Российская галерея искусств 🖼

+2

Сегодня, в 1936 году родился Михаил Нефёдов — живописец, чьё творчество охватывало исторические, религиозные, пейзажные и портретные сюжеты, а работы отличались уникальным стилем, сочетавшим элементы станковой живописи, монументального искусства и графики. «А что это у вас картины такие старинные?» Именно этот вопрос однажды услышал в своей мастерской Михаил Нефёдов. Обычный парень долго рассматривал его работы и не поверил, что они написаны в наши дни. «От времени, что ли, состарились?» — спросил он. Художник улыбнулся: парень почувствовал дух времени — то, к чему Нефёдов шёл долгие годы. Михаил Кузьмич — художник редкого дара: он писал так, будто за его плечами не XX век, а несколько столетий. Его философские работы выполнены в оригинальном стиле старинных фресок, и от них действительно веет чем-то древним, почти сакральным. Сам он говорил, что для него важно, чтобы картины «пахли» тем временем. Но жизнь его вовсе не была затворнической. За 56 лет творчества он объездил полмира — и везде работал. На Байконуре создал галерею портретов космонавтов. В Киргизии, у Иссык-Куля, писал многоцветье Тянь-Шаня. Почти 20 лет отдал Йошкар-Оле. А в Париже удивлял местных: пока художники на Монмартре переписывали открыточные виды, он ставил этюдник на обычной улице и открывал «свой Париж». Последние двадцать лет Михаил Кузьмич прожил в Раифе, у легендарного монастыря. Казалось бы, знаешь здесь каждый уголок — но художник признавался, что до сих пор поражается родной природе: «В разные времена года, в разное время суток даже привычные места видятся совершенно по-новому». Он не стремился писать картины, понятные всем и каждому. И, пожалуй, лучше всего о нём сказал искусствовед Абрек Абзгильдин: «У нас больше нет таких художников, как Нефёдов. У него своё видение, свой подход, своё поэтическое повествование…». А сам художник сформулировал своё кредо ещё проще: «Искусство — это не ремесло, а песня, спетая во всю мощь и от души…». 14 сентября 2026-го Михаила Нефёдова не стало. 🖼 Пастух яков. 1996. Государственный музей Республики Татарстан. 🖼 Утро. 1981. 🖼 Древесный пруд. 1993. Республиканский музей изобразительных искусств Республики Марий Эл, Йошкар-Ола. 🖼 Гуси лесника. 1970. 🖼 Портрет бригадира строителей Кожина. 1978. 🖼 Мой город. 1979 Национальный музей Республики Марий Эл имени Тимофея Евсеева

#настроениедня осеннее произведение Владимира Бурова «Поздняя осень в Загорске» из нашего собрания 🍂 Владимир Буров — художник, которого трудно загнать в рамки одного жанра. Он родился на Урале в 1939 году, учился в Ленинграде у Юрия Непринцева, писал исторические полотна и портреты, но в его пейзажах есть особая нота — не парадная, а тихая, почти интимная. Он умеет слышать ритм в самых простых мотивах: в ветках, в стенах, в осеннем воздухе. В работе 1978 года «Поздняя осень. Загорск» музыкальность звучит приглушённо и тепло. Перед нами — не открыточный вид древнего города, а его окраина, его дыхание на пороге холодов. Здесь нет драмы, но есть состояние: когда идёшь по мокрой дороге, вдыхаешь сырой воздух и чувствуешь, что зима уже близко, но время на миг остановилось. Композиция строится на медленном, спокойном ритме: фигура женщины в тёмном тулупе и платке с посохом, корова, склонившая голову к скудной траве, овцы, пасущиеся на выгоревшем лугу. Всё это не суетливо. Дальний план — изюминка картины. Загорск не выступает вперёд, а будто парит: белокаменный храм с голубыми куполами и звонницей выглядывает из-за обнажённых берёз и дубов. Художник удивительно точно передаёт состояние неба: серо-белые, плотные облака, но где-то сквозь них пробивается мягкий, рассеянный свет. Он ложится на пригорки, на дорогу, уходящую вдаль, и делает воздух влажным и прохладным. Цветовая гамма — сдержанная, почти монохромная: оливково-охристые тона травы, землистая серость фигур, холодные, серебристые всполохи на стволах деревьев. И только купола и вода в ручье вносят тихое свечение, напоминая о том, что даже в позднюю осень есть своя ясность и своё тепло. Это картина о том, как мир замедляется перед зимой, и человек с посохом стоит в этом мире не случайно, а как его неотъемлемая часть. А какие чувства у вас вызывает этот пейзаж? 🖼 Владимир Буров. Пейзаж. Поздняя осень в Загорске. 1978 Российская галерея искусств

Зачем искусству зеркала? Дорогие друзья! Открываем новую рубрику — #зеркалохудожника. В ней мы будем исследовать, как один и тот же вечный мотив преломляется в творчестве разных мастеров, в том числе и из нашего собрания, как он меняется вместе с эпохами и что позволяет художникам говорить о самом сокровенном. Зеркало — один из самых двусмысленных образов в искусстве. В жизни оно одновременно является границей и возможностью: отделяет нас от самих себя, но в то же время позволяет себе себя увидеть — взглядом, светом, чужим отражением, пространством за спиной. Отражение меняется даже тогда, когда кажется, что ничего не происходит: утром лицо выглядит иначе, чем вечером, за спиной мелькает комната, в стекле появляется окно, лампа, чужой силуэт. Некоторые зеркала становятся частью нашей биографии. Мы помним не только комнаты, в которых жили, но и то, что в них отражалось: трюмо в прихожей родительского дома, зеркало, в котором мы примеряли первую взрослую одежду, витрину, где на секунду встретились с собственным незнакомым лицом. Возможно именно поэтому зеркало так часто притягивает художников — оно позволяет говорить о двойничестве, самопознании, одиночестве и театральности, не изображая их напрямую. Открывает рубрику этюд к картине Гелия Коржева «Перед зеркалом» из нашего собрания. Художник, известный своим суровым и драматичным стилем, здесь обращается к камерной, почти театральной сцене. Женщина в пышном платье замерла перед высоким овальным зеркалом, словно пытаясь уловить ускользающий образ, а мужчина в тени за столом становится молчаливым свидетелем этого уединенного ритуала. Зеркало здесь — не просто деталь интерьера, а граница между двумя мирами и персонажами, подчеркивающая их внутреннее одиночество и невысказанность. В рамках рубрики приглашаем вас поделиться в комментариях — что сегодня показывает ваше зеркало? 🖼 Гелий Коржев. Перед зеркалом. Этюд к картине. 1986. Российская галерея искусств.

Продолжаем виртуальные прогулки по экспозиции «Море не волнуется» в Абхазии Если вы оказались в солнечной Абхазии — обязательно найдите время и загляните в выставочный зал на ул. Лакоба, 31 в Сухуме. Наша выставка продолжает там работу, и её уже успели полюбить как сухумцы, так и гости города. Ну а мы продолжим вас знакомить с ней виртуально. Сегодня смотрим два взгляда Георгия Нисского на воду и берег — «вечные» мотивы, в которых художник остаётся верен себе: лаконизм, динамика и пронзительный лиризм. Георгий Нисский писал не просто пейзажи, а состояние стихии, которая дышит, движется и живёт своей жизнью. Его море и набережные — это не географические точки, а пространство, где человек и природа встречаются на равных, где в каждой линии чувствуется дыхание эпохи и характера художника — от раннего увлечения индустриальным пейзажем до зрелой живописной обобщённости. Две работы, разделённые более чем двумя десятилетиями, — как два взгляда на одну и ту же стихию, но из разных состояний души и времени. 🖼 «На набережной». 1934 Эта работа — из тех лет, когда молодой Нисский только начинал свой путь в искусстве, впитывая уроки Вхутемаса и ища свой собственный голос. «На набережной» — не парадный вид и не драма, а момент, когда город и вода сходятся в спокойном, почти графичном ритме. В ней ещё чувствуется ученическая ясность формы, но уже проступает то, что станет фирменным знаком художника: умение видеть динамику в статике, превращать бытовой мотив в образ времени. Набережная у Нисского — это не просто место прогулок, а граница между стихиями, где каждый силуэт и каждая линия обретают значение. 🖼 «Чайки». 1957 А это — зрелый Нисский. Позади годы работы, поиски, Великая Отечественная война, обращение к морской теме. «Чайки» — не буря и не штиль. Это момент, когда море и небо становятся единым целым, а птицы — единственные живые точки, связывающие стихии. Лаконизм пластического решения, плоскостные цветовые зоны, стремление к обобщению — всё это позволяет художнику создать образ, который не столько описывает, сколько передаёт ощущение полёта и свободы. В полотнах Нисского оживают набережные и морские просторы, воскресают ритмы уходящих эпох и вечное движение стихии. Диалектика покоя и движения, конкретного и обобщённого, соединённых в лаконичных образах, пожалуй, ключевое свойство искусства художника. 🗓 Выставка продолжит свою работу до 13 декабря 2026 года 📍Центральный выставочный зал Союза художников Республики Абхазия. Сухум, ул. Лакоба, д. 31 Приглашаем всех!

115 лет назад, 8 ноября 1911 года, в Ливадии состоялся первый выпуск Севастопольской школы авиации. В этот день император Николай II лично приветствовал первых русских военных лётчиков. Именно с этой даты и этого торжества началась эпоха, когда небо перестало быть недосягаемым и из мечты превратилось в реальность. Спустя два десятилетия эта мечта привела в Севастополь и Александра Дейнеку. В 1934 году он впервые посетил наш город — и увидел город моряков, лётчиков, спортсменов. Он поднимался в небо с морскими лётчиками — и однажды, во время полёта на гидроплане, сделал запись, полную того самого восторга, что позже отзовётся в его картинах: «Сердце в такт повышению скорости усиливает темп ударов, какой-то комок жути и восторга подкатывает к горлу. Солнце над вами, и под вами в расплавленном бесконечном пространстве блеск моря. Воздух прозрачен и плотен, как стекло. Вы живёте». Из севастопольских впечатлений родилась картина «Будущие лётчики» — трое мальчишек на набережной, заворожённо провожающих взглядом гидросамолёт. В их взглядах чувствуется то же самое настроение, с которым воспитанники Севастопольской авиашколы впервые поднимались в небо. Совсем недавно фонды Российской галереи искусств пополнились двумя эскизами к этой картине, сделанными в том самом 1934 году. На одном из них — карандашный набросок гидроплана. Севастопольская земля хранит память о полётах первых авиаторов — выпускников школы на Куликовом поле, и о том восторге, с которым Дейнека смотрел на море, город и небо с борта гидроплана. 🏛 Александр Дейнека. Будущие лётчики. 1938. Сахалинский областной художественный музей. 🏛 Александр Дейнека. г. Севастополь. Будущие летчики. 1934. Российская галерея искусств.

+3

#пушистыехранители☺️: Знакомьтесь, Плюш — самый вежливый сотрудник галереи. Друзья, вы уже знакомы с нашей кошечкой Галей, но, кажется, пришло время представить вам того, кто встречает нас каждое утро с неизменным энтузиазмом и вилянием хвоста. Знакомьтесь — Плюш!😭 Этот обаятельный корги приехал к нам из Москвы вместе со своей хозяйкой Натальей Вихревой, куратором направления «Искусство глобального Юга». Плюш не просто «собака куратора», он — полноправный член команды, который каждый день ходит на работу с чувством глубокой ответственности. Утренний обход Рабочий день Плюша начинается ровно в тот момент, когда Наталья переступает порог галереи. Первым делом — проверка постов. Плюш приветствует охрану, администраторов и всех, кто будит здание музея рано утром, шествует по коридорам с важностью. Его короткие лапки цокают по полу, а пушистый «пропеллер» задает ритм всем отделам. Плюш считает себя сотрудником службы гостеприимства и ответственно поддерживает рабочий настрой у коллектива. Он обязательно заглянет в научный отдел — проверить, все ли на месте, и не забыл ли кто-нибудь из сотрудников вкусняшку. Затем — обязательная остановка в бухгалтерии, спросить, не хочет ли кто-то бросить ему мячик. Дипломатия и этикет Плюш — настоящий дипломат. Он не лает, а тихо поет «уруру» — приветствует всех сотрудников. С утра он непременно навестит каждого в его кабинете, положит голову на колено и заглянет в глаза: «Как дела? Работаем?» Иногда он засыпает прямо на рабочем коврике у окошка в кабинете, и тихонько сопит. Но стоит только прозвучать слову «выставка» или «новые поступления», как уши Плюша встают торчком — он всегда в курсе всех культурных событий. Плюш отлично разбирается в искусстве и уже выступил с инициативой рассказывать о прекрасном другим собакам нашего города. 🐕 Мы очень рады, что Плюш стал частью нашей большой и дружной семьи. Если вы встретите его в окрестностях галереи, обязательно поздоровайтесь! Он очень общительный и всегда рад новым знакомствам. 📷 Если вам удастся запечатлеть Плюша, делитесь фото с хэштегом #пушистыехранители и отмечайте наш аккаунт!

Вчера играли с вами в арт-игру.💡 Время делиться с вами нашими рассуждениями. Вчера мы спросили, зачем Шишкин оставил сухое дерево среди живых сосен на картине «Рожь». Хочется сказать спасибо вам за то, что делитесь своими мыслями в наших арт-играх. За неожиданные трактовки картин, за ассоциации и глубокие рассуждения. Возможно, смысл гораздо проще — и от этого даже сильнее. Природа не бывает идеальной. Рядом с молодыми и крепкими деревьями обязательно есть старые, сломанные, погибшие. Жизнь и смерть существуют рядом — и Шишкин не стал убирать эту правду из своего прекрасного пейзажа. Есть у картины и другая удивительная история. Перед тем как написать «Рожь», Шишкин сделал подготовительный рисунок и оставил на нём собственную запись: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство». Теперь становится понятнее, что он хотел показать. Это не просто красивое поле. Это земля, которая кормит человека. Урожай, достаток, родная сторона, бесконечное пространство — всё то, что для человека XIX века имело совершенно особое значение. А сама «Рожь» связана с родными местами художника — окрестностями Елабуги, куда Шишкин приехал в 1877 году. Считается, что одним из возможных мест, изображённых на картине, было Лекарское поле. И ещё одна деталь: по полю проходит дорога. Она почти незаметна, но именно она ведёт наш взгляд в глубину картины — туда, где поле исчезает у горизонта. Картина кажется неподвижной, но взгляд по ней всё время движется. Мы видим не просто пейзаж. Мы словно вспоминаем какое-то своё лето — жаркое, тихое, бесконечное… Всем хороших выходных, друзья!✨

Внимание! Новая арт-игра!💡 Сегодня задача не из легких. Но мы уверены, вы справитесь! Включаем интуицию, подключаем знания! Перед нами полотно Ивана Шишкина «Рожь». 1878 года из собрания Государственной Третьяковской галереи. Эту картину знают, кажется, все. Золотая рожь, бескрайнее поле, могучие сосны и тихое летнее небо… Но одна маленькая деталь заставляет посмотреть на неё совсем иначе. 👀Присмотритесь к соснам справа. Среди живых, сильных деревьев Шишкин оставил сухое, погибшее дерево. Замечали ли вы ее раньше? ❓Внимание вопрос! Зачем художник это сделал? ❗Однозначного ответа он нам не оставил. Поэтому правильного ответа нет! Есть лишь ваши мысли, фантазия и интуиция, возможно знания! Полагайтесь на них и никуда не подглядывайте! ✍️Пишите свои варианты, а уже завтра с утра поделимся нашими соображениями. ☝️Ставьте реакции, делитесь с друзьями, ведь вместе играть веселее! 🔥- люблю играть вместе с вами! ❤️ - класс, всегда узнаю что-то новое!

+2

Вчера страна отмечала важный праздник – День народного единства. В Латинской Америке есть праздник, очень похожий по духу и идеям - Día de la Unidad Latinoamericana y Caribeña (День единства Латинской Америки и Карибского бассейна), который отмечают 22 июня. В августе 1988 года на XII очередной ассамблее в Буэнос-Айресе Парламент Латинской Америки и Карибского бассейна (PARLATINO) принял резолюцию о том, чтобы отмечать 22 июня как День единства. Пока этот праздник не стал государственным в большинстве стран континента, но к этому дню часто приурочивают мероприятия (конференции, дискуссии, культурные события), посвященные идее региональной солидарности. 22 июня – не случайная дата. В этот день в 1826 году начался знаменитый Конгресс в Панаме. Его созвал Симон Боливар, чтобы попытаться объединить молодые независимые государства региона — от Мексики до Чили и Аргентины — в конфедерацию. Идея была в том, чтобы вместе отстаивать суверенитет и противостоять внешнему влиянию. Симон Боливар (1783–1830) — один из главных лидеров борьбы за независимость испанских колоний в Южной Америке, национальный герой ряда латиноамериканских стран, известный как El Libertador, то есть Освободитель. И конечно, огромное количество художественных произведений было посвящено и до сих пор посвящается этой грандиозной фигуре. 🎨 Например, советский художник монументалист Владимир Замков создал мозаичный портрет к юбилею Симона Боливара. Работу передали в Институт Латинской Америки РАН в Москве, а Замков получил правительственную награду Венесуэлы. 🏛 Владимир Замков, Симон Боливар, 1983. Институт Латинской Америки РАН, Россия 🎨 Очень много работ посвятил Боливару один из самых знаменитых художников Венесуэлы Тито Салас. Это не удивительно, ведь Венесуэла была одной из первых испанских колоний, где вспыхнуло восстание за независимость, и Боливар стал его главным мотором. Официальное имя Венесуэлы — Боливарианская Республика Венесуэла. 🏛 Антонио Салас, Симон Боливар, 1825. Частная коллекция 🎨 Отдельного упоминания заслуживает цикл фресок, созданный Тито Саласом в Национальном Пантеоне Венесуэлы. В 1930-е годы ему поручили расписать главный зал Пантеона — бывшей церкви Святой Троицы, превращённой в мавзолей национальных героев Боливар погребён в центральном нефе, его бронзовый саркофаг стоит на месте бывшего алтаря. И живопись Саласа выстроена так, чтобы вокруг саркофага «разыгрывается» жизнь Освободителя — исследователи прямо отмечают, что фрески придают истории Боливара почти житийный, иконографический характер. Фреска «Боливар на Чимборасо» иллюстрирует стихотворную поэму «Mi delirio sobre el Chimborazo» (Мое видение на Чимборасо), написанную Боливаром примерно в 1822–1823 годах. Лирический герой поднимается высоко в горы, на вулкан Чимборасо и там ему является старец, с которым он ведет диалог о вечности, политических событиях того времени и страсти, которую пробуждал в Боливаре проект независимости стран континента и создания Великой Колумбии. 🏛 Боливар на Чимборасо, Тито Салас, около 1942. Национальный Пантеон Венесуэлы, Венесуэла 🏛 Боливар на Чимборасо, Тито Салас, Боливарианский музей, Каракас, Венесуэла. 🏛 Антонио Херрера Торо, Смерть Боливара, б/д. Боливарианский музей, Каракас, Венесуэла. 🏛 Хосе Ибарра, Конный портрет Simón Bolívar, около 1826. Боливарианский музей, Каракас, Венесуэла.

Сегодня вся Россия празднует День народного единства.🇷🇺 Впервые в России новый всенародный праздник отмечался в 2005 году. Это довольно молодой праздник, однако у него глубокие исторические корни. День народного единства был учрежден в память о событиях 1612 года, когда народное ополчение под предводительством Кузьмы Минина и Дмитрия Пожарского освободило Москву от польских интервентов. Тогда все силы нашего народа соединились, чтобы спасти нашу страну от гибели. С тех пор можно смело утверждать – «народов много – страна одна»! Исторически праздник связан с окончанием Смутного времени в России в XVII веке. События, которые происходили в стране 4 века назад, не оставили равнодушными художников разных времен. Подвиг Минина и Пожарского по освобождению Русской земли продолжает жить уже много поколений. 🖼 Проиллюстрировать публикацию о сегодняшнем празднике мы решили полотном кисти Василия Савинского «Нижегородские послы у князя Дмитрия Пожарского» из собрания Краснодарского краевого художественного музея имени Ф. А. Коваленко. (1882 г.) Нижний Новгород стал центром сопротивления интервентам. В 1611 году почти ежедневно на площадях и улицах собираются люди, обсуждают, как собрать войско и где взять на это деньги. На картине – переломный момент. Посольство из духовенства, бояр и простого люда под предводительством Козьмы Минина явилось в нижегородское имение князя Дмитрия Пожарского с просьбой возглавить Второе народное ополчение. Они вручают князю Казанскую икону Божией Матери. Эта икона прошла с Пожарским до Москвы, оказывая ополченцам духовную помощь в борьбе с польскими интервентами. Она стала для русских людей символом заступничества Богородицы в их борьбе за Русскую землю. С праздником, дорогие друзья!🙏 🏛 Василий Савинский. Нижегородские послы у князя Дмитрия Пожарского. 1882 В Краснодарский краевой художественный музей имени Ф. А. Коваленко.

+3

Российская галерея искусств на саммите «Россия – Африка»🌍 В Москве завершился третий саммит «Россия — Африка», в котором приняли участие делегации 48 африканских государств. Его цель – способствовать укреплению всеобъемлющего и равноправного сотрудничества России с африканскими странами во всех его измерениях: политике, безопасности, экономике, научно-технической и культурно-гуманитарной сферах. На полях саммита работала представитель РГИ Татьяна Тудвасева. Она является куратором искусства стран Африки и Индии в одном из основных наших направлений «Искусство Глобального Юга». Она выступила в секции социо-гуманитарного сотрудничества с лекцией о Российской галерее искусств. Кроме того, провела встречи с министрами, дипломатами, общественными деятелями, лидерами движений и руководителями учреждений из самых разных стран Африканского континента. Уже после завершения основной программы саммита, в понедельник 2 ноября состоялся круглый стол «Россия-Африка: культурный диалог». Участниками встречи стали художники, арт-эксперты, общественные деятели, издатели, африканисты и будущие дипломаты. Татьяна Тудвасева рассказала гостям о подготовке уникальной выставки «Эфиопия: время, которое движется по спирали», которую в скором будущем Российская галерея искусств представит в Севастополе.

#настроениедня осеннее произведение Ольги Отрощенко «Осень» из нашего собрания.🍂 Осень умеет быть разной — золотой и праздничной, а порой тихой, задумчивой и по-домашнему молчаливой. Именно такой мы видим ее на небольшом холсте Ольги Отрощенко, написанном в 1976 году. Ольга Отрощенко — художница, выросшая в семье известных живописцев (она дочь Татьяны Яблонской), но нашедшая собственный тихий и внимательный взгляд на мир. Её работа — это не парадный пейзаж, а скорее случайно подсмотренный кадр из жизни: серое небо, телеграфные столбы, убегающая вдаль грунтовая дорога и деревья, уже тронутые желтизной. За забором — маленький дом, укрытый осенней листвой. В этой картине есть удивительное спокойствие. Она не кричит, не требует внимания — она просто позволяет остановиться, вдохнуть прохладный воздух и почувствовать, как пахнет мокрая земля и прелая листва. Настроение, когда хочется надеть любимый свитер, выйти из дома без спешки и просто побродить по знакомым улицам, вслушиваясь в тишину. Хорошего вам осеннего настроения — и неспешных прогулок! 🍂 🏛 Ольга Отрощенко. Осень. 1976. Российская галерея искусств

Продолжаем виртуальные прогулки по экспозиции «Море не волнуется» в Абхазии.📍 Если ваш путь лежит через солнечный Сухум — не проходите мимо! В центральном выставочном зале Союза художников Республики Абхазия продолжает работу выставка «Море не волнуется», которая уже полюбилась сухумцам и гостям Абхазии. Сегодня смотрим произведение 1893 года «Ифигения в Тавриде» Валентина Серова. Серов написал «Ифигению в Тавриде» в 1893 году в Крыму, под Бахчисараем — и сам считал работу неудачей: «нет ощущения эпохи». Он отказался от эффектного мифа (алтарь, подмена ланью, спасение) и выбрал тишину после: Ифигения сидит спиной к зрителю, лицом к ровным, методичным волнам. Лица не видно — и не нужно: эмоцию выдает пейзаж, серая скала, голубоватая дымка. Артемида спасла ее от ножа, но заперла жрицей на чужом берегу — спасение оказалось изощреннее казни. Серов мучился, переписывал, возил эскизы между Петербургом и Москвой, но так и не завершил холст. И именно в этой «неудаче» он написал не миф, а состояние: вечность как скука изгнания. Картина долго оставалась у семьи, потом попала в Русский музей, а в 1930-м была передана в Казань. 🏛 Валентин Серов. Ифигения в Тавриде. 1893. Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств. 📅 Выставка продолжит свою работу до 13 декабря 2026 📍Центральный выставочный зал Союза художников Республики Абхазия. Республика Абхазия, г. Сухум, ул. Лакоба, д. 31 До встречи в музее!

Доброе утро!☕️ Время делиться с вами нашими рассуждениями! Друзья, вчерашняя арт-игра — не про правильный ответ. Здесь нет экзаменационной сетки и оценки «угадал или не угадал». Есть картина и ваши ощущения. В мире, где всё чаще требуют быстрых выводов и чётких позиций, сама возможность остановиться и порассуждать — уже ценность. Мы предлагаем вам почувствовать, задуматься. И отдельное спасибо вам за то, что вы регулярно делитесь с нами своими мыслями. Ваши комментарии, сомнения, неожиданные ассоциации и тихие личные наблюдения делают каждую игру глубже и человечнее. Без вас это был бы просто вопрос и картинка, а с вами — общий разговор, в котором можно быть разным. Спасибо, что остаётесь в нём. 🏛 Вернемся к «Трактористкам». Сегодня, зная, в какое время она была написана, особенно трудно воспринимать её просто как картину о сельском труде. За беззаботным летним днём мы видим то, чего не видно на полотне, — войну, которая шла совсем рядом. И, может быть, именно поэтому эта картина так запоминается: она рассказывает о войне, почти ничего не показывая о самой войне. 🌞Посмотрите, как много в картине света и воздуха. Женщины просто отдыхают после работы, трактор остановился в поле, а вдали виден мальчик с водой. Ничего необычного — и именно в этом её сила. Пластов словно напоминает: даже в самые тяжёлые времена жизнь не останавливается. Люди продолжают работать, отдыхать, смеяться, радоваться солнцу. И художнику было важно сохранить этот образ мирной жизни. Сам Пластов очень любил своих «Трактористок» и не хотел с ними расставаться. В письме жене в 1944 году он писал о картине как о своей радости и вспоминал сияние поля и летний зной. Всем хороших выходных друзья!

💡Пятница! Время рассуждать с нами в рамках наших арт-игр! Перед нами картина Аркадия Пластова «Трактористки». Смотришь и не сразу веришь, что это 1943–1944 годы, правда? Две молодые женщины отдыхают после работы в поле. Рядом трактор, вокруг летняя трава, яркое солнце, жара. Кажется, будто перед нами обычный день мирной деревенской жизни. Но Аркадий Пластов написал эту картину в разгар Великой Отечественной. И от этого на неё хочется смотреть совсем иначе. В военные годы именно женщины во многом заменили ушедших на фронт мужчин в колхозах. Они пахали землю, сеяли, убирали урожай, работали на тракторах. Поэтому героини Пластова — не просто отдыхающие девушки. За их спокойствием стоит тяжёлый сельский труд военного времени. Но есть в картине ещё одна удивительная деталь. Пластов впервые обращается к изображению обнажённой женской натуры именно в годы войны. Искусствоведы видят в этом особое противопоставление: вокруг война, разрушение и смерть, а здесь — молодость, здоровье, солнце и сама жизнь. Может быть, сегодня, как и тогда, самое важное — сохранить этот образ мирной жизни, даже если он хрупок. ❔Вопрос сегодня скорее не вопрос, а призыв поделиться с нами своими ощущениями. Как вам кажется, что здесь сильнее — красота мирной жизни или ощущение того, насколько хрупкой она была в те годы? 📝Пишите свои варианты, а уже завтра с утра поделимся нашими соображениями.

+5

Вечер. Дождь. Российская галерея искусств.🌧 Таким — атмосферным и немного загадочным — запечатлел сегодня музей фотограф Владислав Гуцуляк.

#настроениедня произведение «Осень» кисти Эдуарда Браговского из нашего собрания.🍂 🍂 Октябрь в Крыму — время удивительного контраста. Солнце ещё щедро дарит тепло, золотит пляжи и согревает камни, но в воздухе уже появляется та особенная прозрачность, которая бывает только осенью. Дни становятся короче, вечера — прохладнее, и природа, словно примеряя новый наряд, потихоньку начинает переливаться багрянцем и охрой. Самое время поймать это настроение в живописи. Сегодня в рубрике #настроениедня — работа Эдуарда Браговского «Осень». Эдуард Браговский — яркое имя в российском искусстве, народный художник России. Его путь был непрост: война, учёба в Вильнюсе и в легендарном Суриковском институте у Петра Котова. 🎨 Но главное, что отличает Браговского, — это удивительное «цветовое мышление». Для него цвет был не просто краской, а главным инструментом выразительности, способом передать эмоцию и наполнить пейзаж жизнью. Он был частью поколения «шестидесятников», которое в эпоху «оттепели» дышало свежим воздухом и меняло искусство. Его работы — это всегда праздник для глаза, даже когда на холсте — тихая грусть увядания. Картина «Осень» — прекрасное тому подтверждение. Перед нами осенний пейзаж. Мастерски переданные оттенки осенней листвы, прозрачный воздух и эта удивительная глубина, которая заставляет замереть и раствориться в мгновении. Здесь нет драмы, но есть светлая меланхолия и очарование русской природы, которую Браговский так любил и так тонко чувствовал, черпая вдохновение в своих путешествиях. Любуемся и чувствуем уходящее тепло октября. 🌿 🏛 Эдуард Браговский. Осень. 1986 Российская галерея искусств

+2

Сегодня в 1920 году родилась Валентина Саинчук (Руссу-Чобану) — молдавский художник, живописец. Представьте себе старый кишинёвский дом на улице Григоре Уреке. Здесь десятилетиями пахло краской и слышались разговоры об искусстве. В этом доме жила удивительная женщина — Валентина Саинчук, известная миру как Валентина Руссу-Чобану. Она прожила целый век — 101 год. В искусство она пришла вслед за старшим братом — просто потому, что он хотел стать художником, а она следовала за ним во всём. Училась в Яссах, брала уроки у знаменитых мастеров, но главное — она умела видеть праздник в обыденном. Искусствоведы потом напишут, что её работам свойственна «праздничная яркость колорита», идущая от народного молдавского искусства. Если вы когда-нибудь видели её «Автопортрет в очках», вы поймёте главное: она не боялась быть собой. В советские годы, когда рамки были жёсткими, она умудрялась оставаться современной и дерзкой. Её кисти принадлежат портреты режиссёра Эмиля Лотяну, писателя Иона Друцэ, поэта Григоре Виеру. Она писала людей, которых любила, и землю, которая её вдохновляла. А ещё у неё была удивительная семья. Её муж, Глебус Саинчук, был известным художником и скульптором, а их дом в центре Кишинёва был настоящим культурным центром, где собиралась вся творческая интеллигенция. Говорят, что после ухода мужа Валентина практически перестала выходить в свет, предпочитая тишину своего старого дома и воспоминания. Она ушла из жизни в ноябре 2021 года, всего через несколько дней после своего 101-го дня рождения. Но её Молдова — яркая, тонкая, изысканная — осталась на холстах в ее богатом наследии. 🏛 Он увезет ее далеко, а близкие будут радоваться и плакать. 1975 Иркутский областной художественный музей имени В.П. Сукачева. 🏛 Весна (после трудового дня). 1987. Российская галерея искусств. 🏛 Автопортрет в очках. 1974. 🏛 Визит доктора. 1971. 🏛 Писатель Вера Малева. 1972. 🏛 Мать и дочь за мир. 1984. Собрание автора.

Президент Абхазии посетил выставку Российской галереи искусств «Море не волнуется» Президент Республики Абхазия Бадра Гунба стал гостем выставочного проекта Российской галереи искусств в Сухуме. Глава государства посетил выставку «Море не волнуется», где собраны шедевры русской живописи. Бадра Гунба, президент Республики Абхазия, отметил: «Возможность увидеть подлинники мирового уровня в стенах Центрального выставочного зала Союза художников Абхазии – это важное событие для всех ценителей искусства и большой вклад в укрепление культурных связей между Россией и Абхазией». Напомним, в этом году команда нашего музея привезла в Абхазию 35 произведений искусства из собраний пяти федеральных и трёх региональных музеев. За три недели с момента открытия насладиться шедеврами Ивана Айвазовского, Константина Богаевского, Валентина Серова, Таира Салахова и других великих художников пришли более 2600 человек. Виталий Зотов, директор музейно-выставочного центра РГИ: «Собирая воедино голос преданий, дыхание природы и художественное видение, выставка Российской галереи искусств создает образ моря как вечного культурного пространства, где прошлое не исчезает, а продолжает звучать в настоящем. Море не волнуется – оно хранит историю и обещает будущее!»

+2

Двери музея закрыты, но внутри кипит жизнь! 🎨 Сейчас двери Российской галереи искусств закрыты. Но внутри кипит кропотливая, сложная и невероятно увлекательная работа. Главный «герой» этого процесса — легендарный живописный фриз Александра Дейнеки «На страже мира». Помните, мы рассказывали, что он не покидал стен хранилищ более 60 лет? Картина, которая когда-то создавалась в мастерской художника и дописывалась прямо на выставке 1965 года, сегодня сама стала «пациентом» наших специалистов. Наши реставраторы уже провели первичный осмотр и отобрали пробы грунта и красочного слоя. Это как анализ крови для человека — без него невозможно поставить точный «диагноз» и понять, как спасать шедевр. Впереди — самое важное: реставрационный совет. Именно на нем, в тандеме с коллегами из Курской картинной галереи им. А.А. Дейнеки и Русского музея, будет разработана уникальная методика возрождения этого полотна (напомним, 30 метров в длину и 3,5 в высоту!). Уникальность момента не только в том, что мы возвращаем к жизни шедевр Дейнеки. А в том, что этот процесс будет доступен для посетителей! Когда двери музея откроются, вы сможете своими глазами увидеть, как рождается история заново — в Российской галерее искусств будет работать открытая реставрация. Это редчайшая возможность — заглянуть в «святая святых» музея, увидеть магию работы художника-реставратора в реальном времени и понять, сколько труда и знаний стоит за сохранением нашего наследия. Следите за новостями!