примирения, тихого диалога отца и дочери. Софья Петрова играет трудного подростка, юродствующего в неуклонной линии протеста. Любой объект – одежда, лицо, прическа, способ перемещения, способ коммуникации, бытовые привычки - выявляет активное презрение к лживому, приспосабливающемуся миру взрослых. Петрова умеет играть отсутствие эмпатии – покерфейс по любому поводу. Этот мир не достоин траты минимальной эмоции. Экология сердца: экономность чувства. И, тем не менее, Элла Куприянова в диалоге с отцом, потерявшим последний оплот – семью, жену, - на парадоксе чувствует солидарность с ним. Они оба беспомощные лузеры, все их семя от века до века будет чувствовать одно: ты обречен быть неудачником. И теперь дочь, орущая от беспомощности в окно как корова с полным выменем, видит в отце свою копию, свою тень. Я думала, что папа – враг, а он такой же мученик, как и я. Прикосновение, рука к ноге, нежность, взгляд, объятие. Солидарность в фатализме общей беды. Мы одной крови, я чувствую то же, что и ты, мы отзеркаливаем судьбы друг друга, и это навсегда, и это не изменить.

Продолжаем знакомство с историей Школы-студии МХАТ! 31 октября в 14:00 приглашаем на вторую встречу цикла лекций «История Школы-студии МХАТ» с Павлом Андреевичем Рудневым. Тема встречи — «Синхронизированная история МХТ и Школы-студии МХАТ». История Московского Художественного театра и Школы-студии МХАТ неразрывно связана. Как развивались эти две институции? Какие события, люди и творческие решения определяли их путь? И как история одного отражалась в жизни другого? На лекции попробуем взглянуть на историю МХТ и Школы-студии МХАТ в едином историческом и театральном контексте, проследить ключевые этапы их развития и увидеть, как складывались традиции, которые продолжают жить сегодня. Павел Руднев — театральный критик, кандидат искусствоведения, лауреат Премии Москвы, доцент Школы-студии МХАТ, автор более полутора тысяч статей и книг о театре. Встреча пройдёт в свободном формате: после лекции у каждого будет возможность задать интересующие вопросы и продолжить разговор о театре. 📍 31 октября, 14:00 Учебный театр Школы-студии МХАТ Для регистрации напишите ФИО менеджеру Клуба друзей в ТГ @Mhatschoolfriend Напомним, что впереди нас ждут ещё две встречи цикла: 📌 3 ноября, 18:30 — «Олег Ефремов и театр „Современник“» 📌 6 ноября, 18:30 — «Современная Школа-студия» Следите за анонсами в социальных сетях Клуба друзей! Цикл лекций проходит при поддержке Фонда Потанина.

Есть такая профессия, за людьми подслушивать, пока те кушают. Во всяком случае в Эдо это было нормальной практикой у театров. После премьеры пьесы публика выходила из театра и останавливалась у уличного продавца собы или в ближайшей чайной, где обсуждала что им понравилось, а что нет. На месте их уже ждал человек с большими ушами и хорошей памятью, так что мало какая критика не доходила до антрепренёра. Называлось это фубункики 風聞きゝ "слушать ветер". Попробуйте найти такого на гравюре и поймёте почему. Триста лет назад соцсетей не было, газет тоже, а мнение людей театру желательно узнать вот в день премьеры, чтобы уже на следующий можно было внести правки в сюжет или декорации. Кабуки всегда был театром гибким, подстраивающимся не только под мнение публики, но и под хотелки главного актёра, к примеру, так что к концу сезона пьеса могла быть подкорректирована десятки раз. На собошной написано нихати 二八 буквально "два восемь", что может быть как ценой (два раза по восемь т.е. 16 мон), так и отсылка к составу лапши, которую в то время часто делали в соотношении 20 частей пшеничной муки к 80 муки гречневой. Девушка несёт красный фонарь с надписью оири 大入 "аншлаг / полный зал" т.е. все билеты на спектакль проданы. Не совсем понимаю зачем художник его тут добавил, может дополнение к сюжету с подсушкой, а может отсылка к какой-то известной во время выхода гравюры пьесы, а может быть и банально ради атмосферы театрального района. «Слушать ветер» из серии «Ежегодные мероприятия театра Эдо» Adachi #Ginko 1897

Фубункики - сбор зрительских мнений и критики через подслушивание.