Арт-консультант

+5

Отметить день рождения не просто собрав друзей, а собрав квартирную выставку — так умеет любимая Катя Карцева. Елена Ковылина, Лиза Артамонова, Наталья Конюкова, Аня Лапшинова, Надя Петрова и Мари Сокол показали свои работы, а главной темой стали цветы и их символизм. Название выставки — «Одолень-трава». И все мы одолень точно последние годы #внезапнодрузья

А сегодня … день рождения у меня. Что особенного обо мне сказать? Кроме искусства я мало чем интересуюсь. Своими познаниями всецело делюсь с вами: 🔹 преподаю в РГГУ, руковожу магистратурой «Арт-менеджмент и галерейное дело» 🔹 выпускаю 2 независимых медиа artandyou.ru + murmure.space 🔹 веду каналы Арт-консультант + murmurespace 🔹 делаю выставки Рада, если вы читайте мои медиа (вести их правда требует массы усилий) и рекомендуете мои каналы. Живу по принципу Ерофеева: «Человек непременно должен отдавать себя другим людям, даже если его и брать не хотят»

Независимое искусство обживает коммерческие форматы Организаторы ярмарки «Куча» рассказали, как они понимают «независимое искусство» и зачем художественным самоорганизациям тоже понадобилась своя ярмарка. Независимое искусство — это самоопределение автора, то есть даже вполне вписанные в институциональный контекст художники могут создавать независимое искусство. В это определение как будто все вкладывают немножко свое: для одних это искусство, свободное от рынка, для других — от художественного мейнстрима, а для третьих — вообще от всей инфраструктуры контемпорари На мой взгляд, это искусство, которое создается на собственные деньги автора и не зависит от грантовой или любой другой поддержки институций/корпораций, государственных заказов или рыночных трендов. Искусство, которое часто остается на обочине по тем или иным причинам и формируется локально. 📍 Читайте материал Олеси Болматовой на artandyou: https://artandyou.ru/interview/art-professionals/osnovateli-yarmarki-hudozhestvennyh-samoorganizaczij-kucha-kak-nezavisimoe-iskusstvo-obzhivaet-novye-formaty/

Художница Варя Гранкова, основательница школы artist statement попросила меня ответить, что я понимаю под «вторичным искусством». Но взяли только мой первый абзац. (А кратко же я не умею 🫠) Вот полностью текст, который я написала: ✅ Характеристику «Вторичное» я обычно употребляю в контексте «дежа вю», когда произведение воспроизвойдит по форме, теме уже когда-то, где-то мною увиденное. ✅ Не путать с «апроприацией», когда автор намерено заимствует чужое произведение. ✅ Есть популярные техники, медиумы, стратегии и сюжеты, как правило коммерческие, которые авторы создают в надежде «продать», причем не только покупателю, но и иносказательно на опен-кол куратору к выставке, например. ✅ Мы живем в цифровом мире, когда художники черпают «из единого котла» и видят, что делают коллеги по всему миру, в том числе благодаря соцсетям. Я, например, замечала когда художники буквально повторяли проекты, сделанные зарубежными коллегами. ✅ С одной стороны, на этапе становления художник обязательно вдохновляется работами других и следит за трендами. Но чтобы работы не были «вторичными» необходимо найти свой уникальный язык. А это сложно. ✅ И ещё «вторичное» это не про тему, содержание или медиум, потому что монополии на них нет. А про формально-стилистический аспект

+3

Вчера побывала в резиденции «Новые земли» под Волоколамском. Специфика арт-резиденции в наличии различных печей для обжига керамики, создания огненных скульптур и проведения обучающих программ. Как разъяснили керамисты, фишка не только в размере печи, позволяющем делать масштабные работы, но и в дровяном обжиге, при котором материалы взаимодействуют с пламенем и смолой, что позволяет создавать объекты «непритязательной красоты». Событием вчерашнего вечера стал процесс создания двухметровой керамической скульптуры художницы Ирины Успенской, директора Школы Родченко под названием «Книги без названия» или «рукописи не горят». Книга — это символ памяти, передачи знаний и воспроизводства информации. В современном мире печатные книги все больше заменяются цифровыми/электронными. Феномен уничтожения/сожжения книг известен еще до средневековья, но именно в это период наиболее часто и ярко горели костры инквизиции. Такие публичные сожжения демонстрировали отрицательное отношение властей к сжигаемой литературе. И в наши дни тема уничтожения книг не потеряла свою актуальность. 📸 Катя Анохина

Вся история российского современного искусства пронизана мечтами о «биеннале». Читайте мой новый материал о III Болотной биеннале, чтобы узнать как биеннальное движение развивалось в России с 1990-х и по сей день. Спойлер: несмотря на расцвет фестивалей на грантовой игле президентских грантов независимое искусство сегодня не может претендовать ни на общегородской масштаб, ни на гранты, ни на обширную информационную поддержку. И тем не менее «сделай-сам» фестивали продолжают возникать в разных концах нашей необъятной, как маяки надежды, что независимое искусство существует и кому-то необходимо. О том, какой получилась III Болотная биеннале и какие трудности предстоит преодолеть, чтобы состояться в 2028 в 4-й раз читайте на artandyou: https://artandyou.ru/context/iii-bolotnaya-biennale-s-etapom-vzrosleniya-prishli-i-vzroslye-vyzovy/

+6

И только в Москве завершилась выставка «Строгость и красота», которую Ольга Тобрелутс в роли куратора выстроила вокруг основополагающих и хрестоматийных принципов Новой Академии, как в фонде Ruarts открылся групповой проект «Торжество Меланхолии» под кураторством Нины Гомиашвили. Напрямую с НА он не связан, но импульс, что видно даже из названий — общий. Вариант Нины Гомиашвили куда более замысловатый, витиеватый, прокладывающий новые тропы в разговоре о руинах былого величия, обращен в будущее мира после крушения цивилизации. «Торжество, принадлежащее лексике триумфа, победы и ликования, обретает тихую ипостась» — пишет в тексте к выставке рук-ль научного отдела Ruarts Надежда Цветкович. Прекрасные воспоминания о прекрасном прошлом, свойственные ряду в первую очередь петербургских художников, переосмысляются через ощущение бездны и забвения. Зрителя встречает вертикальная ось — многометровая триумфальная колонна Елены Самородовой и Сергея Сонина, на которой как на старом балконе поросла поросль. Аполон греется в лучах солнца с ящерицами на пне. На старых обоях из Питерской коммуналки ликами проявились яростные маскароны. В видео-оммаже «Аркадским пастухам» Пуссена, вместо людей пришли лоси. И надпись «Я был в Аркадии» изменена на «Я был в Петрополисе» (Петербурге то есть) «Петербург — воплощенное насилие», писал Аркадий Ипполитов «все то, что обычно возникает в сознании как расхожий образ Петербурга, связано с властью. Колонны, арки, дыбящиеся кони, трубящие славы, горы оружия, разбросанные на фасадах, гранитные глыбы, напрягающие мускулы кариатиды» — все это определило эстетическое сознание петербургских художников. Но Нина Гомиашвили предложила нестандартный вариант имперской анти-утопии. В проект включены работы московских авторов, например, Игоря Самолета или Оли Божко. Смысл ротонды из вязанных березок Божко, на которых вместо полосочек шрифтовые «ура-ура» куда глубже в окружении такой выставки. Человека не осталось, только пустая беседка с ура-березками. Разноплановость авторов и обилие не самых известных имен — несомненная заслуга куратора, которая их объединила очень цельно. Лейтмотив выставки вокруг экологической тематики. В полотне Ивана Смирнова, кариатиды, которые своего рода автопортреты художника, использованы грунт, земля, уголь и камыш. Даня Пирогов сделал деревянную скульптуру в виде огромного кита. В экспозиции есть даже леопарды, но не в лучших традициях открытий 90-х, а музей таксидермии. Много хтони — крестов, кладбищ и болот. Однако, во всем этом — обретаешь неожиданное умиротворение и принятие неизбежного. В ситуации неопределённости разлома, пропасти и бездны, в которой российская культура сейчас пребывает, выставка очень контекстуально насыщенная и многогранная предлагает альтернативные интерпретации как российского искусства, так и истории искусства вообще, буквально и в переносном смысле — почву для размышлений. Фонд Ruarts. Трубниковский переулок, 6

Круть! В парижском шоуруме nike. Интересно, их консультанты явно имеют «насмотренность» в современном искусстве. Легендарная запятая из логотипа пробила дырку в стене, проверяя на прочность адекватность ментального и физического восприятия происходящего. Я даже считаю это уместным в своем канале. Мне ещё почему-то вспомнился Потапов в pop / off / арт когда он пару лет назад продолбил там стены

РБК-стиль запустил проект Арт-шпаргалка 👩‍🎓 Рада быть в числе экспертов в хорошей компании. Начали с азов — импрессионизм. 🗒️ Сохраняйте шпаргалку и от меня: Импрессионисты — визионеры света и живописцы счастья Импрессионизм в живописи — это конкретный исторический период конца XIX века, но та революция, которую французские художники сделали в живописи, определила манеру работы многих последователей. Импрессионисты — визионеры света. Если от картины у вас возникает ощущение мимолетности запечатленного момента — например, сейчас солнце зайдет за облако, а тени и свет в картине полностью изменятся, вы видите блики воды или игру солнечных пятен, — это импрессионизм. Импрессионисты уловили в отношениях света, воздуха и цвета нечто такое, чего раньше не замечали художники. А ключ к этому простой — пленэр. Прежде живописцы работали в мастерской при искусственном освещении. Импрессионисты вышли на улицы, где им приходилось запечатлевать все очень быстро. Они почти не использовали глухих, темных цветов, особенно черного, не писали горьких и мрачных сторон жизни, запечатлевая радость момента: своих современников за столиком в парижском кафе или в лодке на пруду» Читать полностью: https://style.rbc.ru/impressions/6a3558549a794744d4cec491

Читаю Семена Файбисовича (1990-е он брал паузу в искусстве и в основном писал тексты, разные). Нравится его мысль о коллекционерах, которые коллекционируют глазами 👀, а не ушами 👂 В статье «Слово о «больших» и «малых» художниках» он рассуждает, почему одни художники известные, а другие нет, (всю историю искусства об этом рассуждают, но послушаем и его мнение — хотя оно, конечно, спорное) Но он подмечает интересное 👇 как неизвестные оказались в музеях ??? В результате какой такой ошибки? Ошибки коллекционера, который пошел против диктатуры имен! Диктатуры известного имени и в проф сообществе, и среди зрителя, и среди авторитетного коллекционера. Файбисович считает, что в музеях могут быть прекрасные работы неизвестных авторов. И плохие — известных. Перенося на наши дни и реалии, мой реверанс разве что Пьеру Броше, который любит говорить, что он «охотник» (и у него тоже есть своя теория, что история искусства и музеи формируется коллекционерами). Из коллекционеров-селебов только он реально рисковал. (Меня поразили отдельные работы в его коллекции Чтака, Калимы своей неузнаваемостью, что лучший пруф того, что Пьер купил их прежде, чем те прославились). Какая выжимка? Большинство БОИТСЯ рисковать. Но хочет усидеть на 2-х стульях — и не рисковать, и в меценаты себя записать, статусу прикупить, личного бренда. Лично у меня ничего кроме скептицизма к такому «меценатству» нет. Пока журналисты и блогеры продолжают жамкать их имена — типа ВАХ какие молодцы. Чего молодцы? Купили дорогих картин, возможно с демпингом, хранят черти как? Ну я конечно исключительно завидую и поздравляю. Но КРУТЫЕ те, кто покупает не о ком везде уже сказали, написали. А на свой страх и риск. Это для актуального арт-процесса важно и для будущего (возможно), а для нынешних дивидендов в виде само-пиара — это конкретно фигово. Кто же будет восхищаться коллекцией малоизвестных авторов? Короче, пресловутое про то, что любящих себя в искусстве, куда больше тех, кто любит искусство и ничего им взамен приобрести не пытается.

С 1-10 августа 3-й выпуск Ладакх биеннале (Ladakh biennale 2026) Это горная территория на северо-западе Индии, также известная как «маленький Тибет». 👉 Проект переосмысляет идею арт-фестиваля, специализируясь на работах, созданных в природных и открытых ландшафтах, объединенных вокруг «регенеративного искусства» * перспективная междисциплинарная практика, которая реагирует на экологические и социальные кризисы, создавая системы обновления, а не эксплуатации. В основе регенеративного искусства лежат следующие ключевые принципы: ✅ Погруженное мышление: Творчество с учётом долгосрочных последствий и воздействия на экосистемы, культуры и будущие поколения. ✅ Осознание жизненного цикла: Использование местных, биоразлагаемых или переработанных материалов для минимизации вреда и уважения к пути материалов. ✅ Междисциплинарная практика: Стремление объединить искусство, науку, экологию и технологии для развития интегрированного, системного мышления. ✅ Климатический оптимизм: В центре внимания — обнадеживающие, ориентированные на решение проблемы нарративы, вдохновляющие на коллективные действия и системные изменения. ✅ Фокус на следующем поколении: Расширение возможностей молодёжи, воспитание раннего экологического сознания и содействие межпоколенческому обмену. ✅ Ориентация на сообщество: Приоритет местной выгоды, обмена знаниями и совместной устойчивости. ✅ Трансграничное сотрудничество: объединение культур и регионов для совместного создания решений и усиления глобальной солидарности. Регенеративное искусство определяется не только результатом, но и процессом, целью и потенциалом. https://www.sabiennale.com/biennale2026

Стартовала 16-я биеннале европейского искусства Manifesta 🔥 ее площадками стали 12 церквей Рурского региона в Германии — в Дуйсбурге, Эссене, Гельзенкирхене и Бохуме, а слоганом — «Это не церковь» Кстати, у истоков этой кочующей (каждый раз в новом месте) биеннале был в том числе Виктор Мизиано. Когда-то он подметил, что там где в Средние века строили собор, теперь музей современного искусства. Традиция искусства в церквях в католицизме не особенно и прерывалась. Очень интересно посмотреть на 16 Manifesta, вот как они формулируют программу этого выпуска (в центре внимания, конечно же, сообщества ☺️) В этом году проект исследует, как можно переосмыслить пустующие церковные здания как пространства для общественной жизни, физического благополучия и взаимодействия внутри сообщества. Manifesta 16 Ruhr приглашает вас помочь нам представить новое будущее для этих городских достопримечательностей и подумать о том, как такие пространства могут способствовать социальной и культурной жизни городов Рурской области. Вместо традиционной серии выставок, Manifesta 16 Ruhr объединяет межпоколенческую и междисциплинарную художественную команду со всей Европы для разработки проектов, специально разработанных для каждой из двенадцати церквей, с целью оказать долгосрочное влияние на местные сообщества. Эх, а ведь Manifesta в 2014 году проходила и у нас, в Эрмитаже 😪 https://manifesta16.org

#насонгрядуший Домик Анны Лапшиновой с выставки последнего сезона Открытых студий поселился в Переделкино Инсталляция фиксирует момент неопределенности, «подвешенности», разрушения, зарастания старой структуры и прорастания новой. Этот образ находится «ни здесь, ни там». Инсталляция на свежем воздухе теперь будет там прорастать, обрастать и сливаться с лесом ✨🌙 🌳

У меня сегодня день рождения. Спасибо вам, мои дорогие 🍎

Сегодня празднует день рождения непревзойденная Евгения Гершкович, искусствовед, историк архитектуры, журналист, автор нескольких книг, знаток Москвы, автор журналов ДИ, Искусство, Moskvich Mag и многих других. Восхищаюсь ее текстами и знаниями. Долгих лет! 🚀 Подписывайтесь на канал Евгении, особенно если хотите знать больше о Москве (она все время рассказывает об истории московских домов)

❕ В ЦТИ Фабрика готовится к открытию русско-нидерландский проект «И после агент Купер повторил: нет такого места, как дом». В основе экспозиции, которая пройдёт одновременно в Москве и Эйндховене будут видео-работы 2 самоорганизованных объединений NoNameForNow (Москва, ЦТИ «Фабрика») и гелереи «Т56» объединения Zesde Kolonne (Эйндховен, Нидерланды). Кураторы рассказали о том, как возникла идея сотрудничества, а также про схожее и специфическое в искусстве художников из России и Нидерландов. Соосновательница объединения NoNameForNow и координатор Института современного искусства Иосифа Бакштейна Polly T: «Толчком к идее проекта стал фильм «Линч/Оз», который я увидела в рамках Beat Film Festival. Тогда я услышала фразу Дороти в оригинале, и она прозвучала для меня со следующим смыслом — такого места как дом не существует. Я познакомилась сначала с Нандой Раемански, а потом, через нее, с Люком Спонсели. Они дали проекту, который тогда был лишь концептом, возможность ожить, увидеть, как эту тему мыслят и ощущают людей иной культуры». Кураторы со стороны Нидерландов: Нанда Раемански: «Сейчас культурный обмен становится ценнее, чем когда-либо. Искусство и культура предлагают людям возможность встречаться вне рамок и стереотипов, помогая нам лучше понять, как другие воспринимают окружающий мир. Хотя все художники работают над одной и той же темой, совершенно естественно они создают совершенно разные ощущения. Например, во многих голландских работах море и пляж появляются как повторяющиеся элементы, в то время как в нескольких российских работах присутствуют заснеженные пейзажи, городское движение или обширные открытые пространства. Эти среды по-разному влияют на эмоциональную атмосферу фильмов. Меня также поразил контраст в художественных методах. Многие российские работы активно экспериментируют с цифровыми и гибридными формами — онлайн-сообществами, виртуальными пространствами, элементами, похожими на дополненную реальность, 3D-сканированием или методами цифрового многослойного монтажа. С другой стороны, голландские работы часто больше сосредоточены на физическом присутствии и временном занятии пространства: небольшие самодельные сооружения, импровизированные рабочие места, коллективные культурные мероприятия или сам ландшафт как метафорическое пространство. В то же время, есть и много сходств. В обеих странах сильна идея самоорганизации и независимой культурной инициативы. Путешествия, движение и временные сообщества присутствуют во многих работах, хотя часто рассматриваются с разных точек зрения». Люк Спонсели: С момента основания 6de Kolonne в 1984 году мы интересовались международным обменом в сфере андеграундного искусства и культуры. Мы считаем, что это особенно важно в неспокойное время - показать иную культуру, наладить общение с единомышленниками, протянуть руку понимания, и в этом контексте регион или происхождение не имеют значения» В рамках параллельной программы выставки запланирован артист-ток с Нандой Раемански, концерты Максима Илюхина, Митрия Гранкова и другие мероприятия. Художники: Агентство Сингулярных Исследований (Анна Титова, Станислав Шурипа), Danil Danot, PollyT, Виктор Алимпиев, Оксана Виноградова, Павел Зуданов, Митрий Гранков, Максим Илюхин, Йолан Рейс, Зак Кахадо, Алексей Лука, Вика Малка, Нанда Раемански, Люк Спонсели, Евгения Стерлягова и Катя Финкельштейн, Резан Хабаш, Дима Филиппов 📍 26 июня – 19 июля 2026, ЦТИ Фабрика, Переведеновский переулок, д. 18, Актовый зал

Пока я готовлю для вас несколько классных материалов на artandyou, напоминаю, что в моих закрепах есть много интересного, а также подборка концептуальных журналов об искусстве 👇 📃 👇 https://t.me/artandyouru/5669

Наверное, не надо пояснять, что художественная критика — необходимая составляющая инфраструктуры и арт-рынка? Для сравнения нашла фото из моей последней поездки во Францию. Целая полка (!!) печатных журналов об искусстве. На любой вкус и цвет. В Штатах тоже самое. И это несмотря на то, что печатная пресса очевидно переживает не лучшие свои времена во всем мире.

+4

Печальное известие — журнал Московского музея современного искусства Диалог Искусств больше не будут издавать. ДИ выходил в печати, а в электронной версии его не было и, судя по всему, не будет. Государству сейчас не нужно современное искусство. Это прискорбное событие для российской арт-критики — скудных ее представителей. ДИ был моим любимым изданием об искусстве. Я читала его 15 лет назад как точку входа в современное искусство, мечтая хоть немного приблизиться к этому уровню. Листаю выпуск 6, 2017 года — только посмотрите, какой он был классный. RIP 🪦 ДИ

+1

День России отличный повод поддержать низовую самоорганизацию в русской деревне. Организаторы запустили сбор на ПЛАНЕТА. РУ на поддержку резиденции и, чтобы сделать полноценную канализацию, так как классический деревенский туалет с дыркой в полу имеет свои пределы 🌱 ✅ О резиденции: в 2024 году художница Анна Тарарова запустила арт-резиденцию TwinПлёс в полузаброшенной деревне под городом Плёсом в доме своей бабушки. Анна, как уроженка города, обращает внимание как изменился Плёс, с одной стороны в лучшую сторону: это развивающийся вылизанный туристический город с высоким ценником, инфраструктурой, при этом из него уходит аутентичность глубинки, того, что она помнит из детства - места, люди, состояния. С красивым, многолюдным в сезон Плёсом резко контрастирует деревня в 3 км от города - 2 соседа, хтоническая всепооглощающая природа и медленный уход в небытие. Анне важно рассказать и показать авторам этот контраст, природу и всю красоту процессов. Прошло уже два заезда, среди художников были Мила Нишатова, Лилия Ким, Дарья Сетевинец, Катя Васильева и другие. Для многих это послужило стартом карьеры или новых проектов. А сейчас уже объявлен список новых резидентов Анна не считает себя куратором, а гостеприимной хозяйкой, мягко вводящей в контекст деревни и города: совместное пребывание авторов друг с другом и местом, где можно отдохнуть от города и обилия информации (купаться, ходить в лес, бродить, париться в бане, сидеть у костра и общаться), делать свои проекты. Участие в резиденции бесплатное, предоставляются базовые продукты.