(не)Культурные заметки Ди

Ещё неделю назад состоялся #культурный_просмотр фильма «Майкл». И мой отзыв будет максимально предвзятым) Я была фанаткой Майкла Джексона в 8-10 лет (любимая песня того периода, конечно же, Dirty Diana) и собиралась на его концерт, как только чуть подрасту. И до сих пор помню то утро в 2009 году, когда по новостям передали, что Майкл Джексон умер. И 9-летняя я по-детски задалась вопросом «А как же концерт?» и расплакалась в первую очередь из-за того, что на концерт я больше не попаду. Именно по этой причине я хотела посмотреть фильм именно в кинотеатре — чтобы устроить себе хотя бы мини-версию того самого концерта. И все получилось✨ Кто-то назовет этот фильм пластмассовым, стерильным и одним сплошным клипом. В нем нет интриг, скандалов, копания в грязном белье, безумной драмы, обратной стороны славы и прочего. Зато есть красивая история о чернокожем мальчике, который прошел непростой путь и благодаря своему труду и таланту стал тем самым Майклом Джексоном, которого знают миллиарды человек. Фильм заканчивается на пике карьеры Джексона, будто навсегда запечатлевая именно этот образ: белоснежная улыбка, блестящая перчатка, узнаваемые кучерявые черные волосы и он после выступления, которому отдался на все 100%. А остальное неважно. Мне кажется, что такие фильмы должны заканчиваться именно так и быть комплиментарными для главных героев. Все равно желающих рассказать обо всем остальном найдется много. В общем, это фильм-подарок фанатам. Так что если вы входите в эту группу, то обязательно сходите в кино, чтобы насладиться любимыми песнями. Если нет, то, наверно, фильм не для вас. Хотя, например, именно благодаря «Богемской рапсодии», где режиссером тоже выступил Грэм Кинг, я познакомилась с Фредди Меркьюри и полюбила группу Queen.

+2

В Санкт-Петербурге меня полностью захватила работа, а сегодня есть полдня, чтобы совершить марш-бросок по выставкам Русского музея. Пока делюсь тем, что успела ухватить на бегу. Питер все так же прекрасен, конечно!

+5

Ох, какой день вчера выдался: поспать 3 часа, чтобы поехать в Питер, поработать там, а вечером стоптать себе ноги на набережных и Невском проспекте (просто невозможно не гулять!). Сначала я гуляла бесцельно, а потом резко захотелось красивого. И ноги сами повели меня в Музей Фаберже на выставку братьев Маковских, где показывают около 170 работ художников. Эта выставка называется «Любовь земная и небесная», что отсылает к картине Тициана. И это на самом деле очень хорошо отражает каждого брата. Для Константина Маковского идеал — это древнегреческие боги, которым он уподоблял и своих аристократичных клиентов. Для Владимира вдохновение было в обычной жизни. Но двух братьев объединяет одно — любовь к человеку. Работы Константина, конечно, прекрасны сами по себе. Это тот случай, когда смотришь и буквально поглощаешь красоту. Особенно меня впечатлила масштабная картина «Суд Париса» (фото 2), на которой богини будто даже дышат! Работы Владимира совсем другие — они рассказывают полноценные истории из жизни. Там могут быть слезы, боль, разочарование. Но они трогают как раз этой своей жизненностью. Я была уверена, что «мой» Маковский — это Константин. Я люблю такой эскапизм. Но выставка в Питере открыла мне и Владимира: у каждого его героя есть свой характер (вы только посмотрите на этого маленького грозного блондина на фото 4!), своя история, своя жизнь. У Константина все красивое, но будто искусственное. В общем, если будете в Питере, то обязательно загляните в музей Фаберже на Маковских. Не переживайте, если были на их же выставке в Серпухове 2 года назад. В Питере иначе расставлены акценты, есть новые работы (один «Суд Париса» чего стоит!), а гулять по прекрасному Шуваловскому дворцу, где располагается музей Фаберже, — это отдельное удовольствие. А вам кто ближе: аристократичный Константин или народный Владимир? #культурный_визит

Когда я увидела картину «Бильярд» Луи-Леопольда Буальи, то очень удивилась. Это 1807 год, а женщины играют в бильярд — исконно мужскую игру. Да еще и дети с животными — ну просто «смешались в кучу кони, люди». Оказалось, что для того времени это было очень даже естественно. Все дело во Французской революции 1789 года: нравы стали свободнее, а бильярдные стали неким местом, где в целом любой может приятно провести время. Туда приходили для дружеских посиделок, завести новые знакомства и просто посплетничать, найти пару на вечер или на всю жизнь. И в этом пространстве смешивались все: мужчины и женщины, дети и животные (как на картине Буальи), военные, нувориши и старая аристократия, дамы полусвета и степенные жены. Отдельно выделяются платья — женщины будто в ночных рубашках. Но это самые модные платья того времени. После Революции стали отказываться от пышных нарядов с корсетами, сотней юбок и трехэтажными париками. В моду вошли свободные силуэты, естественность и подражание античности. Какое-то время ткань платья была почти что прозрачная, а декольте очень глубоким. Французы говорили, что женщине достаточно рубашки, чтобы быть самой модной. А сами француженки считали, что ноги должны быть видны от туфли до ягодицы — иначе женщина просто не умеет одеваться. Очень смело и красиво! #кто_это_нарисовал

+5

Когда я ходила на работу в офис, я каждый день проходила мимо нарядного и очень яркого особняка, в котором сейчас находится посольство Бразилии (фото 1 и 3). Он не может не поражать, не вызывать интерес и желание сделать 100 фото! И вчера я узнала наконец его историю, как и истории многих других особняков в районе Поварской улицы. А все благодаря экскурсии Яны, которая, кажется, знает про московские особняки и их жителей все! Мы посмотрели дом-подарок на свадьбу и особняк, который построили, когда жена вернулась к мужу от любовника. Еще был дом мечты, которым все восторгались и никто не хотел покупать, и дом-эталон московского модерна. Это все один район Поварской улицы, но на ней уживается целый калейдоскоп стилей: готика, модерн, неоклассика, барокко, особняки под итальянское палаццо и русский терем. Этот район раньше назывался Поварской слободой и жили в нем все, кто обслуживал царские кухни: повара, скатерники, рыбники, хлебники. Отсюда и Поварская улица, и Хлебный, Скатертный, Столовый и другие переулки. Но потом столицу (как и царский двор) перенесли в Санкт-Петербург, а пожар 1812 года уничтожил почти все здания. В итоге Поварскую слободу отстраивали заново, а роскошные особняки в 19-м веке стали покупать себе не дворяне, а купцы и промышленники. И интересно, что Москва в целом во времена Российской Империи была городом купцов: как только купеческая семья становилась достаточно богатой, она переезжала именно сюда, а не в Петербург. В итоге купец был в Москве первым человеком: он строил больницы и музеи, занимался благотворительностью, собирал искусство и поддерживал театры. Сейчас почти во всех особняках находятся посольства разных стран. Невольно позавидуешь месту работы и жительства послов) Но, к сожалению, не все здания отреставрированы и некоторые совсем в печальном состоянии, хотя это самое настоящее произведение искусства! #культурный_визит

Именно так по мнению датской художницы Герды Вегенер выглядит летний день😅 Мне эта работа напоминает скандальный «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Только у Вегенер получилось изобразить обнаженные женские фигуры так, будто они и должны быть обнаженными. Кажется, что на любое удивление она могла бы задать вопрос: «Что, вы никогда не лежали в парке голышом со своими подружками?». И нравится, как обнаженные женские фигуры, такие привычные для искусства, у Вегенер сосуществуют с новым образом женщины поздних 1920х годов — в левом углу художница изобразила себя в очень модном наряде и в штанах, которые до Первой Мировой войны были редким явлением в женском гардеробе. #кто_это_нарисовал

#история_из_истории о важности исторического контекста в разных странах и перепроверке любого креатива 18 мая Starbucks в Южной Корее запустил акцию — Tank Day. В этот день можно было со скидкой купить термокружки, которые называются Signature Tank Tumbler. В случае Starbucks слово «tank» означается емкость для жидкости. Но для корейцев 18 мая ассоциируется с настоящими танками. Дело в том, что в 1980 году в городе Кванджу проходили антиправительственные протесты с 18 по 27 мая. Их очень жестоко подавляли, в том числе с помощью танков. В результате по разным данным погибло от 200 до 2000 человек, куда входило и довольно много мирных жителей. Эти события потом отразили во многих корейских фильмах, книгах и даже музыкальных клипах. Но в Starbucks, видимо, никто их не смотрел и не читал и про эти события очевидно не знал. В итоге маркетинговая акция привела к бойкоту сети кофеен, увольнению одного топ-менеджера и принудительному обучению) 22 июня все кофейни Starbucks в Южной Корее закроются на полдня, а сотрудники, в том числе и оставшийся топ-менеджмент, пойдут на лекцию о современной истории Южной Кореи и о важности «социальной чувствительности» в маркетинге. Такое мероприятие обойдется сети кофеен в $1,4 млн.

+1

В воскресенье у меня был нестандартный #культурный_визит — я ходила на иммерсивный спектакль «Нюдсы», который проходит в баре😅 Он длится всего 1,5 часа, но за это время зрители успевают и посмеяться от души, и глубоко задуматься, и даже поплакать. Спектакль называется «Нюдсы», потому что это то, о чем люди обычно не говорят, но что так или иначе случалось в жизни каждого) И зрителям предлагают вспомнить самые разные моменты из их личной жизни, которые точно у всех были, но которые, возможно, хотелось бы забыть. В итоге у вас в голове пронесется много историй: от первой любви и того самого парня, который в 9 классе был неотразим, а потом «его съело какое-то чудовище» до не самых здоровых отношений или каких-то деталей, которые есть только в вашей паре и которые другим покажутся глупыми. Все действие происходит в небольшом пространстве, где актеры буквально на расстоянии вытянутой руки и даже ближе. И чтобы убрать некую неловкость от такой близости и ещё сильнее сократить расстояние, в самом начале задают вопросы «а было ли у вас…». И оказывается, что у всех этих незнакомцев в баре столько общего! Но интересное наблюдение: никто не поднял руку на вопрос «кто знает, что такое любовь?». И «Нюдсы» как раз показывают, что тут не может быть однозначного ответа — у каждого она будет своя да ещё и меняющаяся в зависимости от возраста, обстоятельств, партнера и т.д. В общем, очень душевный вечер получился! Я советую идти с подружками или со вторыми половинками, чтобы сначала можно было сказать в унисон «было» или «это же мы!», а потом до бесконечности делиться самыми разными историями.

Примерно в 1864 году генерал Василий Корвин-Круковский получил письмо, которое предназначалось его 20-летней дочери Анне. Письмо было от мужчины, а в конверте лежали деньги. Кажется, что все очевидно. Но не в этом случае. Все дело в том, что Анна Васильевна писала рассказы. И свою первую работу, историю бедной швеи и её неудавшейся любви, она отправила в журнал «Эпоха». Подписалась она мужским псевдонимом, но издателю откровенно призналась, кто она. А издателем «Эпохи» был Федор Михайлович Достоевский и его брат Михаил. Достоевскому очень понравился рассказ Анны Васильевны, он его поставил в один из номеров журнала, а она прислала следующий. Его тоже опубликовали. И как раз гонорар за эти работы и попал в руки к отцу Анны. Отец, конечно, был недоволен и сказал, что сначала девушки продают свои рассказы, а потом продают и себя. Да и вообще опасный тип этот Достоевский, бывший каторжанин как никак. Но все же разрешил Анне встретиться с писателем. Ну и закрутилось, завертелось. По вечерам Федор Михайлович стал часто бывать у Анны Сергеевны, делился с ней идеями романов, рассказывал про свою жизнь. А через два месяца предложил ей выйти за него замуж. Но Анна отказала, хоть и преклонялась перед своим ухажером. Вот что каждый из них говорит про эту ситуацию: Анна Васильевна — одна из лучших женщин, встреченных мною в жизни. Она — чрезвычайно умна, развита, литературно образована, и у неё прекрасное, доброе сердце. Это девушка высоких нравственных качеств; но её убеждения диаметрально противоположны моим, и уступить их она не может, слишком уж она прямолинейна. Навряд ли поэтому наш брак мог быть счастливым (и все же это не помешало ему попытать удачи). Федор Достоевский Я не так люблю его, чтобы пойти за него замуж... Ему нужна совсем не такая жена, как я. Его жена должна совсем, совсем посвятить себя ему, всю свою жизнь ему отдать, только о нём и думать. А я этого не могу, я сама хочу жить. К тому же он такой нервный, требовательный. При нём я никогда не бываю сама собою. Анна Корвин-Круковская В итоге они расстались, но сохранили дружеские отношения. Федор Михайлович вскоре встретил другую 20-летнюю Анну, Сниткину, и женился на ней. И это была как раз та женщина, которое делала очень многое, чтобы Достоевский писал, а его творчество развивалось. Анна Корвин-Круковская уехала во Францию и тоже вскоре вышла замуж — за Виктора Жаклара. В Париже она боролась за права женщин и социализм, переводила «Капитал» Маркса и была членом Парижской коммуны, революционного правительства 1871 года. После поражения коммуны супругов Жаклар арестовали: Анне грозила пожизненная каторга, а ее мужу — смертная казнь. Но им повезло: их спасла семья Анны. Участвовала в этом и сестра девушки, Софья. Она в это время занималась математикой в Европе и потом стала известна как Софья Ковалевская — первая в мире женщина-профессор математики. P.S. Очень нравятся такие пересечения судеб #история_из_истории

Добавим в это утро немного нежности от невероятного романтика Марка Шагала) В 1916 году Шагал пришел в роддом навестить свою жену Беллу, которая только что родила дочь Иду. Рядом с ее кроватью стоял букет ландышей. Иде очень нравились эти цветы, но она жалела, что их красота очень хрупкая и недолгая. На это Шагал ответил: «Дай Бог, чтобы наша Идочка прожила столько, сколько просуществует эта красота». Странное пожелание, не правда? Я бы на месте Беллы очень удивилась, мягко говоря. Но не тут-то было! На следующий день Шагал подарил Белле картину «Ландыши», на которой на долгие годы запечатлел те самые цветы с двумя розовыми бантами в честь новорожденной дочки. Но к сожалению или к счастью, мы не так долговечны, как картины. Ида Шагал прожила 78 лет, а картина «Ландыши» «живет» до сих пор в Третьяковской галерее. #кто_это_нарисовал

+1

Еще один художник примитивист — Анри Руссо. Он писал пораньше наших авангардистов (в конце 19-го века) и жил во Франции. Но для меня его картины совсем не про Францию — они про тропики, жаркие страны, дикие джунгли и свободных от всяких социальных условностей людей. Кажется, что Руссо видел все это своими глазами. Но нет, он никогда в жизни не покидал Францию. А картины его родились из рассказов солдат, которые служили в Мексике, и из посещений зоопарков Парижа. Для меня его работы — это еще идеальные иллюстрации к романам Габриэля Гарсиа Маркеса. А с главным героем «Любви во время чумы» они и вовсе схожи: как Руссо создал свои джунгли, не выезжая из Франции, так и Флорентино Ариса придумал себе любовь на всю жизнь, не прожив ее толком по-настоящему. Получится ли у него в 70 лет ощутить придуманные им чувства? Окажется ли реальная женщина такой же, как и образ из далекой юности? И можно ли сделать выбор, о котором не будешь жалеть в старости? Все эти вопросы и фантазийно-реальный мир Латинской Америки Маркеса обсудим на книжном клубе июня: 🟡14 июня я пришлю в отдельный чат клуба свою видео-лекцию про писателя (история главных героев, кстати, частично вдохновлена его родителями). 🟡5 июля встретимся в Москве, чтобы обсудить прочитанное. Стоимость участия в клубе 3500 руб. Это включает: — печатную книгу — видео-лекцию — встречу-обсуждение в Москве — дополнительные материалы по книге — отдельный чат с участниками клуба. Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik Посмотреть, как проходили наши прошлые встречи, можно по хештегу #книжный_клуб@discultnotes

И немного интересных историй про авангардистов. 🟧 Про художника-самоучку Нико Пиросмани ходило много легенд. Одна из них про то, как художник буквально завалил тротуар у дома французской актрисы Маргариты де Севр разнообразными цветами — сиренью, акациями, лилиями, маками, пионами, розами и т.д. Но девушку это не впечатлило и она отвергла Пиросмани. А их история потом стала вдохновением для известной песни «Миллион алых роз». Портрет Маргариты кисти Пиросмани на фото 1. 🟧 В 1932 году в СССР запретили авангард. Это, кстати, один из самых дорогих и известных направлений русского искусства. Второе такое направление — это русская икона. И интересно, что авангард «вырос» как раз из иконописи. После запрета в СССР один из представителей авангарда и ученик Малевича Иван Кудряшов не бросил это направление и не ушел в соцреализм. Он уехал в Среднюю Азию и избежал репрессий, которых, к сожалению, не избежал Александр Древин. Его расстреляли в 1938 году. 🟧 Александру Родченко очень не нравился «Черный квадрат» Малевича, он считал картину слабой вещью, а самого Малевича называл «туповато односторонним». В итоге Родченко представил серию «Черное на черном» (одна из картин серии — на фото 2), которая продемонстрировала его техническое мастерство. На одном черном цвете художник сумел отразить блеск, гладкость, жухлость, бархатистость, матовость, шероховатость. А Малевич показал одновременно с Родченко серию картин под названием «Белое на белом» (одна из них — на фото 3). 🟧 Сам Малевич много работал над психологией цвета и его влиянием на эмоциональное и физическое состояние человека. Например, он вместе с Михаилом Матюшиным красил комнату в какой-то цвет, сажал туда человека, давал ему работу и смотрел, как он будет себя чувствовать через 30 минут. В итоге художник даже научился предсказывать, через сколько у человека заболит голова или начнется кашель. 🟧 На основе своих экспериментов Малевич предложил цвет рабочей одежды для разных специальностей. Например, для врачей он рекомендовал бирюзовые халаты, так как белый, по его мнению, лишь усиливает боль. А для рабочих именно Малевич предложил оранжевый цвет, который обладает наивысшей контрастностью и обеспечивает максимальную видимость человека в любой рабочей зоне, в том числе в условиях плохой видимости. Внезапный баттл) ❤️ — если нравится больше «Черное на черном» 🔥 — если нравится больше «Белое на белом» 😁 — если авангардисты вообще не нравятся) #кто_это_нарисовал

+5

На выходных запрыгнула в последний вагон и успела на выставку «Архетипы авангарда» в Третьяковке. Кураторы наложили идеи Карла Юнга и его ученицы Кэрол Пирсон на художников-авангардистов и распредели их по 12 архетипам, от Дитя до Шута. Кстати, психоанализ и авангард в целом близки: в 1896 году мир впервые услышал про психоанализ, с 1904 года он начинает развиваться в России, а с конца 1900-х отсчитывает свою историю русский авангард. Мне такая концепция понравилось: она помогает сразу понять стиль художника и его характер. Например, примитивисты Михаил Ларионов и художник-самоучка Нико Пиросмани — это Дитя. И этот архетип отлично отражается в их наивных работах, похожих на детские рисунки. К Бунтарям отнесли представителей «Бубнового валета», которые эпатажем своей живописи и высказываний поражали всех. Казимир Малевич стопроцентный Правитель, как по влиянию на своих учеников, так и по следу, который он оставил в истории живописи. А Василия Кандинского отнесли к Мудрецу из-за его академического трактата «О духовном в искусстве» и философии о том, что каждый цвет и форма имеет свой звук, ощущения и вибрации. Но, как по мне, масштабная выставка авангарда в Русском музее, которая шла в Санкт-Петербурге до московских «Архетипов авангарда», получилась более репрезентативной и стройной. #культурный_визит

К слову про конфликт Моцарта и Сальери — конфликта как такового, скорее всего, не было, а миф о нем появился благодаря Пушкину. Во-первых, у Сальери не было причин завидовать Моцарту. При жизни Сальери был намного более популярным, с устойчивым положением при дворе, покровительством австрийского императора. Он хорошо зарабатывал, у него было много учеников, он был признанным мастером своего дела. Моцарт же постоянно был в поисках места, за каждую оперу ему приходилось прямо бороться, на его работы спроса не было, а самого композитора считали легкомысленным и ненадежным. Так что, скорее, Моцарт завидовал Сальери, а не наоборот. Во-вторых, композиторы были приятелями. Они вместе ходили в театр, хвалили произведения друг друга, у них даже есть совместное произведение. Сальери дирижировал несколькими произведениями Моцарта и после своего назначения придворным капельмейстером в 1788 году прежде всего вернул в репертуар оперу Моцарта «Свадьба Фигаро». Может быть, это было лишь маской. Тем более, про Сальери часто писали, что он ужасный интриган и строил всем соперникам козни. Но покажите мне хоть одного человека, который выжил при дворе какого угодно правителя и завоевал свое место под солнцем без козней. Откуда пошел слух про отравление Моцарта Зерно подозрений посеяли газеты, которые в некрологах писали о том, что тело Моцарта выглядело так, будто композитора отравили. Потом масла в огонь подлил сам Сальери. Уже на закате своей жизни он был в лечебнице для душевнобольных, страдал деменцией и много говорил про Моцарта. И якобы он сам и сказал, что отравил своего коллегу. Это потом опровергали как друзья Сальери, так и, предположительно, сам композитор. Этим слухом потом воспользовался наш Александр Сергеевич, который обыграл эту историю в маленькой трагедии «Моцарт и Сальери». И когда её опубликовали, Пушкина ох как критиковали. В России любили оперы Сальери, знали его творчество и задавались вопросом: а имеет ли право писатель так клеветать на композитора? Но защитников у творчества Пушкина нашлось много, а затем ещё Римский-Корсаков поставил оперу по этому произведению. В Европе, кстати, этот слух так не развивался. Там больше спорили о том, мешал ли Сальери развитию карьеры Моцарта или нет, об отравлении не говорили. Но когда в 1997 году в Италию привезли на гастроли пьесу Питера Шеффера «Амадей», поставленную опять же по маленькой трагедии Пушкина (хотя там Сальери не травит Моцарта, а сводит его в могилу кознями), то Миланская консерватория возмутилась и инициировала судебный процесс. Не против Пушкина или Шеффера, а против Сальери. В итоге композитора полностью оправдали. Но как было на самом деле — мы уже, конечно, никогда не узнаем. #история_из_истории

Эту неделю завершил #культурный_визит в театр Вахтангова, где смотрели «Амадея» в постановке Анатолия Шульева. Если кратко: ещё один потрясающий спектакль в мою личную копилку. «Амадей» рассказывает известную историю противостояния двух великих композиторов — Антонио Сальери и Вольфганга Амадея Моцарта. Первый пишет музыку, будто под линейку: все должно быть строго по правилам. Второй смело плюет на эти правила и сочиняет не так, как надо, а как он чувствует. А чувствует Моцарт себя, как рок-звезда, такой Фредди Меркьюри 18-го века (отсылки к которому в спектакле тоже есть!). Он молодой, дерзкий, наглый, ему все дается играючи. И, по словам Сальери, «он из посредственного делает легенды, а сам Сальери из легенд делает посредственное». Сложно жить с таким «коллегой», особенно если до него ты думал, что легендарные произведения делаешь как раз ты. И несмотря на всю зависть и борьбу не на жизнь, а на смерть, Сальери заканчивает спектакль очень важным монологом, который, как мне кажется, нужно услышать каждому. Посредственностью быть не страшно. Страшно не прожить свою жизнь в вечной погоне за недостижимым. Тема заявлена серьезная, но спектакль очень ироничный, веселый и музыкальный. И какие же великолепные в нем Алексей Гуськов (Сальери) и Виктор Добронравов (Моцарт)! Вот уж по-настоящему две легенды, на которых можно смотреть вечно! И вы посмотрите на видео, как они не могут решить, кому первому пойти на поклон) В общем, спектакль однозначно стоит того, чтобы его посмотреть. Но готовьтесь к ажиотажу при покупке билетов — сайт висит, а места разбирают просто моментально.

Жили бы мы с вами в 19-м веке в Париже и были бы мы богатыми буржуа, то наш четверг мог бы выглядеть так: сначала почитали в тени деревьев, потом поохотились на бабочек, а во второй половине дня можно и на лодке покататься. Все, как на картинах Берты Моризо. Моризо родилась как раз в такой буржуазной семье и могла себе позволить всю эту роскошь в будний день. Но она решила пойти дальше и выбрала себе полноценную профессию — художница. Когда ее учитель рисования узнал про это, он сказал, что идея революционная, если не катастрофическая. Но семья Моризо особо не противилась, возможно, вспоминая, что они были потомками известного художника эпохи рококо Жана-Оноре Фрагонара. Моризо начинала с акварелей, потом примкнула к импрессионистам, и на первой их выставке в Париже она была единственной женщиной среди всех художников. Забавен отзыв об этой выставке одного парижского критика: Импрессионисты состоят из пяти или шести сумасшедших, один из которых — женщина, чья женская грация сохраняется среди излияний безумного ума. В общем, лучик света в темном царстве) Среди импрессионистов Берта нашла не только свой стиль и призвание, но и партнера. Сначала она познакомилась с Эдуардом Мане, который был ее хорошим другом, а затем вышла замуж за его брата Эжена. Кстати, Берта довольно часто появляется на портретах Эдуарда Мане. На фото 1 как раз одна из таких работ. #кто_это_нарисовал

Книжный клуб июня — «Любовь во время чумы», Габриэль Гарсиа Маркес Эту книгу Маркес написал за два года, когда он был «почти полностью счастлив», и уже будучи лауреатом Нобелевской премии по литературе. Возможно, это ощущение счастья и позволило автору написать книгу про любовь и самые разные ее проявления. Но многие наоборот называют этот роман анти love story — не зря ведь Маркес сравнивает это чувство с чумой. Любовь ли это, когда тебя отвергают, а ты ждешь больше 50 лет? Будет ли человек, который любит, регулярно изменять? Остается ли хоть что-то в браке, который продлился всю жизнь, кроме привычки? И есть ли все-таки шанс найти ту самую любовь, даже когда тебе 70 лет? Посмотрим, что думает об этом Маркес и его герои, и потом сравним с нашими точками зрения. Даты встреч: 🟠14 июня, воскресенье — первая встреча-лекция. Я расскажу про жизнь Маркеса и истории из его жизни, которые легли в основу этой книги. Будет видео-запись этой лекции, поэтому если вы не сможете быть, то я пришлю запись. 🟠5 июля, воскресенье — вторая встреча-обсуждение. В этот раз у нас будет 3 недели на чтение, так как книга объемнее, чем обычно (544 страницы). Стоимость участия в клубе: 3500 руб. Это включает печатную книгу, две встречи в Москве, дополнительные материалы по книге и отдельный чат с участниками клуба. Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik Посмотреть, как проходили наши прошлые встречи, можно по хештегу #книжный_клуб@discultnotes

В 1909 году в Париже гремели «Русские сезоны» Дягилева. И одна из главных звезд — балерина Анна Павлова. Афиша Валентина Серова, где Павлова изображена в роли Сильфиды (фото 2), была визитной карточкой русского балета в Париже. И вдруг неожиданная новость — Павлова покидает Париж, «Русские сезоны» и уезжает в США, а потом в Лондон. Балерина променяла высокое искусство на выступления в мюзик-холлах, где вместе с ней на сцену выходили жонглеры и дрессированные собачки. Были и «корпоративы»: Павлова выступала на частных вечеринках, в ресторанах, выпрыгивала по заказу из букетов с розами. Поведение похоже на звезд, имена которых когда-то гремели. Но это не случай Павловой — она-то была как раз на пике карьеры и славы. Зачем же тогда это нужно было Павловой? Балерина проработала так около двух лет и заработала очень большие деньги: например, за одно выпрыгивание из букета роз Павловой платили около 1 млн современных рублей. И после зарубежного турне Павлова возвращается в Санкт-Петербург и все тратит. Но не на себя. В то время, пока Павлова танцевала в «Русских сезонах» в Париже, в Санкт-Петербурге арестовали за растрату и коррупцию русского чиновника и барона Виктора Дандре. На заре карьеры молодой Павловой он был ее покровителем, снимал для нее роскошную квартиру с собственным танцевальным залом. Балерина все надеялась, что он сделает ей предложение — но как барону жениться на незаконнорожденной девочке. На этом они и расстались. И вот суд над Дандре. Чтобы ему выйти на свободу, нужно было заплатить 36 000 рублей залога. Это примерно 36 млн руб. на сегодня. Ни у самого барона, ни у его родственников и друзей таких денег не оказалось. Но их заработала для него Павлова, выпрыгивая из тех самых букетов роз в США и Англии. Благодаря внесенному ей залогу барона отпустили на свободу. В России ни Павлова, ни Дандре надолго не задержались. Балерина уехала почти сразу работать дальше, а Дандре присоединился к ней чуть позже: ему нужно было подготовить поддельные документы, чтобы выехать из страны (у него была подписка о невыезде). В Европе они тайно поженились. Но Павлова сказала сразу, что останется Павловой: ведь что значит титул и фамилия Дандре, когда ее имя гремит по всей планете. В итоге, он стал ее импресарио, они прожили вместе до конца ее дней, объехали с гастролями весь мир и показывали балет в самых забытых Богом уголках земли. #история_из_истории

+4

Художник, в чьих работах как нельзя лучше отразилась дата 1 июня, начало лета и День защиты детей, — Хоакин Соролья. Очень нравятся его работы. Такие они теплые, светлые, жизнерадостные. И даже будто живые: кажется, что и брызги моря где-то рядом, и тепло от солнца, и детский смех. #кто_это_нарисовал

+1

В пятницу у меня был #культурный_визит на удивительный спектакль — «Рождество в доме Купьелло». Он такой простой, а сюжеты в нем такие знакомые. Но это только плюс, и, возможно, благодаря именно этому получается максимально отдохнуть и одновременно полностью прожить все вместе с героями. Повествование крутится вокруг семьи Купьелло. Они готовятся к празднованию Рождества — дню, когда все собираются вместе и то ли по-настоящему объединяются, то ли просто объедаются (тут уж, видимо, как придется). И за это небольшое время проносится множество ситуаций из жизни обычной семьи: фразы «это все твое воспитание», планы разойтись по несколько раз в день, родительские манипуляции болезнью, детские угрозы уйти из дома и известное женское многозначительное «ничего» на вопрос о том, что случилось. В каждой сцене тот или иной зритель узнает себя и своих близких, посмотрит со стороны и от всей души посмеется. И несмотря на то, что спектакль заканчивается грустно, после него чувствуется какое-то невероятное воодушевление, лишь теплая грусть и понимание: можно ругаться, беситься, раздражаться, но эти люди все равно любят тебя. Каждый по-своему, каждый, как умеет. Это раз. А второе — каждому из них важно чувствовать и себя любимым и принятым что ли. И это может проявляться по-разному: от утвердительного ответа на вопрос «нравится ли тебе моя игрушка?» до возможности просто быть собой или быть рядом. И отдельно отмечу просто потрясающий слом четвертой стены между актерами и зрителями. Актеры встречают всех у входа и предлагают поиграть в верю-не верю, сделать поделку или повесить гирлянду в доме. А во время спектакля они все время взаимодействуют с залом и даже приглашают на сцену поиграть (или вернее прожить) отдельные моменты. Очень классно!