VLADEY

+2

Культовые предметы дизайна итальянской компании Tecno на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Компания была основана в 1953 году архитектором и дизайнером Освальдо Борсани вместе с его братом Фульгенцио как попытка перевести семейную мебельную мастерскую на индустриальное производство. С самого начала проект строился на соединении ремесленной традиции и технологического подхода. Борсани стремился переосмыслить прежде всего офисное пространство, применив к нему принципы модернистской архитектуры — ясность формы, функциональность и инженерную точность. Уже в 1950–60-е годы Tecno стала одним из ключевых брендов итальянского дизайна. Лот 31 Освальдо Борсани для Tecno Кресло P40, 1954 Лот 38 Освальдо Борсани для Tecno Кресло P40, 1954 Лот 37 Освальдо Борсани для Tecno Приставной столик T44, 1950-е Лот 34 Освальдо Борсани для Tecno Офисное кресло P125, 1960-е Лот 44 Освальдо Борсани для Tecno Комплект из трех столиков Т61, 1957 Лот 47 Адженоре Фаббри для Tecno Скамья Nastro di Gala, 1985-1991 Лот 50 Норман Фостер для Tecno Cтол Nomos 2000, 1986 ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+1

Редкий коллекционный кофейный столик Освальдо Борсани на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Созданный в 1960-е годы, отражает зрелый этап его практики, когда рационалистическая ясность соединяется с безупречной ремесленной культурой брианцской школы. А еще это предмет доиндустриальной фазы карьеры дизайнера — столик создан в период, когда мебель создавалась в семейном ателье единично или небольшими тиражами, до основания компании Tecno в 1953 году и промышленного производства. Именно объекты Arredamenti Borsani Varedo ценятся сегодня коллекционерами за качество материалов и историческую связь с миланской интеллектуальной средой 1950–1960-х годов. Столик выполнен из ореха, а графичная синяя столешница создает выразительный цветовой акцент и усиливает модернистскую строгость силуэта. Борсани всегда мыслил предметы мебели как элемент пространственной композиции, а не автономные объекты, и ему удавалось превращать их в пластически выверенные объекты. #артхитдня Лот 48 Освальдо Борсани для Arredamenti Borsani Varedo Кофейный столик, 1960-е ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+2

Албано Поли известен коллекционерам дизайна прежде всего как основатель Poliarte и автор скульптурных светильников из стекла и металла. Но его путь начался не с предметного дизайна, а с церковных витражей В 1953 году Поли открыл в Вероне мастерскую, где занимался реставрацией и созданием витражей для храмов. Со временем из этой небольшой мастерской выросло ателье Progetto Arte Poli, работающее со стеклом, мозаикой, фреской, бронзой, скульптурой и реставрацией. Позднее мастерская Поли работала и для Ватикана. В Ватиканских садах были установлены созданные Progetto Arte Poli мозаики и скульптурные произведения, в том числе работы, заказанные посольствами разных стран при Святом Престоле. Среди них — изображения Девы Марии в национальных иконографических традициях: от Богоматери Альтаграсии до Богоматери Розария Чикинкиры. Отдельная линия этих проектов связана с образом Богоматери Апаресиды, покровительницы Бразилии. Для Ватиканских садов был создан бронзовый монумент, который Папа Франциск благословил в 2016 году; еще две версии были установлены в санктуарии Апаресиды и в Бразилиа. Еще один важный проект — новый папский амвон для архибазилики Святого Иоанна Латеранского в Риме. В нем Progetto Arte Poli соединили современные элементы с исторической тканью базилики: каррарский мрамор, бронзу, мозаичные вставки и восстановленный древний мраморный плутей. Бронзовый орел, символ евангелиста Иоанна, был выполнен по проекту Албано Поли. К работам Поли для папских и церковных институций относится и бронзовое распятие Christ of Hope — «Христос Надежды», созданное в технике литья по выплавляемой восковой модели. Этот небольшой объект был представлен Папой Франциском в зале Павла VI. ➡️ Светильник Албано Поли, представленный на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН, можно рассматривать не только как винтажный дизайн, но и как продолжение его работы со светом — от церковного витража до скульптурного объекта для интерьера.

Торшер Альбано Поли как воплощение выразительности муранского стекла на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Высокий торшер для Poliarte, созданный в 1970-х годах, построен на чередовании массивных стеклянных элементов теплого янтарного оттенка и прозрачных блоков из муранского стекла с шероховатой поверхностью. Эта фактура словно удерживает свет внутри материала: при включении янтарные элементы источают мягкое золотистое сияние, тогда как бесцветное стекло дает более холодное, рассеянное свечение. Эффект усиливает техника pulegoso, при которой мельчайшие пузырьки в толще стекла придают ему характерную туманную глубину и делают свет особенно мягким. Для Альбано Поли, с юности работавшего со стеклом и прошедшего школу реставрации и воссоздания церковных витражей, этот предмет стал способом показать выразительные возможности самого материала. #лотдня Лот 41 Албано Поли для Poliarte Торшер, 1970-е ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+3

Выбираете, на какой фестиваль отправиться этим летом? А мы с радостью вернулись бы в прошлое и оказались на фестивале — «Арт-Клязьма». В начале 2000-х Владимир Дубосарский, Александр Виноградов и Евгения Кикодзе запустили фестиваль «Мелиорация, или Искусство для лучшей жизни». Первый фестиваль прошел с 30 августа по 1 сентября 2002 года на территории пансионата «Клязьминское водохранилище» — в полуразрушенном корпусе «Солнечный» и вокруг него. С 2003 года проект стал называться «Арт-Клязьма». «Когда мы планировали первый фестиваль, мы ещё не думали о возможности его периодичности, мы связывали с ним вполне конкретные задачи. За последние пять-шесть лет не проводилось ни одной большой художественной выставки, где художники могли бы свободно высказаться. Выставки всегда проходили под более или менее строгим патронажем галерей или кураторов — всё слишком разрозненно: в галереях своя жизнь, у кураторов своя. К тому же ни одна из них не брала на себя задачу представить всё современное искусство России, послужить гамбургским счётом московской художественной ситуации. <...> Хотелось бы, чтобы фестиваль был катализатором активности московских художников, чтобы мы все увидели, кто сейчас задаёт тон в искусстве, кто что делает, как работы соотносятся друг с другом», — вспоминал Владимир Дубосарский. Очень быстро фестиваль превратился в одно из главных open-air событий российского современного искусства. В 2003 году «Арт-Клязьма» длилась уже больше недели, собрала около двухсот участников из семи стран и проходила в формате двух уикендов — открытия и закрытия. Работы размещались не в выставочных залах, а по всей территории пансионата: на пляже, в роще, у воды, среди корпусов и временных построек. Здесь показывали инсталляции, видеоарт, перформансы, объекты, лэнд-арт, альтернативную моду, устраивали концерты, фейерверки и временные выставки под открытым небом. Художники буквально осваивали территорию бывшего советского отдыха: пляж, лес, заброшенные корпуса и водохранилище становились частью произведений. Среди участников и проектов разных лет были Александр Бродский, Андрей Бартенев, группа «Синие носы», Олег Кулик, Айдан Салахова, Ростан и Марина Тавасиевы, Диана Мачулина, Николай Полисский и другие художники. Для Дубосарского и Виноградова «Арт-Клязьма» была попыткой создать свободную художественную среду — место, где искусство существует как коллективное событие.

Ностальгия в чистом виде! «После Клязьмы» Виноградова и Дубосарского на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Художники исследовали атмосферу российской жизни начала 2000-х — времени стремительного формирования новой культуры потребления и досуга. Название отсылает к фестивалю «Арт-Клязьма», который организовывали в начале 2000-х на территории заброшенного пансионата у Клязьминского водохранилища. Художники занимали полуразрушенные корпуса, лес и пляж, создавали инсталляции, показывали видеоарт, устраивали акции, концерты и импровизированные выставки под открытым небом. Бессменным комиссаром фестиваля был Дубосарский. Сам Дубосарский позднее говорил, что «Арт-Клязьма» была попыткой создать пространство свободного художественного высказывания, которого не хватало московской сцене. В этом смысле «После Клязьмы» можно воспринимать как образ времени «после праздника» — одновременно эйфорического и ностальгического. #артхитдня Лот 12* Александр Виноградов, Владимир Дубосарский После Клязьмы, 2004 ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+6

Сегодня — про любовь! Любуемся на фотографии Афры и Тобиа Скарпа и Юлии Нельской и Вадима Сидура. Две супружеские пары, работы которых представлены на аукционе ИСКУССТВО И ДИЗАЙН. Их произведения — прекрасный подарок вашей второй половинке.

+1

Рисунки Вадима Сидура как акт искренней и чистой любви Большинство женских образов у Сидура имеют черты его супруги. Художник вновь и вновь возвращался к ее облику, наделяя своих героинь большими глазами и плавным контуром лица. Мужские персонажи несут в себе автопортретные черты самого автора — выразительный взгляд, бороду, напряженную пластику силуэта. Все эти «приметы» есть и в представленном на аукционе рисунке. Работая фломастерами, он добивался редкой эмоциональной выразительности. Непрерывная линия, отсутствие лишних деталей и лаконизм композиции позволяют сосредоточиться на самом главном — внутреннем состоянии персонажей и связи между ними. Для Сидура любовь была фундаментальной основой человеческого существования — в противовес миру насилия, отчуждения и исторических катастроф, которые он пережил. Побороться за эту работу вы сможете 16 июня на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН! #лотдня Лот 4 Вадим Сидур Без названия, 1970-е ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+1

Пара изящных торшеров Butterfly от Афры и Тобиа Скарпа на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Торшер Butterfly, относится к позднему этапу их работы со светом и представляет характерный для итальянского дизайна 1980-х годов переход от строгих форм к более свободному, пластически выразительному силуэту. Композиция построена на контрасте тонкой металлической стойки и верхней части торшера с двумя складными тканевыми экранами, напоминающими крылья бабочки. Именно они формируют силуэт предмета, позволяя менять характер освещения, прикрывая источник света или, напротив, раскрывая его. В этой подвижной, почти театральной функциональности считывается и деликатная отсылка к Японии: экраны воспринимаются как веера в традиционном танце гейши или майко, а сама ткань напоминает рисовую бумагу. Дополненная встроенным диммером, модель позволяет регулировать интенсивность света. #артхитдня Лот 45 Афра и Тобиа Скарпа для Flos Пара торшеров Butterfly, 1985 ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+1

Пара настольных ламп Lesbo, как воплощение идеи «анонимного дизайна» от Анджело Манджаротти на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Он стремился создавать вещи, которые, по его словам, «живут дольше нас». Силуэт лампы архетипичен: узкое цилиндрическое основание раскрывается в широкую светящуюся чашу. Но эта форма не случайна и не единична для Манджаротти. Почти та же пластика — суженная «талия», вертикальный объем и расширение наверху — появляется в его архитектуре, например в водонапорной башне под Римом, спроектированной совместно с Анжело Фавини. Важное значение имеет материал, из которого изготовлены лампы. Манджаротти говорил: «В начале была материя», подчеркивая, что форму нужно искать в свойствах материала. В случае Lesbo этим материалом становится муранское выдувное стекло — молочное, полупрозрачное, дающее мягкий рассеянный свет. #лотдня Лот 33 Анджело Манджаротти для Artemide Пара настольных ламп Lesbo, 1966 ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

«Ожерелье для Земли» от Франциско Инфанте-Араны На торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН представлено несколько работ европейских дизайнеров, вдохновленных космосом и космической гонкой: люстра Вико Маджистретти, стол Nomos Нормана Фостера и настенная лампа Malizia Анджело Бротто. Но раньше многих дизайнеров к теме космоса обратился Франциско Инфанте-Арана, о ранней работе которого мы уже рассказывали сегодня. В 1970 году Инфанте создал работу «Архитектура автономных искусственных систем в космическом пространстве (Ожерелье)». Проект возник из его идеи новой формы творчества на стыке изобразительного искусства и техники. Сам Инфанте формулировал это так: искусство становится техникой, и такому искусству суждено реализоваться в космическом пространстве, вероятнее всего — в объектах космической архитектуры. «Ожерелье» отсылает к духу романтического подъема 1960-х годов и футуристическим проектам русского авангарда: «летающим» домам-коммунам Георгия Крутикова и городу-кольцу «Сатурний» Виктора Калмыкова. В основе проекта — замкнутая спираль, опоясывающая земной шар. Для Инфанте эта форма стала визуальной метафорой бесконечности. Гигантская конструкция должна была постоянно менять свое положение на небесном своде и восприниматься как произведение искусства — «искусственное ожерелье на теле любимой планеты».

«Католическая Испания» Франциско Инфанте-Арана на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Работа относится к раннему периоду творчества Инфанте, когда художник формировал собственный художественный язык и разрабатывал идеи, которые впоследствии сделают его одной из центральных фигур отечественного кинетизма и геометрической абстракции. В композиции отчетливо проявляются основные принципы его художественного мышления. Для Инфанте геометрия никогда не была формальным языком: она выступала инструментом осмысления устройства мира, поиском закономерностей, лежащих в основе бесконечного пространства. Название работы приобретает дополнительный смысл в контексте биографии художника. Франциско Инфанте — сын испанского политэмигранта, оказавшегося в СССР после Гражданской войны в Испании. Эта страна для него — часть семейной истории и идентичности. #артхитдня Лот 15* Франциско Инфанте-Арана Католическая Испания, 1963 ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+2

Почему у сумки Schiaparelli выросли лапы? Ответ — в истории длиной почти 90 лет В начале 1930-х Мерет Оппенгейм приезжает в Париж. Ей еще нет двадцати, но она быстро оказывается в кругу сюрреалистов: знакомится с Арпом, Джакометти, Ман Рэем, Бретоном. Здесь она начинает активно выставляться, участвует в сюрреалистических проектах и постепенно вырабатывает собственный художественный язык, основанный на неожиданных сочетаниях материалов и образов. Оппенгейм работала не только как художница. Она придумывала украшения, аксессуары, эскизы для модных домов. Именно так она знакомится с Эльзой Скиапарелли, дизайнером, которая лучше других понимала, что мода может быть не менее радикальной, чем искусство. В 1936 году Оппенгейм создает для Скиапарелли меховой браслет. Модный дом выпускает его в зимней коллекции и сразу становится заметным акксесуаром. Позже Оппенгейм сидит в этом же браслете в парижском Café de Flore с Пикассо и Дорой Маар. Пикассо замечает: мехом, кажется, можно покрыть что угодно. Оппенгейм отвечает: даже чашку с блюдцем. Так рождается знаменитая меховая чашка — один из главных объектов сюрреализма XX века. Через несколько лет Оппенгейм продолжает эту игру уже с мебелью и создает столик Traccia. Его название переводится как «след»: на золотой столешнице — отпечатки птичьих лап, а тонкие бронзовые ножки похожи на лапы птицы. В 1970-е Traccia заново открывает Дино Гавина — один из ключевых людей итальянского дизайна и основатель Simon International. Он включает столик в коллекцию Ultramobile, в которой предметы задумывались как «функциональные произведения искусства». И вот спустя почти 90 лет современный Schiaparelli снова возвращается к Мерет. В коллекции The Sphynx сезона осень–зима 2026/27, созданной креативным директором Дэниелом Розберри, появляются сумки из овчины на бронзовых лапах. ➡️ Побороться за уникальный стол музы сюрреализма Мерет Оппенгейм предоставится возможность на аукционе ИСКУССТВО И ДИЗАЙН 16 июня в 19:00.

+1

Шедевр сюрреалистического дизайна в исполнении Мерет Оппенгейм! Столик Traccia представлен на предаукционной выставке ИСКУССТВО И ДИЗАЙН Traccia на итальянском означает «след». Этот редкий и знаковый стол имеет деревянную столешницу, покрытую листовым золотом, с рельефными следами птиц на поверхности. Швейцарскую художницу Мерет Оппенгейм, создавшую этот стол, можно считать музой сюрреализма. Прототип этого уникального предмета был представлен на выставке мебели в галерее Лео Кастелли в Париже в 1939 году под названием «Стол на птичьих ножках». Спустя более тридцати лет дизайн был заново открыт Дино Гавине, владельцу итальянской фирмы Simon International, который в 1972 году включил Traccia в коллекцию Ultramobile. Все столы производились вручную, их выпускали по заказу до 1984 года. #артхитдня Лот 49 Мерет Оппенгейм для Simon International Столик Traccia, 1939 (разработан), 1970-е (произведен) ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

+5

Редкий коллекционный дизайн и музейное искусство во VLADEY с Атлантами! Успейте увидеть пятый выпуск ИСКУССТВО И ДИЗАЙН! Предаукционная выставка «ИСКУССТВО И ДИЗАЙН» объединяет шедевры классиков российского современного искусства и культовые объекты мирового коллекционного дизайна, многие из которых впервые представлены в России. Экспозиция позволяет увидеть коллекционный дизайн наравне с искусством как самостоятельное художественное высказывание. ➡ До 16 июня! 📍 VLADEY с Атлантами, ул. Солянка, 7 Ежедневно, 12:00 – 20:00 🔖 Билеты

+1

От найденных рам до Центра Помпиду: 5 фактов об Иване Чуйкове ➡️ Он вырос в семье советского классика. Отец художника, Семен Чуйков, был академиком, лауреатом Сталинских премий и автором знаменитой картины «Дочь Советской Киргизии», которая десятилетиями воспроизводилась в учебниках и альбомах советского искусства. Иван Чуйков выбрал другой путь — вместо официальной художественной карьеры он стал одним из ключевых представителей московского концептуализма. ➡️ Его главная серия началась со старых окон. В 1968 году художник нашел на лестнице старые оконные рамы и забрал их в мастерскую. Так появились первые «Окна» — один из самых узнаваемых мотивов в его творчестве. К этой теме Чуйков возвращался на протяжении десятилетий, превращая окно из бытового предмета в инструмент размышления о границе между реальностью и изображением. «В 1968 году я был в гостях у приятеля и, уходя, увидел сложенные на лестнице старые оконные рамы. Я прихватил парочку и потом сделал из них две работы. Первое «окно» было написано в стилистике манерной и сюрреалистической: в каждой створке пейзаж − морской, с деревьями и зимний. А следующее «окно» ознаменовало переломный момент в том, что я делаю. Я как бы наложил на оконную раму пейзаж Айвазовского», — вспоминал Иван Чуйков. ➡️ Он был участником ключевых событий художественной сцены. Чуйков участвовал в выставках КЛАВЫ — «Клуба авангардистов», одного из первых официально зарегистрированных объединений независимых художников в СССР. Его работы были представлены на знаменитом московском аукционе Sotheby’s 1988 года, который открыл советское неофициальное искусство международному рынку, а позднее художник был номинирован на Премию Кандинского. ➡️ Он был участником Венецианской биеннале В 1977 году работы Ивана Чуйкова были представлены на Венецианской биеннале в рамках выставки неофициального советского искусства. ➡️ Его работы находятся в крупнейших музеях. Произведения Ивана Чуйкова представлены в собраниях Третьяковской галереи, ГМИИ имени Пушкина, Русского музея, Центра Помпиду, Альбертины и других институций. Сегодня его работы входят как в ведущие российские, так и в крупнейшие европейские музейные коллекции. ⬇️ Побороться за работу культового московского концептуалиста вы сможете 16 июня на торгах ИСКУССТВО И ДИЗАЙН.

Можно ли изменить смысл картины, просто перевернув ее? Поздняя серия Ивана Чуйкова «Инь-Янь», представленная на предаукционной выставке «ИСКУССТВО И ДИЗАЙН», может дать ответ. В ней художник возвращается к одному из фундаментальных вопросов своей практики: нестабильности изображения и зависимости смысла от условий восприятия. Этот круг проблем был впервые сформулирован еще в серии «Перевертыши» (1975), где переворачивание холста становилось экспериментом: изменится ли смысл изображения, если изменить его ориентацию? Фоны и закрашенные цветовые плоскости проходят через все творчество Чуйкова. Они не выполняют декоративную функцию и не поддерживают изображение, а формируют условия его существования. Статус фона у художника всегда подвижен: он становится самостоятельным изображением, сохраняя при этом структурную неопределенность. #артхитдня Лот 14* Иван Чуйков №10 из серии «Инь-ян», 2003 ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Каталог и регистрация

ИСКУССТВО И ДИЗАЙН ➡ Каталог торгов доступен на сайте! Аукцион шедевров 16 июня в 19:00 Лоты с оценкой Участие онлайн и по телефону Предаукционная выставка 2 июня — 16 июня VLADEY с Атлантами, ул. Солянка, 7 Ежедневно с 12:00 до 20:00 🔖 Билеты

«Ковёр-самолёт» остался без пассажиров! В работе «Свободный рейс» Иван Разумов переосмысляет сюжет картины Виктора Васнецова 1880 года, освобождая «Ковёр-самолёт» от его героев, Так в центре внимания остаются только движение и ощущение полёта. ➡️ Приходите увидеть работу «Свободный рейс» и другие живописные полотна на выставке «Музейная выставка. Часть 1-я. Апроприации и реконструкции». #артхитдня Иван Разумов Свободный рейс, 2026 📍 OVCHARENKO, 4-й Сыромятнический переулок, 1/8с9 Ежедневно с 11:00 до 20:00 Вход свободный

Воображаемый музей Ивана Разумова! Знакомые сюжеты по новым правилам в проекте художника «Музейная выставка. Часть 1-ая. Апроприация и реконструкция» Знакомые с детства образы русской живописи начинают существовать по новым правилам. Работы Левитана, Репина, Серова, Сурикова и Васнецова словно выходят за пределы собственных сюжетов, вступая друг с другом в неожиданный диалог и постепенно складываясь в единое многослойное пространство. ➡️ Успейте посетить выставку до 5 июля! 📍 OVCHARENKO, 4-й Сыромятнический переулок, 1/8с9 Ежедневно с 11:00 до 20:00 Вход свободный