Российская галерея искусств 🖼

Продолжаем виртуальные прогулки по экспозиции «Море не волнуется» в Абхазии.📍 Если вы находитесь в солнечной Абхазии — обязательно воспользуйтесь уникальной возможностью и загляните в выставочный зал на ул. Лакоба, 31 в Сухум. Там продолжает свою работу наша выставка, которая уже успела полюбиться сухумцам и гостям города. Ну а мы продолжаем наши виртуальные прогулки по экспозиции. Сегодня смотрим необычайно яркое произведение азербайджанского художника Тогрула Нариманбекова «Золотое руно» 1988 года из собрания Российской галереи искусств. Тогрул Нариманбеков — художник, чью судьбу можно сравнить с его же полотнами: невероятное буйство красок, восточный орнамент, европейская страсть и постоянный внутренний диалог между двумя культурами. Его называли «Волшебным реалистом», а сам он всю жизнь искал и находил мост между Востоком и Западом. Его художественный язык формировался на стыке, казалось бы, несовместимого. С одной стороны — французский романтизм и сезаннизм (Делакруа, Мунк, Курбе), которые он впитывал в юности. С другой — азербайджанская миниатюра, искусство Тебриза, китайская и японская живопись, которые он постигал, любуясь памятниками Самарканда. Результатом стал уникальный синтез: декоративность и плоскостность Востока соединились с интеллектуализмом и экспрессией Запада. Искусствоведы не раз пытались подобрать определение его манере. Один из них назвал её «орнаментально-плоскостной», закрепив за художником метафору «Волшебный реализм». Сам же Нариманбеков говорил, что его творчество — это сочетание абстрактного и фигуративного. 🎨 Его картины невозможно спутать ни с чьими другими. Краски на его полотнах буквально «кричат» и поют. Он строил композицию на напряжённом цветовом ритме, где красное боролось с чёрным, а синее с жёлтым. Живопись Нариманбекова — это всегда импровизация, страсть, «вулкан» эмоций, выплеснутый на холст. Он сознательно уходил от академической иллюзорности, считая, что настоящий художник силён только тогда, когда его творчество носит национальные черты. На картине «Золотое руно» перед нами огромный баран с закрученными рогами и шерстью, что горит золотисто-оранжевым пламенем, застыл в центре полотна, а рядом — маленький мальчик в синем костюме, протянувший руку к могучему животному. Этот контраст масштабов превращает бытовую сцену в почти сказочное, мифологическое действо, где детство и древность смотрят друг на друга. Нариманбеков пишет декоративно и празднично, плоскостно и орнаментально, сплетая фольклор с авангардом, Восток с Западом, а его цвет звучит напряжённо и звонко: бирюзово-синие вихри фона отступают перед огненной шерстью, и лишь синий костюм мальчика удерживает композицию, как тихий якорь в бушующем море краски. Энергичный пастозный мазок напоминает Ван Гога, но дышит восточной узорностью, и вся картина похожа на сказочный ковёр, раскинутый для внимательного взгляда. 🏛 Тогрул Нариманбеков. Золотое руно. 1988 Российская галерея искусств 📅 Выставка продолжит свою работу до 13 декабря 2026 📍Центральный выставочный зал Союза художников Республики Абхазия. Республика Абхазия, г. Сухум, ул. Лакоба, д. 31 До встречи в музее!

Доброе утро, Севастополь!☕️ Учёный секретарь Российской галереи искусств Данилюк Виктория Сергеевна побывала на программе «Доброе утро». В эфире телеканала СТВ Виктория Сергеевна рассказала о выставке «Море не волнуется», которая сейчас проходит в Сухуме и о том, как чёрное море стало главным героем в этой экспозиции. Приятного просмотра и хороших выходных!

Вчера играли с вами в арт-игру.🙇 Время делиться с вами нашими рассуждениями. Спасибо за то, что участвуете в наших арт-играх, делитесь своими мыслями, идеями и впечатлениями. Ваши неожиданные трактовки картин, смешные ассоциации и глубокие размышления делают наше общение интереснее и насыщеннее. Вообще произведение крайне интересное. Согласитесь? Суриков создал эту работу как иллюстрацию к книге Николая Кутепова «Царская и императорская охота на Руси XVII–XVIII веков». Художник не был свидетелем этой сцены — он писал её спустя почти 170 лет после описываемых событий, тщательно восстанавливая эпоху по историческим сведениям, костюмам и описаниям. И это одна из немногих его работ, где нет привычной нам суровой России — здесь всё почти легко и нарядно. Обратите внимание на позу императрицы и выражение лица. Спокойствие, продуманность жеста, отсутствие азарта — всё это скорее похоже на тщательно организованный ритуал, чем на настоящую охотничью страсть. А теперь представьте: добыча не убегает, не прячется, не сопротивляется. Олени просто выходят навстречу. Сегодня такая «охота» может показаться странной или даже жестокой, но для придворной жизни XVIII века подобные развлечения существовали и воспринимались как часть царского досуга.

🎨 Российская галерея искусств — в центре креативного диалога Севастополя! Департамент туризма и креативных индустрий Севастополя провёл первую встречу, посвящённую креативным индустриям. За круглым столом «Креативные индустрии как фактор развития территории» собрались представители городских креативных сообществ, творцы и предприниматели, чтобы вместе обсудить будущее креативной экономики нашего региона. От Российской галереи искусств выступил Владимир Колесников, куратор по воспитательной работе, с презентацией на тему «Культурный код территории: уникальное наследие». Кроме того, в работе круглых столов и дискуссиях после пленарного заседания приняли участие сотрудники Центра развития и творчества. Развитие креативных индустрий — важнейшая составляющая общего благополучия и процветания нашего родного и любимого города. Уверены, что такие встречи помогают находить новые точки роста и объединять творческих людей вокруг общих идей. А как вы считаете, какие креативные проекты нужны Севастополю? Делитесь мыслями в комментариях! 👇

💡Арт-игра: «Охота, которой не было» Произведение Василия Сурикова «Императрица Анна Иоанновна в петергофском Темпле стреляет оленей», 1900 года из собрания Государственного Русского музея. Перед нами — императрица Анна Иоанновна. Она стоит на балконе небольшого павильона «Темпль» в Петергофе и целится из ружья в оленей. Рядом — человек, который словно сопровождает её во время этой забавы. Впереди — открытое пространство и животные. На первый взгляд кажется, что это обычная охота: государыня вышла пострелять. Но всё было устроено совсем иначе. В Петергофе для императрицы устроили специальный зверинец. Туда привозили оленей и других животных, а затем выпускали их прямо в парк. Анне Иоанновне не требовалось отправляться в лес и часами преследовать добычу. Она могла спокойно стоять в павильоне и стрелять по зверям, которых специально выпускали перед ней. По сути — придворное развлечение, устроенное под её удобство. ☝Обратите внимание на её облик: роскошное платье, украшения, спокойная поза. Никакой опасной погони, никаких грязных сапог и лесных зарослей. Добыча сама оказывается перед государыней. ❓Как вы думаете, императрице было интересно так охотиться — или это было просто данью этикету и придворной скукой? ✍️Ваш ход! Пишите свои варианты, а уже завтра с утра поделимся нашими соображениями.

+3

22 октября отмечается День Городецкой росписи — одного из самых ярких направлений русского народного искусства. Городецкая роспись кажется нам сегодня чем-то цельным, узнаваемым с первого взгляда: яркие кони, пышные розаны, жар-птицы на донцах и прялках. Но за этой кажущейся цельностью — множество разных судеб, характеров и живописных манер. Каждый мастер видел мир по-своему и оставил на дереве свой след. Сегодня поговорим о мастерах городецкой живописи. Городецкая роспись возникла в Поволжье, в районе города под названием Городец. Жители близлежащих деревень украшали деревянные прялки резьбой. Сначала узор создавали с помощью вставок из других пород дерева, затем резной орнамент стали подкрашивать, а еще позже роспись полностью вытеснила резьбу. Изначально для росписи использовали яичные краски, а на смену им пришли масляные, темперные и гуашевые. Городецкая роспись — это не просто узоры на дереве, а целая галерея характеров, созданная несколькими поколениями мастеров. Среди них есть как легендарные художники прошлого, так и наши современники. 🎨 Мастера XIX — начала XX века Именно в этот период промысел переживал расцвет. Мастера расписывали донца прялок, создавая настоящие «картины» из жизни купечества и крестьянства. 🎨 Игнатий Мазин: его называли «русским Анри Руссо» за особую наивность и искренность. Он любил изображать сцены гуляний, свадебные сговоры и чаепития. Его кони и персонажи всегда индивидуализированы, а в росписях чувствуется легкая ирония. 🎨 Фёдор Краснояров: мастер жанровых сцен, которые называли «чаепитиями с хозяйством». Вокруг стола у него всегда кипит жизнь: бегают собаки, суетятся курицы, а из-за кресла может выглядывать корова. Его кони — грациозные и быстрые, связанные единым ритмом движения. 🎨 Игнатий Лебедев считается новатором: именно он ввел моду на роскошные интерьеры в росписи (колонны, занавеси, часы). Его сцены торжественны и напоминают обрядовые. 🎨 Гавриил Поляков: создавал сложные многофигурные композиции на злободневные темы, включая батальные сцены (например, «Взятие Карса»). 🖌️ Возрождение и современность (XX—XXI века) В советское время промысел удалось возродить, и сегодня он живет благодаря новым именам. 🎨 Аристарх Коновалов: ключевая фигура в возрождении промысла в 1930-х годах. Потомственный живописец, он организовал артель, обучал молодежь и стал художественным руководителем фабрики. Благодаря ему традиция не прервалась. 🎨 Наталья Приваловская: главный художник фабрики «Городецкая роспись» и выдающийся мастер современности. Она работает на фабрике с 1981 года и создала более тысячи произведений. Особое место в истории сохранения русских художественных промыслов занимает Мария Ломакина и её муж, скульптор Алексей Петров, происходивший из семьи потомственных мастеров подмосковного села Богородское. Переехав в 1930-х годах в Загорск (ныне Сергиев Посад), они посвятили себя не только собственному творчеству, но и практической работе по сохранению и развитию традиций народного искусства. Мария Ломакина стала художником промысла и автором образцов игрушек, а её супруг продолжал семейное дело резчиков. Их совместный труд помог сохранить преемственность в одном из старейших очагов русской деревянной игрушки. Сегодня в коллекции Российской галереи искусств хранятся работы Марии Ломакиной, и среди них есть образцы городецкого орнамента её авторства — наглядное свидетельство того, как художник бережно и творчески переосмысливал традиционные мотивы. 🏛 Игнатий Мазин. Шкафчик навесной. 1936. 🏛 Федор Краснояров. Донце. 1920-е. 🏛 Игнатий Лебедев. Ширма. 1935. 🏛 Гавриил Поляков. Донце «Взятие Карса». 1881. Нижегородский государственный историко-архитектурный музей-заповедник. 🏛 Аристарх Коновалов. Тарелка «Всадники». 1959. 🏛 Аристарх Коновалов. Донце прялочное «Цыганский хор». 1991. Всероссийский музей декоративно-прикладного искусства. 🏛 Мария Ломакина. Образцы городецкого орнамента.1930. Российская галерея искусств.

#настроениедня произведение из нашего собрания «Лавра из осенней Долинки» Марии Ломакиной.🍂 На календаре конец октября. Воздух становится чуть более свежим, будто в душной комнате после сна открыли окно. На деревьях листья за одну ночь поменяют оттенок. Это уже не ярко-зеленый или изумрудный, а слегка земляной, с добавлением охры, и сепии цвет. Начинают падать листья. Мария Ломакина став продолжателем идей Петрова-Водкина, искала в окружающем пространстве гармонию и красоту. Глядя на полотно «Лавра из осенней Долинки» ощущаешь заряд доброты и любви, которые несут произведения этой художницы. 🏛 Глядя на полотно мы видим как художник виртуозно соотносит прозрачность неба, опустевшей природы и лёгкость золотой листвы. Колорит помогает ощутить холод осени и в то же время последний жар уходящего лета. Метафорически этот пейзаж, зная аналитический подход Марии Ломакиной, можно сравнить с «осенью жизни». Здесь все характеристики зрелости возраста. Этюдность, быстрота, живость красочного мазка. Как правило этот приём позволяет говорить о впечатлении от момента: порыв ветра, блик остывающего солнца, прозрачные тени, метущиеся под редеющей кроной дерева. 🏛 Мария Ломакина. Лавра из осенней Долинки. Конец 1940-х Российская галерея искусств.

+1

Директор музейно-выставочного центра РГИ выступил перед участниками программы #СВОякультура Российская галерея искусств продолжает сотрудничать с арт-кластерос «Таврида.Арт», а наши специалисты выступать экспертами тематических программ. На территории арт-кластера «Таврида» продолжается серия обучающих семинаров для участников СВО и членов их семей, желающих заниматься культурой. Виталий Зотов, директор музейно-выставочного центра Российской галереи искусств, выступил перед участниками уникальной программы. Лекция была посвящена организации выставок и особенностям работы в культурной сфере — от планирования экспозиций до выставочной деятельности в целом. По словам Виталия Зотова: «Министерство культуры РФ уделяет большое внимание созданию возможностей для реализации и трудоустройства наших защитников. Программа #СВОякультура позволяет намного быстрее адаптироваться, погрузиться в различные процессы, происходящие сегодня в культурной среде, и, несомненно, найти себе не только занятие по душе, но и призвание, в широком смысле. Уже сейчас мы видим на практике, как вчерашние участники спецоперации, а также члены их семей находят достойное место в культурной сфере, создавая и реализуя достойные проекты». Программа #СВОякультура состоит из серии обучающих модулей для участников СВО и членов их семей. Эти семинары проводятся в течение нескольких дней, каждый из которых посвящён различной теме: театр, музыка, художественное искусство, литература, публичные выступления, мастер-классы и другие направления.

+2

20 октября — день рождения Виктора Русанова (1950–2024), народного художника РФ, академика РАХ. Его картины часто сравнивают с витражами или мозаикой — настолько плотно, звучно и «сделанно» его живописное пространство. Искусствоведы писали о «музыкальности» его полотен: богатство линейных ритмов и цветовых аккордов действительно уподобляет их симфониям. Но за этой внешней красотой — редкая для поколения 1970-х сдержанность. Русанов почти не рассказывает историй. Его герои просто стоят, сидят, молчат — а внутреннее напряжение при этом зашкаливает. 🎨 Самый интересный пласт — метод работы. Русанов не боялся «обнажать» процесс. На многих холстах сквозь верхние слои краски проступают контуры счищенных фигур — фантомы, «убывающие» прямо на глазах зрителя. Он словно говорит: картина — не слепок реальности, а живая материя, которую невозможно завершить . А ещё — прием «подтеков»: краска будто стекает с кисти, подчеркивая условность живописи. Особое место в его жизни занимал Крым. Но не открыточный, а «непричесанный» — зимний, зябкий, пустой, когда никто не купается. Именно эти холсты, с их плотной, почти «мозаичной» фактурой, особенно прославили мастера. В нашем собрании уже 4 замечательных произведения Виктора Русанова. Предлагаем вашему вниманию небольшую подборку. 🏛 На платформе. 1981. 🏛 Южный вечер. 1985. 🏛 В гостях у Светлицкого. 1983. 🏛 Под южным небом. 1986. Российская галерея искусств. 🏛 Южный пейзаж. 1985 Новосибирский государственный художественный музей. 🏛 В крымских горах. 1985. Ростовский музей изобразительных искусств.

Продолжаем виртуальные прогулки по экспозиции «Море не волнуется» в Абхазии.📍 Если вы находитесь в солнечной Абхазии — обязательно воспользуйтесь уникальной возможностью и загляните в выставочный зал на ул. Лакоба, 31 в Сухум. Там продолжает свою работу наша выставка, которая уже успела полюбиться сухумцам и гостям города. Ну а мы продолжим вас знакомить с ней виртуально. Сегодня смотрим «вечные» пейзажи Константина Богаевского. Константин Богаевский писал не пейзажи, а сны о земле, которая помнит больше, чем человек. Его Киммерия — это не географическая точка на карте Крыма, а состояние души, где время течёт вспять, где камни говорят на языке античных мифов, а море хранит молчание о том, что было до нас. Две работы, разделённые почти тремя десятилетиями, — как два взгляда на одну и ту же землю, но из разных эпох и состояний души. 🖼 «Древний город». 1930. Краснодарский краевой художественный музей имени Коваленко Эта работа — из тех, что Богаевский писал в годы, когда советская критика ждала от художника индустриальных пейзажей и портретов строек. А он продолжал смотреть вглубь. «Древний город» — не конкретная Феодосия, это её душа, её память о генуэзских башнях и греческих колониях, о временах, когда здесь ходили люди, чьи имена стёрлись, а стены остались. Камни у него не разрушаются — они застывают в вечности, как будто время решило остановиться и передохнуть. В этой работе есть особая тишина: не пустая, а наполненная эхом. 🖼 «После дождя. Берег моря». 1903. Государственный Русский музей А это — ранний Богаевский. Ему тридцать один, он только что вернулся из Европы, где смотрел на старых мастеров, и ещё полон ученической нежности к миру. «После дождя» — не буря, не драма. Это момент, когда гроза ушла, и воздух стал прозрачным, как стекло. Перламутрово-лиловое небо, белые и чёрные скалы в воде, магический ритм цветовых пятен — всё это создаёт образ, который искусствоведы называют «прозрением идеального мира, полного тайн и недосказанности». В этой картине Богаевский ещё не стал тем суровым певцом Киммерии, каким мы его знаем по поздним работам. Здесь он лирик. Здесь он верит, что красота может быть просто красотой — без философии, без памяти, без груза веков. Море после дождя — море, которое только что родилось. И ты стоишь на берегу и чувствуешь, как соль оседает на коже, как воздух пахнет мокрым камнем, как тишина после грозы звенит в ушах. В полотнах Богаевского оживают древние крепости и города, воскресают деяния давно исчезнувших с лица земли народов. Диалектика живого и мертвого, проходящего и вечного, соединенных в экзотических образах, пожалуй, ключевое свойство искусства художника. 📅 Выставка продолжит свою работу до 13 декабря 2026 📍Центральный выставочный зал Союза художников Республики Абхазия. Республика Абхазия, г. Сухум, ул. Лакоба, д. 31 Приглашаем всех!

Сегодня в России — День отца, тёплый и важный праздник, который мы отмечаем в третье воскресенье октября. Это замечательный повод ещё раз сказать самым близким мужчинам — папам и дедушкам — спасибо за их заботу, поддержку и мудрость. Сегодня, в День отца, хочется вспомнить одну работу Михаила Куприянова — «Наташа с зайцем» из нашего собрания, выполненную в технике акварельной живописи. На этом листе художник запечатлел свою дочь Наташу — и в этом особая, тихая сила: перед нами не просто портрет, а отцовский взгляд, полный любви. Куприянов — это прежде всего имя, знакомое по «Кукрыниксам», знаменитому трио карикатуристов, чьи острые рисунки знала вся страна. Но за громкой славой сатирика прятался очень тонкий, лиричный живописец. Он родился в маленьком волжском городке Тетюши, рано остался без отца и пробивался сам — работал на шахтах, голодал, но рисовал всегда. Наверное, поэтому в его «серьёзных» работах так много тепла к обычной жизни, к людям, к детям. 🏛 «Наташа с зайцем» — не парадный портрет и не сюжет для газеты. Это тихая сцена, в которой есть то, что мы все ищем в воспоминаниях о детстве: доверие, нежность, ощущение безопасного мира рядом с кем-то большим и добрым. Девочка и заяц. Ребёнок и зверёк. В День отца хочется пожелать всем, у кого есть папа, — тепла. А тем, у кого остались только фотографии и воспоминания, — чтобы эти образы грели так же, как греют самые светлые моменты, проведённые вместе.🫀 🏛 Михаил Куприянов. Наташа с зайцем. 1934 Российская галерея искусств

Итак, друзья! Вчера играли в арт-игру! Время подводить итоги! Так здорово, что вы откликаетесь, включаетесь в процесс и делитесь своими версиями, рассуждениями, догадками. Именно благодаря вам наши арт-игры оживают и становятся по-настоящему тёплыми и увлекательными. ✅Правильный ответ: шлюпка. А теперь — детали, от которых мурашки: 🖌10 дней. Именно столько Айвазовский писал «Среди волн». В свои 80 лет! Чтобы создать верхнюю часть, он поднимался на деревянный помост. Однажды залюбовался работой, начал отходить назад, чтобы оценить написанное… и полетел вниз. Слуга успел подхватить. Иначе — беда. 🌊 Картина поражает реалистичностью: нет яркой луны, нет эффектно кренящихся кораблей. Только волны и широкий луч света. Но одна лодка всё-таки была. 👨‍🔧Когда Айвазовский показал «Среди волн» родным, один из зятьёв — корабельный инженер — удивился: как эта хрупкая скорлупка вообще держится на таких волнах? 😤Художник вышел рассерженный. А на следующий день шлюпка с картины исчезла. Он безжалостно её закрасил. Это был не просто жест. Айвазовский «выкинул» из полотна романтизм — ту самую фантастику ради эффекта, где человек и его уютное судёнышко бросают вызов стихии. В реальности такая лодка перевернулась бы за пару секунд. 🏛 «Среди волн», 1898. Феодосийская картинная галерея им. И. К. Айвазовского.

🎨Ваша любимая рубрика арт-игра: сегодня о самой большой картине Айвазовского 🖼 Перед вами — «Среди волн». Самое большое полотно Ивана Айвазовского: 285 на 429 сантиметров. Почти 3 на 4,5 метра чистой стихии. Сколько, по-вашему, художник писал это полотно? Год? Два? Может, несколько месяцев кропотливой работы? ☝А теперь представьте: 10 дней. И это в 80 лет. Именно столько понадобилось Айвазовскому, чтобы создать шедевр, который сегодня считается вершиной его позднего творчества. Но работа чуть не стоила ему здоровья: чтобы писать верхнюю часть холста, он поднимался на деревянный помост. Однажды он забылся, начал отходить спиной назад, чтобы оценить написанное, — и полетел вниз. К счастью, слуга успел подхватить мастера. Теперь посмотрите на картину внимательно. Ни яркой луны, ни эффектно кренящихся кораблей, ни привычной романтической «постановки». Только волны — живые, тяжёлые, беспощадные — и широкий луч света. Кажется, что здесь нет ничего лишнего. Но так было не всегда. ⁉️Внимание, вопрос: одна деталь на этой картине всё-таки была. А потом — исчезла. Причём исчезла не случайно: художник сам, своими руками, убрал её на следующий день после того, как показал полотно близким. Что же пропало с самой большой картины Айвазовского? Пишите версии в комментариях! Правильный ответ — завтра утром. К слову, сейчас работы Ивана Айвазовского гостят в солнечной Абхазии в составе экспозиции «Море не волнуется». 📍Если вы находитесь в Абхазии — обязательно воспользуйтесь уникальной возможностью и загляните в выставочный зал на ул. Лакоба, 31 в Сухум.

Друзья, к сожалению, новость об открытии, опубликованная ранее, была выпущена по ошибке. Мы с нетерпением ждём встречи с вами. Тестируем работу всех наших служб, подразделений и сервисов. К сожалению, сегодня произошла ошибка. Приносим свои искренние извинения за введение в заблуждение. Следите за обновлениями — мы обязательно сообщим вам об актуальной дате. Спасибо за понимание!💗

🚀«Космос» — финальный аккорд нашего мини-сериала. ➡️1 серию можно посмотреть здесь ➡️2 серию можно посмотреть здесь ➡️3 серию можно посмотреть здесь ➡️4 серию можно посмотреть здесь ➡️5 серию можно посмотреть здесь Перед вами шестая кинофантазия и заключительный эпизод проекта, посвященного Александру Дейнеке. Путь, который мы прошли вместе с художником и его героями, был разным, но неизменно удивительным. В нем была юношеская мечта и легкость молодости, сомнения и решительность в выборе, стремление вперед и жизнь, рожденная для полета. В каждой серии мы следили за новой судьбой, и вот подошли к самому пределу мечты. Космос — это горизонт, к которому упорно стремился каждый из героев картин. И одновременно — это целая вселенная внутри каждого из нас. 🌍 Взгляд с высоты В этой серии мы не видим лица космонавта — только шлем. В его стекле отражается родная планета. И в этом отражении — мы: наши города, моря и реки, победы и потери. Всё, что остается с нами, даже когда мы уходим за пределы земного притяжения. Сам Дейнека писал: «Впервые человек взглянул на мир с высоты космоса, увидел всю его необъятность». Сериал завершается. Но космос — во всех смыслах — не заканчивается. Он продолжается в нас, в нашей памяти, в нашем взгляде на Землю — маленькую, хрупкую, бесконечно дорогую. 🙏Благодарим, что были с нами все шесть эпизодов!

+4

Продолжаем знакомить вас с искусством стран Глобального Юга. В фокусе — искусство Доминиканской Республики.🌞 Чтобы лучше понимать искусство этой страны, нужно не упускать из виду основные базовые составляющие культуры этого места: искусство доколумбового периода и колониальное искусство. ☝До прихода европейцев на острове существовала развитая материальная культура. До нас дошли ритуальные трёхглавые камни-триголиты, керамика с антропоморфными и зооморфными мотивами, а также петроглифы в пещерах. Санто-Доминго стал первым европейским городом в Новом Свете, административным и религиозным центром. Здесь возводились массивные каменные храмы, развивалась церковная живопись и барочная резьба по дереву. Мастера переносили севильский и мадридский каноны на карибскую почву, постепенно наполняя религиозные сюжеты местной фактурой и тропическим колоритом. Рождение национальной школы произошло в девятнадцатом веке. После провозглашения независимости в 1844 году искусство получает новую задачу — формирование идентичности. Художники фиксируют исторические события своей страны, быт крестьян и карибские пейзажи. Национальная школа изящных искусств открылась только в 1942 году. Формирование национального модернизма уже шло полным ходом. Главная фигура здесь — Хайме Кольсон. Проучившись в Мадриде и Париже, соприкоснувшись с кубизмом и сюрреализмом, он принёс в доминиканское искусство монументальность и мотивы ритуала афро-карибских верований. Художники переосмысляли африканское наследие, простой быт доминиканцев и локальную культуру через призму европейского авангарда, формируя национальный доминиканский модернизм. 🎨 Современные художники Доминиканской Республики работают как с общечеловеческими темами, так и с темами, характерными для их родины или региона: с темами миграции, туристической индустрии, экологических кризисов и постколониальной травмы. Инсталляции, перформансы и цифровые медиа соседствуют с классической станковой живописью. Из-за маленького рынка искусств и ограниченных возможностей многие художники ориентируются на глобальный рынок, живут и работают в других странах, но чаще всего сохраняя интерес к культуре и образности своей родины. 🏛 Скульптура культуры таино, Карибский бассейн, IX–XVI вв. Метрополитен-музей, США 🏛 Хайме Кольсон, Посвящение Пикассо, 1928, Художественный музей Беллапарт, Доминиканская Республика 🏛 Хайме Кольсон, Меренге (танец), 1937, Художественный музей Беллапарт, Доминиканская Республика 🏛 Хайме Кольсон, из Гаитянской серии, 1959, Художественный музей Беллапарт, Доминиканская Республика 🏛 Хильберто Эрнандес Ортега, Девушки и цветы, 1960, Художественный музей Беллапарт, Доминиканская Республика 🏛 Хорхе Северино, Тихий осенний вечер, 1984, Художественный музей Беллапарт, Доминиканская Республика 🏛 Хосе Сехо, Алхимик времени I, 2020, коллекция художника 🏛 Фарелей Баез, Изысканный фрукт, странный фрукт, 2022, частная коллекция

📜 Mise en abyme: «помещение в бездну» А вы слышали о таком приеме в живописи как мизанабим? Французский термин mise en abyme (читается «мизанбим») буквально означает «помещение в бездну». В искусствознании он описывает приём, когда внутри произведения размещается его уменьшенная копия или другое произведение, которое становится смысловым центром. Этот приём называют «принципом матрёшки» или «картиной в картине», и он встречается не только в живописи, но и в литературе, кино и фотографии. Сегодня в подборке известные картины с использованием данного приема: 🖼 «Менины» (1656), Диего Веласкес, Музей Прадо, Мадрид — хрестоматийный пример. Веласкес изобразил себя за работой над картиной, а в зеркале на задней стене отражаются король и королева, которых он, по-видимому, и пишет. Зритель оказывается внутри бесконечной игры отражений и взглядов. 🖼 «Человеческое состояние» (1933), Рене Магритт, Национальная галерея искусства в Вашингтоне, США. — картина на мольберте, стоящем перед окном, в точности совпадает с пейзажем за окном. Мы не знаем, где заканчивается реальность и начинается изображение. Магритт одновременно показывает и скрывает реальность. 🖼 «Выставка гравюр» (1956), Мауриц Корнелис Эшер, частное собрание — художник использует эффект, при котором изображение бесконечно повторяется внутри самого себя. Этот приём также называют «эффектом Дросте». 🖼 «Переэкзаменовка» Фёдора Решетникова (1954), Горловский художественный музей На стене комнаты, где школьник зубрит учебник, висит репродукция «Опять двойка» (1952) — самой известной картины художника. Строго говоря, это мизанбим-отсылка: не копия самой картины, а другая работа того же автора, связанная сюжетно. Но приём работает — без «Опять двойки» на стене «Переэкзаменовка» потеряла бы половину смысла. Напишите в комментариях, какой пример мизанбима впечатлил вас больше всего! 👇

+2

Сегодня, в 1922 году родился Владислав Скок - заслуженный художник России, почётный гражданин Мытищинского района, участник бесчисленных выставок — от областных до международных. Но главное не в регалиях. Главное в том, что его работы поражают и продолжают поражать эмоциональной активностью, искренностью и глубокой философской основой. Скок замечательно выполнял свою жизненную роль — служить прекрасному. Есть художники, чьи полотна — просто красивые картины. А есть те, для кого живопись становится способом разговора о самом важном. Владислав Скок (1922–2012) — из второй категории. Он родился в Мытищах в 1922 году. Учился в Московской средней художественной школе имени В. И. Сурикова — но диплом получить не успел. В 1941-м его отправили на фронт. Великая Отечественная, затем война с Японией — Скок прошёл всё это, делая быстрые наброски в перерывах между боями. Чёрные от пороха лица однополчан, только что вернувшихся из боя. Разрушенные дома. Пленные японцы. Война на его рисунках — не парадная, а настоящая, какая она есть. «Ни дня без работы» После войны он много путешествовал — Север, Сибирь, Средняя Азия, Прибалтика, Алтай, Тува. Из каждой поездки привозил серии работ: быт народа, архитектура городов, природа. Его девизом было «ни дня без работы» — и он ему не изменял. Живой, подвижный, не выносивший однообразия, Скок мог одновременно писать большую сюжетную картину и параллельно работать над портретом или натюрмортом. Отправной точкой всегда было настроение. Не копировать, а проникать. Вот что отличает Скока от многих его современников: работая на пленэре или над портретом, он не копировал натуру. Он находил в ней некие знаковые понятия, проникал в самую суть человека или явления. Данное от Бога чувство цвета позволяло ему ярко и чётко раскрывать глубину сюжета и характер персонажей. Его картины — это философские размышления, в которых выражаются настроения, чувства, переживания автора. 🎨 Тема жизни — главная тема его картин. Город с его жанровыми сценками: будь то Мытищи, Париж или патриархальные Ростов, Касимов, Новгород. Особняком стоит театральная серия, посвящённая кукольному театру «Огниво» — там всё его творческое начало: композиция, живопись, фантазийно-философские ритмы, цветовой накал. Многие работы этой серии находятся в галереях Франции, Италии, Люксембурга. А ещё — портреты. О. Кедрин, А. Ахматова, В. Высоцкий, А. Пушкин, архитектор Борисовский, скульптор Чубаров. Все — характерные, индивидуальные, психологически завершённые. Владислав Антонович обладал тонким юмором, ироничностью и удивительным оптимизмом. Модное слово «трудоголик» — это, пожалуй, его определение. При всей творческой занятости он находил время обучать молодых. Его мастерская-мансарда была творческой Меккой для художников и интеллигенции Мытищ. Многие работы он дарил детским библиотекам, больницам, городскому музею. Даже сейчас, спустя годы после его ухода, выставки художника открываются вновь и вновь — и каждое полотно по-прежнему заставляет зрителя остановиться, вникнуть, понять и сопереживать. В нашем собрании две чудесных работы Владислава Антоновича. Предлагаем вашему вниманию небольшую подборку. 🏛 Узбекистан. В Коканде. 1972. 🏛 Узбекистан. В Хиве. 1972. Российская галерея искусств 🏛 Портрет Анны Ахматовой. 1997. Мытищинская галерея искусств. 🏛 Таллин. Улица Алдару. 1977 Картинная галерея городского округа Красноармейск Московской области 🏛 Летом. Конец 20 века. Унечская картинная галерея. 🏛 Белые ночи. Пейзаж с рекой. 1973. Государственное музейное объединение «Художественная культура Русского Севера».

Продолжаем виртуальные прогулки по экспозиции «Море не волнуется» в Абхазии.📍 Сегодня смотрим произведение Таира Салахова «Мартовские мимозы» из собрания нашего музея. Салахов стал одним из самых известных советских художников периода «оттепели» и одним из создателей так называемого «сурового стиля», который заметно отличался от реализма сталинской эпохи. ©️В 1940-1950-е у многих было чувство, что преобладает парадное искусство, что правда жизни ускользает. Поэтому мы старались быть убедительными в том, что хотим написать. Пытались увидеть правду в окружающем нас мире, говорил художник. «Суровый стиль», объяснял он, «не был чем-то искусственным, придуманным», а «вышел прямо из жизни». Однако этим определением художников «часто загоняют в угол», а жизнь и искусство «в условные рамки не помещаются», отмечал Салахов. 🎨 Салахов пишет не нежность, а силу. Его жёлтый не рафинадный, не открыточный — он плотный, почти осязаемый. Мазок ложится так, что чувствуешь: художник не любовался, а утверждал. Утверждал, что красота может быть простой. Что несколько веток на столе — уже событие. Что март — это не дата, а состояние кожи, воздуха, памяти. В этом натюрморте есть тишина. Не пустая, а наполненная: слышно, как за окном ветер, как оседает пыль, как время идёт медленно, по-мартовски. Мимозы не позируют. Они просто есть — жёлтые, пушистые, чуть нелепые, как первое тепло. И от этого они дороже пышных роз. Салахов умеет быть суровым. Его мир — ветер, камень, нефть, ритм — и вдруг хрупкая ветка. Впрочем, для Абхазии мимоза — такой же узнаваемый символ, как мандарины: именно с них здесь начинается весна, ими пахнут рынки, дворы и горные склоны. А теперь задержитесь. Забудьте, что перед вами холст. Вдохните. Почувствуйте, как пахнет мимоза — горько и сладко одновременно. 🏛 Таир Салахов. Мартовские мимозы. 2002. Российская галерея искусств. 📅 Выставка продолжит свою работу до 13 декабря 20256 📍Центральный выставочный зал Союза художников Республики Абхазия. Республика Абхазия, г. Сухум, ул. Лакоба, д. 31 До встречи в музее!

Арт-игра для знатоков и ценителей искусства!💡 Сегодня задание для любителей пофантазировать. Автор картины — Юрий Волков, классик «крымской школы живописи». Ученик Николая Самокиша, участник Великой Отечественной войны, он очень убедительно создавал образы и сцены той, безусловно знаковой и глубоко личной для каждого русского эпохи. В музеях он представлен прежде всего военно-историческими полотнами. Но картина «На курорт» выбивается из этого ряда. Решили рассмотреть ее детально вместе с вами. 1960 год. Хрущёвская оттепель. Поезд мчится на юг, за окном мелькает море, а Юрий Волков смотрит не на пейзаж, а на пассажирку. Она и стала героиней картины «На курорт» из собрания Евпаторийского краеведческого музея. Дама устроилась в мягком вагоне как в собственной гостиной. Пышная причёска, подведённые брови, помада, изумрудное платье, светлая кофточка, бусы, серьги, аккуратные туфли. В руках — нарядная сумочка, рядом — соломенная шляпка с цветами, зонтик и яркая шаль. На столике — стакан в подстаканнике, фрукты, еда. Видно: к поездке на юг она готовилась как к главному событию года. Художник не превращает её в карикатуру. Она чуть смешна в своей чрезмерной нарядности, но живая и узнаваемая. В ней — целая эпоха, когда к отпуску готовились как к отдельному празднику. ❓Внимание вопрос! Кто она? Волков биографии не оставил — остаётся только рассматривать детали, фантазировать и строить версии. Делитесь своими мыслями и рассуждениями! Смело фантазируйте и делитесь с нами! 📝 Пишите свои варианты, а уже завтра с утра поделимся нашими соображениями.