Арт-консультант

«Слышит ли цветок пчелу?» — название 15-й Шанхайской биеннале, стартовавшей 8 ноября. Дизайн выставки вдохновлён концепцией сада – не как декорации, а как пространственной философии. «Мы живём в эпоху колоссальной неопределённости и глобальных кризисов, что порождает чувство коллективной дезориентации. Мир меняется с невероятной скоростью, оставляя нас в растерянности и неуверенности. Поскольку мы не можем вернуться в прошлое, искусство предлагает нам способ преодолеть отчаяние и усталость. Оно помогает нам исследовать новые формы жизни и чувственной коммуникации в рамках нашего времени», — считают кураторы Китти Скотт, Дэйзи Дерозье и Тан Сюэ. Полностью с ними согласна и теперь мечтаю посетить! Биеннале до 31 марта 2026. Шанхайская биеннале существует с 1996 года, являясь первой в Китае международной биеннале современного искусства.

Пока эти люди мастурбируют в барах, рассказывая всем, насколько абсурдна и неорганизованна деятельность Коалиции, вместо того чтобы заявить об этом публично, они будут причиной отравления и до некоторой степени падения Коалиции (спойлер) Борьба художников за свои права бесконечна, но никак не достижима. Художники неоднократно самоорганизовались в попытке обозначить свои права или распределить расходы. Будь то будущие импрессионисты или наши Передвижники. Но вот это интересное (и не менее актуальное всем нынешним самоорганизациям): в 1969 году художники Ханс Хааке, Карл Андре и Люси Липпард обсуждают создание Ассоциации работников искусства (Art worker’s coalition), первого профсоюзного объединения художников-авангардистов. Например, ассоциация выдвинула музеям требование предоставить залы для показа произведений цветных художников, а также создала подразделение профсоюза под названием «Женщины-художницы в революции». А в 1972 был составлен типовой договор между арт-дилером и художником и, усилиями Ассоциации, даже включен в каталог «Документы» (Харальд Зееман был куратором). Например, там было написано, что: художники или их наследники должны получать плату за любое коммерческое использование их произведений, неважно, являются они его собственниками или нет. А на налоги, взимаемые при продаже работ покойных художников, следует организовать целевой фонд, на средства которого будут обеспечены стипендии, медицинское страхование, помощь семьям художников и другие социальные блага. Получилось ли художникам добиться этих прав? Не вполне… Из статьи активистки и кураторки Люси Липпард «Коалиция работников искусства: это не история». Коалиция насчитывает столько идентичностей, сколько и участников. В ней нет ни представителей, ни служащих, сбор средств осуществляется на встречах Круга Фриско, количество участников радикально меняется, как, собственно, и их радикальность – в зависимости от того, какой уровень возбуждения, гнева, чувства вины генерирует то или иное событие. … Так, Дон Джадд был изначально заинтересован в объединении, но собрания Коалиции вызвали у него только отвращение. Затем он говорит, что «в случае немотивированного отказа со стороны каких-то музеев мы можем устроить забастовку». Но кто примет в ней участие? Джадд и другие представители молчаливого большинства? Если все художники, которые хотят создать профсоюз, соберутся вместе и присоединятся к требованиям Коалиции из раздела «B», она сможет принять под общий «зонт» еще одну группу с узкими интересами или присоединить ее к себе в качестве автономного образования. Но пока всем известные сторонние наблюдатели, уже закрепившие за собой этот статус (на ум сразу приходят Смитсон, Серра и издатель Филип Лейдер), многие из которых являются уважаемыми членами арт-сообщества и талантливыми ораторами, обладающими даром убеждения, – пока эти люди мастурбируют в барах, рассказывая всем, насколько абсурдна и неорганизованна деятельность Коалиции, вместо того чтобы заявить об этом публично, они будут причиной отравления и до некоторой степени падения Коалиции. Люси Липпард, красава прошлась по мужчинам-художникам ))) Полностью текст на русском опубликован ХЖ: https://moscowartmagazine.com/issue/17/article/237

+1

Для дизайнеров и художников: В Белгороде на базе культурного кластера Октябрь открылся «Креатив-таун», где будут проходить выставки художников. А при нем дизайн-стор furrria с товарами российских дизайнеров и мерчом от художников. У нас даже есть парфюм, который создал белгородец )! К чему это я? Какое-то время тому назад я посоветовала своей подруге из Белгорода художнице Ане Лалаян попробовать выйти из живописи в 3-х мерное пространство через тактильное искусство, а возможно, даже функциональное. Она поняла меня буквально и стала основательницей бренда Furrria 👉 Если вы дизайнер или художник, у которого есть мерч и готовы отправить в Белгород на реализацию свою продукцию, присылайте всю инфу (информацию о бренде или о художнике, фото товара, стоимость и ваш контакт) на почту: gallery@annasiberian.com Аренда с авторов не берется, только наценка магазина. Вот концепция дизайн-стора: Рады вас приветствовать в творческом пространстве бренда тактильного декора FURRRIA. Это необычные вещи, которые призваны заботиться о людях — через форму, тактильность и эмоцию. Нам важно, чтобы здесь рождалось сообщество творческих людей — художников, дизайнеров, брендов, которые несут идею, стиль и настроение. Мы хотим, чтобы локальные проекты звучали громче, чтобы о них знали, чтобы мы вместе показали, что современная культура — она здесь, рядом, среди нас. ТГ-канал: Furrria studio

Паблик-арт проект Ильи и Эмилии Кабаковых «Корабль толерантности» – судно, паруса которого украшены рисунками детей. Идея проекта зародилась в 2005 году в Сиве (Египет), но с тех пор он демонстрировался на Венецианской биеннале, биеннале в Шардже, биеннале в Гаване, а также в художественных учреждениях Рима, Лондона, Чикаго и Цуга (Швейцария). А также Москве в 2013 совместно с Музеем современного искусства «Гараж» и Мультимедиа Арт Музеем. И в Самаре в 2019 на Волгафесте. Спонсором проекта выступила Галерея Виктория. В рамках проекта в Самаре в течение месяца более 500 школьников в ключевых культурных и образовательных институциях региона прошли открытые мастерские, на которых обсуждались проблемы сохранения мира, толерантности и развития современного общества. Ответы на вопросы дети смогли дать с помощью красок и кистей, расписывая паруса корабля. По завершении акции на набережной г. Самара был построен 18-метровый деревянный корабль, паруса которого были расписаны детьми. Илья Кабаков о проекте: «Корабль толерантности» – это диалог, образец современного паблик-арта. Он обращен ко всем, а не к избранному кругу интеллектуалов. Главное здесь – тема толерантности: не показать самого себя, чего хочет каждый взрослый или ребенок, а показать, что другой точно такой же, как и ты. Для сегодняшнего дня это потрясающей важности тема, когда каждый кричит о себе и хочет сказать, что только он прав». http://www.kabakov.net/installations/2019/9/8/the-ship-of-tolerance

+4

Вчера ещё была открытии выставки в Зверевском центре, самопровозглашенном оазисе независимого и неподкупного. Такой имидж вполне оправдан. И как одна из старейших площадок, где в далеком 1999 Лена Ковылина стояла с петлей на шее в перформансе «Сделай сам», и где по сей день бывают интересные выставки. О которых я даже иногда пишу, но чтобы туда приехать мне обычно требуется действительно серьезное основание (а то для моей тонкой буржуазной душевной организации амбре независимого искусства уж слишком выразительное). Таким основанием стал обещанный перформанс Кулика. Он уже хоть и не собака, но ещё более велик и перформанс давать передумал. А выставка открылась Московской новой академии. Понятия не имею, что это и причем там Кулик, но судя по обилию живописи, какие-то переклички с Питерской все же есть. Выставка называется «Эрос и Танатос». Вот последнего хоть отбавляй, а эроса как-то не разглядела. Кроме шедеврального ватного нижнего белья от, опять же, Красноярского художника Василия Слонова, посмотреть на который точно стоило, чтобы приехать. Да и в целом, атмосфера была вполне милая и доброжелательная. Новорязанская 29, с.4

+6

Центр современного искусства Винзавод представил участников нового 13 сезона Открытых студий: Оксана Афанасьева, Ирина Зюськина, Тима Илларионов, Артур Кривошеин, Александр Крылов, Анна Лапшинова, Катя Никитина, САМУИЛ, Гоша Хомич, Арина Шабанова. * Проект существует с 2017 года и объединяет принципы мастерской, резиденции и арт-школы. В течении полугода резиденты работают с ментором, получают профессиональные консультации. В конце сезона проводится итоговая выставка. Канал Арт-консультант является информационным партнером, и я с интересом слежу за "открытыми". Все выпуски были хороши. Но новый набор особенно заинтриговал междисциплинарностью, работой в необычных техниках, с деревом, металлом, лайт-боксами, технологическим искусством и даже классические медиумы -- живопись и графика, смотрятся не банально. Открытые студии являются частью проекта Новые имена. Ну это, конечно, не прямо "новорожденные" авторы, многих вы могли уже и видеть на выставках ранее, они успели "подрасти", но участие в резиденции должно помочь им воплотить новые, возможно, масштабные идеи, профессионализировать свою практику и стать более интегрированными в профессиональное сообщество. Ментор 13 сезона, тоже не первый раз, Полина Могилина, опытный куратор и искусствовед, сказала о проекте: «Принимая характерную для всех участников мультидисциплинарность как константу этого сезона, тем не менее, мне хотелось бы, чтобы Открытые студии стали для них платформой для новых экспериментов и глубокого поиска, точкой роста, которая позволила бы им еще больше раскрыть художественную индивидуальность» Выставка интересная и будет экспонироваться до мая, художники там же будут работать над своими новыми проектами. Можно сходить, подсмотреть за процессом, познакомиться и поддержать ребят. Открытые студий Винзавода расположены по адресу: Москва, 4-й Сыромятнический переулок, 1/8 стр. 6, ЦСИ Винзавод, Открытые студии, С6

Аня Жёлудь создала «Музей меня» в 2007 году, когда ей было всего двадцать шесть. Подводить глобальные жизненные итоги, казалось бы, рано. Но внутри этой простой конструкции деревянного ящика для хранения картин, она фиксирует всё главное: темы, к которым она будет возвращаться снова и снова, формы, которые станут узнаваемыми, и внутренняя логика, которая останется с ней до конца. Всё, к чему она ещё только придёт — уже каким-то образом обозначено внутри. «Музей меня» — это желание понять, как остаться честной с собой в системе, которая требует качественных проектов и отработанного материала. Как быть художником, не превратившись в бренд? Как говорить от первого лица, не играя в персонажа? То, что тогда могло казаться пробой пера, с высоты времени выглядит удивительно точным самонаблюдением. В одном из текстов она пишет: «Концепцию я формулирую уже на протяжении четверти века, прожитого мной. Называется она “Аня Жёлудь”» Сегодня этот и другие ключевые проекты Ани Жёлудь можно увидеть на выставке «Вдох выдох» в МАММ.

Неожиданно! Cosmoscow запустили новую ярмарку графики и в историческом здании. Уже в начале декабря. UPD: нашла письмо в почте "Принять участие в ярмарке можно будет по предварительному приглашению от организаторов. Ключевыми критериями отбора станут: содержание и качество проектов, которые галерея реализует в течение года, а также наличие опыта участия в международных и российских ярмарках современного искусства. Экспозиция ярмарки будет курируемой, что гарантирует ее целостность и высокий уровень. Застройка «Обертона» подразумевает единую концепцию минималистичной выставочной среды «белый куб» без дополнительного оформления. Каждой галерее будет предоставлен типовой стенд размером 25 м² с использованием модульных стен".

+2

Читаю интервью с Даниэлем Бюреном (р. 1938). Художник прославился тем, что стал оставлять свои знаменитые полосочки на билбордах и других рекламных конструкциях Парижа и окрестностей, в метро, за что был привлечен полицией, а также сам ходил как человек-бутерброд, рекламируя свое собственное искусство. Также с друзьями они создали арт-группу BMPT (фр. абривитура 4-х участников от Buren, Mosset, Parmentier, Toroni) вместе они провели ряд перформансов («манифестаций»), сочетая критику художественных институций с экспериментами в области коллективного авторства и визуальной стандартизации, заявляя об анонимности художественного жеста, но фактически сохраняя индивидуальные стили и авторский контроль. Важно, что Бюрен практически моментально вошел в пантеон ключевых французских художников, считается родоначальником институциональной критики, в итоге делал и проект в музее Гуггенхайма (1971) и также в Пале-Рояль напротив Лувра (1985-86), национальный павильон в Венеции (1986). А вот, как он сам рассказывает в интервью: "Примерно в октябре 1967 года, после месяцев раздумий по этому поводу, я решил полностью покинуть место, где работал (которое, помпезно называлось студией, но на самом деле представляло собой довольно маленькое подземное помещение с единственным отверстием в потолке, куда кое-где проникал естественный свет в течение дня). Я решил окончательно покинуть не только это неудобное, слишком маленькое (только с одной пригодной для использования стеной) пространство, но и остановиться, хотя бы на время, поискать другие места и посмотреть, что может получиться. Первой моей идеей тогда было: почему бы не использовать улицы, которые выглядят такими свободными и ждут экспериментов, что я и сделал немедленно с декабря 67-го и развиваю до сих пор. Должен добавить, что даже если бы это не было программой, у меня до сих пор нет студии, и я работаю переезжая с места на место, куда меня приглашают, а иногда и когда и куда меня не приглашают! Должен сказать, что, хотя я и занимался несколькими вещами до того, как решил работать на открытом воздухе, и некоторые из моих работ привлекли внимание парижского арт-сообщества, именно когда я начал работать непосредственно на улицах Парижа, арт-сообщество (за пределами Парижа) стало уделять больше внимания подобным работам, и меня практически (почти в смысле почти мгновенно) стали приглашать галереи и музеи. Интересно также, что те, кто был заинтересован в сотрудничестве со мной, были иностранцами. Галерея Apollinaire из Милана была первой, кто узнал об этом и пригласил меня на первую выставку Prospect в Дюссельдорфе (сентябрь 1968 г.), где я был одновременно с открытием по приглашению Конрада Фишера, который отвечал за эту групповую выставку, но также только что открыл свою собственную галерею. Он пригласил меня посмотреть его пространство, где выставлялся совсем молодой художник Ричард Лонг (которого я тогда не знал), и спросил, интересно ли мне там выставиться. Конечно, я не колебался ни секунды, и мы сразу же начали работать вместе. 48 лет спустя я всё ещё работаю с этой галереей!”

Закройте глаза и попробуйте воспроизвести выставку (или музей), которые вы когда либо посещали? Что вы видите, помните, чувствуете? Какое воспоминание самое яркое и подробное? Допустим, вам 105 лет и вы уже ослепли, как вы будете вспоминать музеи, выставки. Какие и что вы вспомните? (Это вместо того, чтобы работать я последние полчаса сижу вспоминаю 😅) Но какой классный тренинг восприятия! Какие выставки были действительно хорошими и запоминающимися, а какие проходными? — > в поисках литературы для доклада, наткнулась на сборник статей о мультисенсорном восприятии музея. Там немного о другом, про звук и запахи, и ощущение пространства. Но как точно, что встреча с искусством в первую очередь связана с сохранившимися в нашем сознании ОЩУЩЕНИЯМИ. А, какие названия статей: 👉 Ароматный музей Андреас Келлер 👉 Мультисенсорные воспоминания: как различные каналы восприятия помогают запоминанию Джейми Уорд 👉 Секрет эстетики — в совокупности чувственных ощущений: музей будущего как тренажерный зал для органов чувств Дэвид Хоувз 👉 Технологии, чувства и будущее музеев Беседа Нины Левент, Хизер Найт, Себастьяна Чана и Рафаэля ЛозаноХеммера 📸: мое фото выставки в Шато Бернара Мегрэ в Бордо. Была там давно, но это было потрясающе. И да там был звук! Я также иногда плачу на выставках, но редко. Последние разы на Митрии Гранкове в Белых аллеях и на выставке Надежда Красноярской музейной биеннале Ещё раз ссылка: https://cdn-ec-static.garagemca.org/storage/document/3/351/the_multisensory_museum_cross_disciplinary_perspectives_on_touch_sound_smell_memory_and_space.pdf

Коллеги, простите мне мою бестактность, но это просто возмутительно. Вклад Булатова и любого художника у нас что продаваемостью определяется? А если бы художник был не очень продаваемый? Мне не по себе — в последнее время ушло так много художников — старых и молодых. И ощущение как будто недостаточно было сказано ПРАВИЛЬНЫХ слов, должного внимания, искусствоведческого экспертного внимания - а не кликбейта 😿 горько

«Никто не запретит нам любить свой город» Очень откликнулась «тихая», «ненасильственная» природа фестиваля «Невечная мерзлота» в Иркутске, который делают две девушки Лена Сиселева и Юлия Смирнова. С Леной мы заочно знакомы. Вот ее тг-канал Далее выдержки из интервью с девушками. ✅ Партизанские фестивали стрит-арта с их иронией и склонностью к форме девизов и кричалок стали воплощением постмодернистского бунта. «Невечная мерзлота» По форме оставаясь абсолютно партизанским, ни с кем не согласованным фестивалем, пошла в сторону пронзительности, созерцательности, взаимодействия с внимательным зрителем. ✅ Фестиваль задумывался как кураторское высказывание — здесь не было опен-колла, а значит не было новостей, репостов, лайков в социальных сетях и прочих возможностей быть замеченными ✅ Каждый участник был приглашен лично, работы тихо появлялись на улицах (а иногда сразу исчезали) — ничего предварительного, никаких громких имен, провокаций или других инфоповодов. ✅ Такая деликатность хорошо согласуется с манифестом «Невечной мерзлоты», в котором декларируются ненасильственные формы высказывания, экологичная работа с городской средой и открытость к диалогу. —> Фестиваль проходил этим летом, в Иркутске и немножко в Ангарске. И то как фест вписался в город и как его приняли горожане вдохновляет теперь на зимний сезон. Девушки думают сделать продолжение этой зимой. Интервью по ссылке: https://makersofsiberia.com/sreda/fest-nevechnaya-merzlota.html 👉 Тихие интервенции часто единственный способ существования современного искусства в региональном контексте. Поразительно, но почти похожие слова «Обнять бы город» мне говорили художники Белгорода (правда материал с ними я делала 2 года тому назад и некоторое уже не актуально, но про силу самоорганизованных инициатив там есть) https://artandyou.ru/context/obnyat-by-gorod-kak-tvorcheskie-lyudi-v-belgorodskoj-oblasti-prozhivayut-proishodyashhee/

+2

Арт-завтрак в Галерее на Песчаной в рамках шестого сезона фестиваля научного искусства «Частоты 6.0. Футурология. Предсказание будущего» В этот раз к участию в завтраке куратор фестиваля научного искусства «Частоты» Елена Ковылина пригласила Екатерину Карцеву — кандидата культурологии, доцента РГГУ, арт-журналиста. Завтрак проходил в экспозиции выставки «Комиссия по трёхтысячному году». 📄 В карточках собрали ключевые тезисы и цитаты из беседы. #Частоты #НаучноеИскусство

+4

Умер Эрик Булатов. Художнику было 92 года. Земля пухом, он прожил долгую ЗНАЧИМУЮ жизнь. Для меня в его картине ХХ ВЕК заключена вся история, боль и слава российского народа. А главным уроком лично я взяла себе параллельное существование: идеологии и обычной жизни повседневности и искусства Какими бы ни были внешние ограничения — политические, социальные: С В О Б О Д А внутри Все лишь вопрос калибровки внутренней оптики и линии горизонта.

+4

Мой друг Петр Быстров мыслитель и библиофил, когда-то акционист и бунтарь, сегодня многодетный отец и человек духовного поиска празднует 45-летие! Его искусство открывает мир сложных мировозренческих концепций, выраженных на первый взгляд нарочито простым языком. Начиная с материала, который покупается на строительных рынках и доступен каждому (фанера, шланги, шурупы, которым художник уготовил неожиданную судьбу), заканчивая темой — на новой выставке «От библиофилии — к эротомании и обратно» в галерее Syntax он представил серию книг своего издательства «Книги на досках», состоящую из произведений детской литературы — «Мойдодыр», «Незнайка на Луне», «Лев и Собачка» и других, знакомых многим с детства. Зачем это делать? Ведь эти книги нельзя пролистать, открыть. Они не имеют прямого отношения к подлинным обложкам или самим текстам. Скорее напоминают какие-то пиктограммы, ребусы. Художник превратил галерею в «библиотеку» как тотальную инсталляцию памяти, ностальгии и воспоминаний, связанных с моментами чтения. Размером, фанерой и наивностью образов они напоминают иконы. Во всяком случае, это нечто не буквальное, а иносказательное и, однозначно, сакральное для художника. Кто-то пройдёт мимо, книги для него лишь корешки на полках, и он их никогда не откроет. Сама книга и искусство тоже открываются не всем. В мире также есть книги, которые мы никогда не сможем или не успеем прочитать. Когда-то книгопечатние избавило человечество от умственной тьмы, но сегодня чтение становится атавизмом. Смартфон — вот, что незаменимо. Быстров со своим загадочным издательством остаётся служителем архаичного мира книги, будто предлагая оберег от тотально захватывающих нас искусственного интеллекта и технологии. Как библиофил он знает, что подлинная эротомания возможна через образы, открывающиеся в книгах. 📚📚 📚 📍 до 7 декабря, Syntax Gallery, Cube Moscow

Как новое поколение женщин-коллекционеров меняет арт-рынок? —> Женщины-коллекционеры тратят больше мужчин, а также готовы идти на более серьёзные и разумные риски свидетельствует последнее исследование мирового коллекционирования в 2025 Art Basel и UBS ✅ Женщины в 2024-2025 тратили на искусство больше ✅ Женщины-коллекционеры чаще покупают произведения, созданные художницами ✅ Женщины-коллекционеры больше идут на риск: они готовы покупать не только живопись, а ещё активнее покупают работы неизвестных авторов Полностью текст читайте на сайте: https://murmure.space/womencollectors_survey

Что почитать про стрит-арт в других городах и странах, а также как уличная волна стала частью галерейного рынка? Подборка статей, которые мы с коллективом авторов выпускали на Artandyou. (Кстати, некоторые мои студенты на факультете истории искусства РГГУ). Уличные художники vs арт-рынок: опыт Кирилла Кто, Димы Аске, Ивана Симонова Страсти по Бэнкси: имеет ли смысл сохранение стрит-арта? Стрит-арт Санкт-Петербурга: война коммунальщиков с художниками Стрит-арт Бишкека: рай для уличного искусства, но ... Стрит-арт Тель-Авива: о чем расскажут стены города?

Был в мой жизни такой период я чего-то писала про паблик-арт. Внизу подборочка моих статей по теме. Я планировала (меня очень мотивировали) писать докторскую и мой научный консультант до сих пор говорит «Катя, ты столько статей написала, собери уже, пожалуйста, докторскую — нам очень нужны молодые доктора», но как раз в 2023 мой сдвг мозг решил «хочу заниматься женскими выставками». 🤪 но может быть ещё когда-то и вернусь к этому, сейчас готовлю новую статью про паблик-арт контекст Красноярской биеннале … во всяком случае статьи опубликованы, вот они: 1. Communication vector of public art. global scale in regional locus Karceva E., Shlykova O. Научные исследования и разработки. Современная коммуникативистика. 2023. Т. 12. № 1. С. 17-24. 2. Влияние постцифровой эстетики на произведения искусства в городском пространстве Карцева Е.А. Художественное образование и наука. 2023. № 1 (34). С. 112-119. 3. Визуальный облик города и городская коммуникация средствами паблик-арта: российский опыт Карцева Е.А. Наука телевидения. 2023. Т. 19. № 1. С. 13-78. 4. Российский паблик-арт: актуальные практики и тренды Карцева Е.А., Шлыкова О.В. Вестник Московского университета. Серия 19: Лингвистика и межкультурная коммуникация. 2022. № 1. С. 169-181. 5. Зарубежный опыт государственной и частной поддержки общественного искусства (паблик-арта) на примере США Карцева Е.А. Обсерватория культуры. 2022. Т. 19. № 1. С. 46-55. 6. Специфика профессиональных компетенций художников, работающих в паблик-арте Карцева Е.А. Художественное образование и наука. 2022. № 2 (31). С. 6-11. 7. Карцева Е.А. Терминологические подходы и критерии паблик-арта с позиции культурного диалога // Public Art vs город: диалог или противостояние? Сборник статей. – Отв. ред. И.В. Пуликова. – М.: Государственный институт искусствознания, 2022. Стр. 16-26. 8. Карцева Е.А. Американская концепция поддержки паблик-арта.// Public Art vs город: диалог или противостояние? Сборник статей. – Отв. ред. И.В. Пуликова. – М.: Государственный институт искусствознания, 2022. Стр. 56-63. 9. Эволюция искусства в общественных пространствах: смена институциональных моделей Карцева Е.А. Артикульт. 2021. № 4 (44). С. 86-93. 10. Паблик-арт: терминологические подходы и критерии идентификации Карцева Е.А., Звягинцева М.Л. Артикульт. 2020. № 1 (37). С. 58-73. 11. Потенциал паблик-арт проектов в образовательной и исследовательской среде Карцева Е.А. Художественное образование и наука. 2020. № 2 (23). С. 156-162.

+5

Внушительных масштабов выставка стрит-арта «5 углов» открылась в Фонде Ruarts — если любите уличное искусство, идите насладитесь (Трубниковский переулок, 6) Сама то я не особый поклонник стрит-арт эстетики, ярких цветов, шрифтов и мальчишеских понтов. Хотя проекты в городском пространстве и обращенные к людям люблю. Но галерейный стрит-арт давно оставил себе лишь визуальный язык улицы, а смысловое и протестное содержание растерял, став ещё более коммерческим, чем что-либо. Поэтому комично смотрится тотальное отсутствие человеческих фамилий в подписях к работам, сплошные никнеймы. Кто и по какому поводу прячется? Конечно, из соображений безопасности политические высказывания не стали бы показывать. Но едва ли они вообще имеются у Аске, Луки и Миши Моста. Паша 183, Тима Радя — мною любимые, есть, но мало. Мельком Игорь Поносов. Кирилл Кто. Абих. Экспозиция объединяет 5 частных коллекций: Марианны Сардаровой, Катрин Борисов (фонд Ruarts), Эльчина Али-заде (Формат один), Сабины Чагиной (Сабстанция), Димы Аске (художник). Уместным дополнением стали короткие видео интервью с ними о том, как они собирали. Кстати, Аске никогда не скрывал, что искусство должно быть коммерческим и последователен сам себе в интервью рассказал, что предпочитает покупать работы у других художников, чтобы поддержать их. А не брать в подарок или обмениваться. В остальном, несколько этажей слились для меня в единое целое. Такое ощущение, что это не 5 коллекций, а одна. При этом никакой выставочной драматургии, никакой хронологии, этапов, контекстов развития «уличной волны» в России. Ну и выставка как бы не про это. Опять же не стоит упрекать Аске, который сделал очень много не только для вокзалов Москвы, но и для фиксации и осмысления уличной волны. А Сабина Чагина крутейший продюсер и промоутер уличного искусства. А Эльчин наладил на поток его тиражирование ) Походить и выцепить взглядом интересные работы можно. И да, почти без девушек художниц. И даже Катики там нет, которая кажется тесно связана с фондом Ruarts. Про дискриминацию женского стрит-арта писали на murmure

+5

Незаметно прокралась на квартирную, от чего укромную, искреннюю и весьма душевную выставку выпускников свободных мастерских «Так что же делает наши сегодняшние дома такими?». Куратор: Эльдар Ганеев. Бренчал на гитаре на кухне. Название и афиша — прямая цитата на программное произведение поп-арта Ричарда Гамильтона. Выставка воспроизводит образ дома — в коридоре пластиковые пакеты с покупками, только нарисованные, швабра, точнее ее образ в виде арт-объекта, по комнатам неким отсутствующим индивидом разбросаны реди-мейды из бытовых приборов — утюг, торшер, раскладушка с лежащим на ней зеркалом в форме тела, напоминающим след трупа из кино. Система вещей, как по Бодрияру, через потребительство происходит самореализация. Неясно, это дом мужчины или женщины, но умывальник с рисунками женских ню на кафельной плитке и длинными женскими волосами из крана свидетельствует о том, что женщина тут явно была. Из кураторского текста выставка про то, что дом для человека «является и персональной выставкой и кураторским проектом». Не знаю отличается ли современное потребительство от придуманного американскими маркетологами середины хх века, но стабильность, устроенный быт — «хорошо же живем» также наша сделка за пассивность и бездействие. Выставка дает надежду, потому что замещает реальность вещей, реальностью искусства. Но является ли маргинальное, то есть уединенное и самоорганизованное искусство, способом противодействия потребительству или оно тоже стало кому-то статусом и желанной мечтой о воплощении себя?