SatiSpivakova ✔

Доброе утро #ЦитатаДня

Скерцо из Симфонии № 2 до минор Антона Брукнера в исполнении Государственного симфонического оркестра Министерства культуры СССР под управлением Геннадия Рождественского. ❤️ 🎥: 1984 #МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения

Фрагмент интервью, которое маэстро Владимир Спиваков на днях дал в антракте концерта в Большом зале филармонии имени Шостаковича в Петербурге. Ссылку на полную версию прилагаю. #Интересное #ДляНастроения

Памятник композитору Антону Брукнеру в Вене, который ушел из жизни в этом городе 11 октября 1896 года. #Фотоальбом

+4

Новый выпуск с актрисой и телеведущей Сати Спиваковой уже на канале «Арно Командная», но мы не удержались и решили сделать вдогонку еще один пост. На этих архивных кадрах — история! После съемок Сати показала нам несколько фото: моменты насыщенной жизни — концерты, фестивали, дружба с великими актерами, музыкантами и дизайнерами… Разумеется, попросили прислать эти фото нам, чтобы поделиться с вами. Но главное, смотрите вдохновляющее интервью с Сати Спиваковой: о любви, возрасте, театре и борьбе с раком — https://youtu.be/Y0osVdMcZfI

Обратная сторона великой славы. 💔 Из воспоминаний Иосифа Бродского. 1987 год «Это все, конечно, дела семейные, но что правда, то правда: он ее упрекал. И он сказал ей как-то фразу, которая Ахматову чрезвычайно мучила. Я думаю, эта фраза была едва ли не причиной ее инфаркта; уж во всяком случае, одной из причин. Это не точная цитата, но смысл слов Гумилева был таков: „Для тебя было бы даже лучше, если бы я умер в лагере“. То есть имелось в виду — „для тебя как для поэта“. Даже если это было бы правдой и это сказал бы старый друг, то и то первая мысль была бы: „Ну и сволочь ты все-таки“. Но ведь это сын говорит! Что называется – додумался…». Почитать о Льве Гумилеве можно в моем архивном посте. #Интересное

Когда в 1960 го­ду появилась идея (по всей видимости, президента де Гол­ля) заказать рисунок символа Франции — Марианны — Жану Кокто, почтовое ведомство пришло в ужас. Есте­ственно, художник нари­совал ее по-своему: двумя-тремя уверенными ли­ния­ми, с пухлыми капризны­ми губами и грозными глазами античной богини. Марианна — один из немногих республиканских символов, постоянно присутствующих в современной французской действительности. Первое ее появление на революционной сцене произошло в октябре 1792 года, когда в далекой от Парижа коммуне Пюилоран была написана песня «Исцеление Марианны», в которой девушка по имени Марианна впервые олицетворяла Республику. Имя Марианна, сочетавшее в себе два имени и потому казавшееся аристократам вульгарностью, революционеры стали соотносить с образом Родины-матери. Один из самых ярких образов Марианны написал в 1830 году Эжен Делакруа. В современной Франции Марианна продолжает символизировать Республику — ее бюсты стоят во всех госучреждениях, а со времен освобождения страны от немецкой оккупации во Франции регулярно издаются специальные марки с портретами Марианны. Поскольку собственного лица у нее нет, в образе Марианны по очереди предстают самые красивые женщины страны — Брижит Бардо, Мирей Матье, Софи Марсо, Инес де ла Фрессанж, Катрин Денев, Летиция Каста (которую, к слову избрали Марианной именно 11 октября, в 1999 году) Целый год почтовики присылали поправки, пожелания и замечания под пред­ло­гом, что такую марку легко подделать; номинал снизили с 25 до 20 санти­мов. Вопреки обыкновению, Кокто хладнокровно вносил все изменения. Грави­ровку поручили известному мастеру почтовой миниа­тю­ры Альберу Декарису, и в феврале 1961 года появилась подлинно модернистская Мариан­на, а Кокто стал героем первого выпу­ска программы Télé-Philatélie: художник взял у ведущей губную помаду и нарисовал на стекле свою Марианну, потратив на это меньше минуты. Фрагмент программы прилагаю.

Доброе утро #ЦитатаДня

Наблюдаем за поколением Бета в лице очаровательной Нины. 😍 Видео из соцсетей Хиблы Герзмавы. 🥰 #ДляНастроения

Что я скажу о своих песнях? Мои мужчины, как бы я их ни любила, всегда оставались «чужими». Мои же песни — это я, моя плоть, кровь, моя голова, мое сердце, моя душа. 10 октября 1963 года в Грасе ушла из жизни Эдит Пиаф. Ее тело было перевезено в Париж в обстановке полной секретности. Официально о смерти объявили только на следующий день. Похоронили певицу на кладбище Пер-Лашез. 🎥: La vie en rose. ❤️ Редкая запись выступления Пиаф, сделанная в 1954 году. #МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения

Сегодня юбилей (не побоюсь этих цифр 50 💫) у моей подруги, блистательной журналистки, создательницы онлайн-журнала «Соловей» и просто талантливой, очень красивой Ксении Соловьёвой, которая несколько лет назад сподвигла меня на создание этого канала. Дорогая Ксюша! От всего сердца восхищаюсь твоей организованностью, вкусом, чувством такта, неутомимостью, легкостью и умением взаимодействовать с людьми! Постоянным нахождением в движении, с оглядкой на часы, на «одной ноге», в решении каких-то вопросов. Всегда счастлива тебя видеть и слышать, неважно, сидим ли мы в гостиной, за чаем, и ты уютно обнимаешь подушку, или когда в трубке слышится твое фирменное: «Привет-привет!»… По счастью ты — из той породы людей, с которыми невозможно наговориться! Желаю, чтобы в твоей насыщенной жизни всегда было несколько незыблемых констант: любовь, творчество, здоровье! Обнимаю. С днем рождения! ❤️

Одна из самых необычных могил Парижа – этот роскошный восточный ковёр с узорами и бахромой, сотканный не из нитей, а из тысяч кусочков мозаики. Под ним похоронен артист балета Рудольф Нуреев. Согласно своему желанию, в 1993 году он был погребён на русском кладбище Сент-Женевьев-де-Буа, надгробие для него придумал Эцио Фриджерио, декоратор, много лет работавший с танцором. В этом образе соединились восточные корни Нуреева и бесчисленные путешествия. Эцио объяснял идею очень трогательно: «Мне было трудно представить его вечно неподвижным. Любой символ конца казался мне отталкивающим. Поэтому я решил: если легендарный кочевник ушёл навсегда, его уход должен быть отмечен не надгробной плитой, а чем-то связанным с его земной жизнью». А само кладбище – одно из тех мест, ради которых стоит выбраться за пределы города. #красивоевпариже

Вообще есть ощущение, что данное роскошество на могиле Нуреева — не только про его корни и путешествия, но и про неповторимый стиль, любовь к деталям, иногда даже странностям (но каким!). Не зря снимки великого танцовщика по сей день охотно цитируют модные мировые издания. Сам же он носил одежду как продолжение сцены: театрально, ни за что не извиняясь и не следуя никаким трендам.

10 октября 1813 года в деревне Ле Ронколе близ города Бусетто родился Джузеппе Верди. Семья Джузеппе была бедна. Отец — трактирщик, мать — пряха. На музыкально одаренного ребенка обратил внимание богатый торговец и меценат Антонио Барецци. По его настоянию семья переехала в Бусетто, где маленький Джузеппе смог получить свои первые полноценные уроки музыки. Когда Верди исполнилось 18 лет, он отправился в Милан на средства, выделенные благотворительным обществом города. Увы, в Миланскую консерваторию будущего создателя программных произведений итальянской оперы не приняли. Члены комиссии не увидели в юноше исключительного дарования. Заветной мечте молодого музыканта об обучении в Миланской консерватории не было суждено сбыться, но два года, проведенные в Милане, не прошли напрасно — в этот период Джузеппе Верди брал уроки у Виченцо Лавиньи, оперного композитора и дирижера театра Ла Скала. Первым крупным успехом Верди считается опера «Набукко», написанная в 1841 году на либретто Темистокле Солера и распахнувшая для Верди все двери. Опера «Эрнани», созданная в сотрудничестве с венецианским либреттистом Франческо Мария Пьяве, стала одной из ярчайших работ в творчестве Верди раннего периода. Премьера этого произведения состоялась 9 марта 1844 года. Оркестровка еще не достигла совершенства поздних работ композитора, но мощь и пылкость мелодии полностью сводили этот недостаток на нет. Если в «Набукко» еще сохранялось влияние работ Россини и Доницетти, то «Эрнани» можно назвать оригинальной оперой Верди. Гонорар за данную работу составил 12 тысяч лир — Верди стал богатым человеком. Одно из главных достижений Верди в оперном искусстве — создание произведений реалистической направленности. Композитора интересовала проблематика социального неравенства и глубокий психологический анализ персонажей, истории жизни простых людей. От возвышенных патриотических идей он обратился к жизни конкретного человека, и публика увидела всю глубину интерпретации Верди, его тонкий психологизм. Главными произведения этого периода стали «Травиата» (1853), «Риголетто» (1851) и «Трубадур» (1853). «Риголетто» — беспрецедентный случай, когда в качестве главного героя автор вывел на подмостки нелицеприятный образ горбуна. Цензура, преследовавшая Верди все это время, попыталась внести коррективы в постановку, в том числе, требовала изображения главного персонажа без горба. В конечном итоге компромисс был достигнут — изменились время событий и место действия, а личность короля Франции заменена на личность герцога Мантуанского. Премьера прошла 11 марта 1851 года и произвела фурор. Представление не сходило с подмостков крупнейших оперных театров Европы на протяжении нескольких месяцев. Верди был известен своим специфическим характером: угрюмостью, угловатостью манер, интровертностью. C приходом всеобщего признания в 1850-х годах он продолжил уединенное существование, концентрируясь на творчестве. Последовали оперы, в числе которых «Сицилийская вечерня» (1855), «Симон Бокканегра» (1857), «Бал-маскарад» (1859) и другие. В 1860-х годах Верди создает оперы «Сила судьбы» (по заказу Мариинского театра в Санкт-Петербурге, 1862) и «Дон Карлос» (1867), предвосхитившие создание величайшего творения композитора — «Аиды». Опера была заказана Верди по случаю открытия Суэцкого канала. Произведение, впервые поставленное в 1871 году в Каире, принесло композитору огромный успех. В «Аиде» Верди, всегда контролировавший работу либреттиста, достиг того, к чему стремился на протяжении своего творческого пути, — полного слияния музыки и слова. Последней оперой Верди стал «Фальстаф» 1893 года, созданный на либретто Арриго Бойто по пьесе «Виндзорские насмешницы» Уильяма Шекспира. Джузеппе Верди скончался от последствий инсульта 27 января 1901 года. Композитора похоронили на Монументальном кладбище в Милане. Через месяц его тело было перезахоронено в доме для пенсионеров-музыкантов Casa Di Riposo per Musicisti, основанном Верди.

Доброе утро #ЦитатаДня

Сегодня день памяти Жака Бреля. Часто говорят, что настроение песни «Амстердам» исполнитель взял из жизни портов своей родины, прежде всего, Антверпена. Сам он любил море и моряков. В 1967 году Брель ушел со сцены, потом занимался кино, а затем уплыл на парусной лодке к Маркизским островам. Там он и похоронен. «Амстердам» навсегда осталась одной из его визитных карточек, как и «Ne me quitte pas». 💔 Целое действо. 🙏 #МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения

86 лет со дня рождения Джона Леннона. На этой записи 1975 года он исполняет свою великую «Imagine». 🙏 Песня была вдохновлена несколькими короткими стихотворениями из книги Йоко Оно «Грейпфрут», в частности, «Cloud Piece», чей текст был напечатан на задней стороне обложки одноименного альбома. Строчка из него: «Представь себе, как с неба стекает облако. Вырой в саду ямку, чтобы оно там укрылось». Позже Леннон сказал, что композицию следует считать их общим творением: «Бóльшая ее часть — текст и концепция — появились благодаря Йоко, но в те дни я был малость более эгоистичным, эдаким мачо, и опустил вклад Йоко. Однако „ноги“ песни растут именно из „Грейпфрута“». #МузыкальнаяТерапия #ДляНастроения

Великий юбиляр (100 лет со дня рождения!) Евгений Евстигнеев — о роли профессора Преображенского в фильме Владимира Бортко «Собачье сердце». ❤️ Смотрели? #Интересное #ДляНастроения

Я человек «выверенных» телевизионных форматов и пока не очень уверенно ощущаю себя в новом жанре «подкастов». Но нужно идти вперед и соглашаться на эксперименты! Татьяна Арно — моя давняя, добрая подруга, поэтому я с радостью приняла приглашение от нее и ее коллеги Марии Командной поучаствовать в таком «эксперименте». Получилось откровенно, бодро и, кажется, нескучно! Спасибо, девочки! Продолжайте двигаться в том же направлении! 😍

9 октября 1835 года в Париже родился Камиль Сен-Санс. Играть на пианино он начал чуть ли не с рождения. Те, кто видел выступления мальчика, сравнивали его дарование с гением Моцарта. Первый сольный концерт десятилетнего Сен-Санса прошел с большим успехом, усилившимся благодаря тому, что мальчик играл программу на память. Известный педагог Камиль Стамати рекомендовал Сен-Санса композитору Пьеру Маледану, которого ученик впоследствии называл «непревзойденным учителем». Первый успех Сен-Санса пришелся на середину 19 века и позволил ему сблизиться с крупнейшими европейскими музыкантами того времени — Шарлем Гуно, Джоаккино Россини, Гектором Берлиозом. Его пианистическое и композиторское мастерство высоко оценил Ференц Лист. В 1857 Сен-Санс получил место органиста в парижской церкви Мадлен и занимал этот пост в течение двадцати лет, пользуясь большим успехом во многом благодаря своим импровизациям. Он сочинил Вторую симфонию, несколько опер, активно пропагандируя музыку композиторов своей эпохи. Сен-Санс был одним из первых французских музыкантов, поддерживавших творчество Вагнера и Шумана. По собственной инициативе он дирижировал концертами из музыки Листа, первым во Франции исполняя его симфонические поэмы. Этот жанр, до того неизвестный во Франции, позднее появится и в творчестве самого Сен-Санса — «Прялка Омфалы» (1871), «Фаэтон» (1873), «Пляска смерти» (1874), «Юность Геракла» (1875). Сен-Санс также возродил интерес к произведениям Баха и Моцарта, открыл для публики практически неизвестного до того во Франции Генделя. Одно из самых исполняемых своих произведений — Второй фортепианный концерт — он сочинил в 1868 году для Антона Рубинштейна. Интересно, что для написания шедевра Сен-Сансу потребовалось чуть больше двух недель — обычно процесс занимает месяцы, а то и годы. Тепло отзывался о произведении Петр Ильич Чайковский: «Сочинение это чрезвычайно красиво, свежо, изящно и богато прелестными деталями...» Пьеса «Лебедь» из сюиты «Карнавал животных» — пожалуй, самое известное сочинение композитора. Музыка стала основой для номера «Умирающий лебедь», поставленного Михаилом Фокиным для балерины Анны Павловой. Сам композитор был удивлен подобной трактовкой своего сочинения, ведь в его пьесе лебедь не умирает, а музыка написана в мажорной тональности. Сен-Санс прожил долгую жизнь, став свидетелем смены веков и множества великих событий. Даже памятник ему открыли при жизни — такое случается довольно редко. Сам композитор отнесся к этому меланхолично, с долей иронии: «Ничего не поделаешь, приходится смириться с тем, что я уже не человек, а памятник. Видимо, люди настолько возненавидели мою музыку, что устали дожидаться моей смерти». Камиль Сен-Санс умер от сердечного приступа 16 декабря 1921 года, во время поездки в Алжир на зимние каникулы. После официального прощания с композитором в Париже его похоронили на кладбище Монпарнас.