Арт-консультант

В Дохе открылась первая ярмарка Art Basel Qatar В отличие от других выпусков Art Basel все галереи-участники представили сольные проекты художников, отказавшись от традиционных стендов со смешанными экспозициями. Например, саудовская галерея ATHR демонстрирует посвященную Мекке серию фоторабот Ахмета Матеру, а итальянская Cardi — подвесную инсталляцию Янниса Кунеллиса. Куратором Art Basel Qatar стал египтянин Ваэль Шоуки. Тема ярмарки звучит как «Становление» (Becoming). Она проходит на двух площадках — M7 и Doha Design District — и объединяет 87 международных галерей. Для сравнения: в прошлом году Art Basel Paris собрала 206 галерей, Art Basel Miami Beach — 283. В Катаре же акцент сделан не на количестве участников, а на возможности погрузиться в искусство каждого из них. На ярмарке показаны работы 84 художников, более половины которых представляют регион MENASA (Ближний Восток, Северную Африку и Южную Азию). На стендах можно найти работы и знаменитостей, таких как Жан-Мишель Баскиа и Пабло Пикассо, и менее известных, но узнаваемых авторов вроде палестинского художника Хазема Харба. Первый день предпоказа Art Basel Qatar был отдан Эмиру Катара шейху Тамиму бин Хамаду Аль Тани, его семье и близкому кругу, второй — VIP-коллекционерам. Вопреки ожиданиям ярмарка пока не обнародовала данных о крупных продажах, хотя главным потенциальным покупателем выступал фонд Qatar Museums, заранее забронировавший ключевые лоты — например, картину Марлен Дюма за $10 млн и все работы Ольги де Амараль стоимостью от $600 тыс. до $2 млн. Эти произведения должны перейти в коллекцию будущего музея современного искусства Art Mill, открытие которого запланировано на 2030 год. Такая расстановка приоритетов и закрытость сделок вызвали недовольство у частных коллекционеров.

+3

Два проекта, в которых туфли стали памятником женщинам, пострадавшим от террора и насилия ▫️ Лиля Ким «Хроники холода», 2020 Холод в системе ГУЛАГа выступал не просто климатическим условием, но осознанным фактором системного подавления. Скупые визуальные и документальные свидетельства пребывания женщин-узниц в промерзшей степи Карлага транслируют запредельный, экзистенциальный уровень страдания. В данной инсталляции снег используется как ключевой художественный материал, манифестирующий предельную хрупкость и уязвимость человеческой жизни. Центральный образ — женские туфли, артефакт, выступающий мощным символом «перевернутого мира» и насильственного нарушения привычного уклада бытия. Этот объект-метафора взывает к коллективной памяти, актуализируя тему беззащитности человека перед лицом государственной машины террора. Работа стремится вернуть из небытия голоса тех, чьи судьбы были стерты безжалостной системой и пронзительным холодом степи. ▫️Мексиканская художница Элина Шове «Красные туфли» Проект представляет собой городской маршрут, состоящий из множества пар красных или окрашенных в красный цвет туфель, в память о многочисленных случаях насилия в отношении женщин по всему миру. Впервые работа была реализована в Сьюдад-Хуаресе, пограничном городе между Мексикой и США, где впервые было использовано выражение «фемицид». С 1993 года сотни женщин были похищены, изнасилованы и затем убиты. Точное число жертв неизвестно, власти никогда всерьез не рассматривали эту проблему, скрывая правду и не добиваясь справедливости для убитых женщин или их семей. Murmure - про женщин в искусстве

Не нашла душевных сил доехать до Фабрики в ее 21-й день рождения (фото не мое) К сожалению, когда все вокруг пали под натиском — смешно сказать, — хрупкого благополучия , — Фабрика оставалась маргинальна, а потому свободна (или vica versa) Не имею информации, сколько довелось «институции года» по версии Cosmoscow простоять, но, возможно, счет идет на месяцы. Какое-то время назад было объявлено о сносе кластера 👉 почему этот кластер особенный? Говорят художники: Юрий Альберт, Хаим Сокол, Андрей Кузькин, Алексей Булдаков, Стас Шурипа и Анна Титова, Сергей Катран, Марина Звягинцева, Мика Плутицкая, Елизавета Коновалова, Марина Фоменко, Вероника Актанова Читать материал на сайте

+6

Лестницы в искусстве В классическом искусстве лестница часто символизирует трансформацию, просвещение, духовный рост (Рембрандт) У романтиков — меланхолию и переходное состояние (Каспар Давид Фридрих) У авангардистов — движение (Эйзенштейн, Родченко, Дюшан) В послевоенном искусстве указывает на ирреальное (Эшер) и бессознательное (Бэкон) А у художниц феминисток лестница, упирается в стеклянный потолок — метафора, описывающая невидимые барьеры Лестница — очень частый образ в кино. Потемкинская лестница, а точнее коляска, летящая вниз по ступеням — самый цитируемый момент в массовой культуре («Броненосец Потемкин»), лестницы были в фильмах «Шоу Трумана» (1998) и «Великая красота» (2013). Наконец, ступени — эффектный элемент декораций в театре. - Рембрандт «Философ в раздумье» (1632) - Каспар Давид Фридрих «Женщина на лестнице» (1825) - Дюшан «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» (1912) - Александр Родченко «Лестница» (1929) - Эшер «Относительность» (1953) - Фрэнсис Бэкон «Портрет мужчины, спускающегося по лестнице» (1972) - До Хо Су «Лестница-3», 2010.

+5

Что может меня побудить, когда стоят такие погоды, сунуть нос из своей башни из слоновой кости? И не куда-то, а на открытие в cube moscow, что на -2 этаже отеля Карлтон, то есть в помещение бывшей парковки, где вернисажная толпа сгрудилась и жужжит как надоедливый рой? Причина веская — персональная выставка Семена Агроскина «Лестница» в корнере In Gallery. В таком контексте особенно символично, что центральный образ представленных работ — лестница, как символ движения вверх, эскапизма. Лестница в Библии соединяет землю и небо. Кабаков часто использовал этот мотив, когда человек стремится встретиться с ангелом, воспарить. Агроскин — очень ценимый мною художник, чью живопись воспринимаешь на равных с классиками. Не только у Кабакова, мотив лестницы присутствовал у Брейгеля, у Ребрандта, у Каспара Давида Фридриха, у Бэкона и у многих других. Совсем другой масштаб художественной дискуссии. По образованию Агроскин архитектор, но как художник много лет назад влюбил меня в свою живопись. В его картинах простые, даже банальные вещи: табуретки, двери, лестницы, изображенные в приглушенных тонах, обретают свойства феноменального, открывают тайны мироздания. На выставке представлены и винтовые лестницы, и деревянные, и ступени подземных переходов. Скользишь по ним взглядом, словно находишься внутри инсталляции, а именно собственного подсознания. Художник говорит: «Меня интересует не лестница как объект, а то напряжение, которое возникает в человеке, когда он делает шаг вверх, не видя вершины». Куратор Екатерина Сысоева продолжает: «Для Агроскина, лестница становится универсальным языком, на котором говорят о самом главном: о движении, цели и самом процессе пути. В его работах ступени часто лишены начала или конца, уходя в бесконечность или обрываясь в пустоте. Это визуальная метафора процесса познания, где каждая новая ступень - это обретённое знание, которое одновременно является и новой загадкой. Художник предлагает задуматься: есть ли вершина у познания, или сам путь и есть цель?» Работы Семёна Агроскина (р.1961) в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного Эрмитажа, Московского музея современного искусства, В Министерстве культуры России, Союзе художников России, Музее современного искусства Zimmerly museum, США. 📍 до 1-го марта ул. Тверская, 3 Арт-консультант

А вот вашему вниманию, как такой бытовой предмет, как терка, переосмыслила британская художница палестинского происхождения Мона Хатум, превратив его в ширму. Из привычного предмета возникает острая, как бритва, враждебная поверхность. Но в ней все равно ощущается нечто мазохистски завораживающее? Противоречие и конфликт заложены уже в самом объекте. Мона Хатум родилась в 1952 году в Бейруте (Ливан) в семье палестинцев из Хайфы. В 1975 году запланированная короткая поездка в Лондон превратилась в многолетнее изгнание: из-за начала гражданской войны в Ливане она вынуждена была остаться в Англии, вдали от семьи. Хатум работает с перформансом, инсталляцией и скульптурой, исследуя темы расы, гендера и уязвимости, обусловленной личным опытом перемещения в другую культуру. Murmure — про женщин в искусстве

+2

Оказалось в фонде Prada в октябре 2023 - феврале 2024 была целая выставка, посвященная истории ширмы в искусстве от XVII до XXI века Не только восточные и европейские, но ширмы модернистов и современных художников — Моны Хатум, Дэвида Хокни, Ива Кляйна, Ле Корбюзье, Сола Левитта, Рене Магритта, Криса Офейли, Пабло Пикассо, Ман Рэя, Эда Руши, Сая Твомбли! «Живопись или скульптура? Искусство или мебель? Утилитарный или декоративный? Декоративный, функциональный, архитектурный или театральный? Эта новаторская выставка исследует множество вопросов и парадоксов, окружающих разворачивающуюся историю ширмы. История складной ширмы — это история культурной миграции (с Востока на Запад), гибридизации, а также того, что скрыто и открыто. Как мы увидим, эта история, и особенно то, как она проявляется в настоящее время, — это история пограничных объектов и самой пограничности, разрушающие жесткие границы и иерархии между искусством и архитектурой, декором и дизайном». Надеюсь, никого не призову переключиться с наличников на ширмы 🙈 на ярмарках последних лет их было полно. А вот ширмы только Рожкову помню.

Как элегантно просить денег! (на заметку художникам, которые с завидной регулярностью просят у меня денег или говорят отдадут картинками) Мастер-класс от Антона Павловича Чехова, который родился в этот день 29 января: «Недавно я вернулся из Святых гор, где при мне было около 15 000 богомольцев. Вообще впечатлений и материала масса, и я не раскаиваюсь, что потратил 1 + 1/2 месяца на поездку. Отвратительно и гнусно только одно: безденежье, отравлявшее мне всякое удовольствие. Завтра я еду и вернусь в Москву без копейки. Придется прибегнуть к займу. Возьму у всех понемножку. Вы тоже сделаете мне великое одолжение, если сейчас же по получении сего письма пошлете на мое имя в Воскресенск Московской губ. рублей сорок на "первое обзаведение", а я Вам тотчас же по приезде пришлю рассказов и возблагодарю небо за то, что оно дало нам такого великодушного редактора. Гол я, как сокол; в поездке истрепался, обносился, запачкался даже» Письма Антона Павловича прекрасны, вот здесь можно почитать

+1

Любуюсь ширмами Кати Рожковой, одной из моих любимых художниц. Как и почти все, кто мне в искусстве нравятся, и кто, похвастаюсь, есть и в моей скромной коллекции, ее искусство отличается своей непохожестью. Толпы современных художников движутся по общим траекториям, темам, трендам в искусстве, как спутники на орбите нашего времени. Катя Рожкова одиноко взирает со стороны, независимая. Непохожая. Если ее искусство и ведет диалог, то с другими эпохами, стилями, культурами, сущностями иного порядка. Между нами, я называю ее Маг. Потому что серьезно побаиваюсь потусторонних сил ее искусства. Смотрю на эти ширмы и испытываю приятное наваждение. Какому времени или культуре их атрибутировать? Они отсылают к изящности стиля Модерн, искусным маркетри. И я словно переместилась на 100 лет назад, с Эркюлем Пуаро в вагоне-ресторане Ориент-экспресса мчусь сквозь Альпы? Или может быть я погружаюсь в свои воспоминания о Японии? Кстати, это не случайно, Катя жила в Японии в 1990-х. А звери — заяц, лис, журавли, словно с иллюстраций русских-народных сказок? Они живые, куда-то идут по своим магическим делам, и ширма, как стоп-кадр, рамка в которой они вдруг проявились в нашей реальности? Присмотревшись, понимаешь ничего подобного — ширмы современные. Художница ничего и никого не имитирует, не заимствует, не копирует, не стилизует, а создает новое, свое и нигде подобного мы видеть не могли. И всякий раз, чтобы она ни делала, сразу узнаешь - о это Катя Рожкова. В галерее Тираж 1/1 в Москве до 6 февраля проходит ее персональная выставка.

Сегодня 30 лет с дня смерти Бродского. Всегда полезно перечитать его Нобелевскую речь и подумать, что есть искусство (в широком смысле) и зачем оно нам! «Если искусство чему-то и учит (и художника -- в первую голову), то именно частности человеческого существования. Будучи наиболее древней -- и наиболее буквальной -- формой частного предпринимательства, оно вольно или невольно поощряет в человеке именно его ощущение индивидуальности, уникальности, отдельности -- превращая его из общественного животного в личность. Многое можно разделить: хлеб, ложе, убеждения, возлюбленную -- но не стихотворение, скажем, Райнера Марии Рильке. Произведения искусства, литературы в особенности и стихотворение в частности обращаются к человеку тет-а-тет, вступая с ним в прямые, без посредников, отношения. За это-то и недолюбливают искусство вообще, литературу в особенности и поэзию в частности ревнители всеобщего блага, повелители масс, глашатаи исторической необходимости. Независимо от того, является человек писателем или читателем, задача его состоит в том, чтобы прожить свою собственную, а не навязанную или предписанную извне, даже самым благородным образом выглядящую жизнь. Ибо она у каждого из нас только одна, и мы хорошо знаем, чем все это кончается. Было бы досаднно израсходовать этот единственный шанс на повторение чужой внешности, чужого опыта, на тавтологию -- тем более обидно, что глашатаи исторической необходимости, по чьему наущению человек на тавтологию эту готов согласиться, в гроб с ним вместе не лягут и спасибо не скажут. Философия государства, его этика, не говоря уже о его эстетике -- всегда "вчера"; язык, литература -- всегда "сегодня" и часто -- особенно в случае ортодоксальности той или иной системы -- даже и "завтра". Одна из заслуг литературы и состоит в том, что она помогает человеку уточнить время его существования, отличить себя в толпе как предшественников, так и себе подобных, избежать тавтологии, то есть участи, известной иначе под почетным названием "жертвы истории". Искуство вообще и литература в частности тем и замечательно, тем и отличается от жизни, что всегда бежит повторения. В обыденной жизни вы можете рассказать один и тот же анекдот трижды и трижды, вызвав смех, оказаться душою общества. В искусстве подобная форма поведения именуется "клише". Искусство есть орудие безоткатное, и развитие его определяется не индивидуальностью художника, но динамикой и логикой самого материала, предыдущей историей средств, требующих найти (или подсказывающих) всякий раз качественно новое эстетическое решение. Обладающее собственной генеалогией, динамикой, логикой и будущим, искусство не синонимично, но, в лучшем случае, параллельно истории, и способом его существования является создание всякий раз новой эстетической реальности. Эстетический выбор всегда индивидуален, и эстетическое переживание -- всегда переживание частное. Всякая новая эстетическая реальность делает человека, ее переживаюшего, лицом еще более частным, и частность эта, обретающая порою форму литературного (или какого-либо другого) вкуса, уже сама по себе может оказаться если не гарантией, то хотя бы формой защиты от порабощения. Ибо человек со вкусом, в частности литературным, менее восприимчив к повторам и ритмическим заклинаниям, свойственным любой форме политической демагогии. Дело не столько в том, что добродетель не является гарантией шедевра, сколько в том, что зло, особенно политическое, всегда плохой стилист. Чем богаче эстетический опыт индивидуума, чем тверже его вкус, тем четче его нравственный выбор, тем он свободнее -- хотя, возможно, и не счастливее». ✍️ Текст полностью

До Исламской революции 1979 года Иран почти полвека являлся светским государством. В искусстве национальные художественные традиции переплетались с западными веяниями. С 1958 по 1966 в Тегеране проводилась своя биеннале искусств, а в 1977 году был открыт Тегеранский музей современного искусства. С конца 2025 иранцы массово выходят с протестами против существующего режима. Происходящее там остается неопределенным. Иранские художницы, живущие зарубежом, играют важную роль в привлечении внимания к ситуации, подвергая критике социальное и политическое устройство. Какое оно независимое современное искусство Ирана? Написала в murmure на примере шести наиболее известных иранских художниц Монир Шахруди Фарманфармаян, Ширазе Хушьяри,Ширин Нешат, Парастоу Форухар, Ньюша Тавакольян, Сохейла Соханвари https://murmure.space/iranian-women-artists

О «Кабинете» Ани Жёлудь В 2009 году в одном плесневелом петербургском дворе появилась вывеска «Кабинет “Люда”: урология, гинекология, УЗИ-диагностика». Тогда же в районной газете среди пёстрой рекламы салонов красоты, зоотоваров, копицентров и адвокатских контор напечатали чёрно-белый рисунок — якобы интерьер новой частной клиники, с капельницей, кушеткой и аппаратом УЗИ. Но пациенты, приходившие по объявлению, попадали не на осмотр, а в галерею и получали возможность увидеть инсталляцию художницы Ани Жёлудь — «Схему пространства №11. Кабинет», созданную специально для галереи «Люда». Годом ранее основатель «Люды» художник Пётр Белый уговорил свою знакомую, женщину деловую, в достатке, пожертвовать один из пустующих офисов, которыми она владела, для выставочной деятельности. Так и появилась галерея. Стерильность и белизна помещения идеально подходили для стройных металлических конструкций Ани Жёлудь и вдохновили художницу создать в стенах «Люды» медицинский «Кабинет». Как отмечала сама Жёлудь, проект был посвящён вниманию и бдительности граждан и ориентирован на людей, попавших на территорию современного искусства случайно, втянутых туда «обманным» путём. Задумавшись о зрителе и его вовлечённости в художественный процесс, Жёлудь открыла «Кабинет» и пришла к выводу: «Художники творят не ради друг друга. Считать художника своим зрителем — заблуждение! Не принадлежащее народу искусство все-таки его интересует хотя бы на уровне простого любопытства». Инсталляция «Кабинет» воссоздана в стенах МАММ. Её и другие работы художницы можно увидеть на выставке «Вдох выдох».

+1

Листаю издание проекта «НИИ Архив» Винзавода к выставке «Это было со мной». В ней куратор Виктор Мизиано предложил поговорить об архиве нематериальном — воспоминаниях художников связанных с ЦСИ. Художники создали проекты, которые были вдохновлены какими-то прошедшими выставками или случаями на Винзаводе — достаточно необычный ход, оправдывающий статус Мизиано, как одного из самых концептуальных кураторов. Издание бесед куратора Мизиано с художниками об их становлении, пояснения экспозиционных решений, таким образом, становится важным и закономерным продолжением выставки. Эти воспоминания, сквозь годы и проекты, словно пунктирные линии, контурные карты истории современного искусства России, на пересечении которых находится Винзавод. Беседу с каждым Мизиано начинает с того, как они попали в арт-среду, что запомнили. Разумеется, не для всех дебютом был Винзавод. Тем более, что не все художники участники выставки — москвичи. Так что книгу можно порекомендовать как художникам в начале пути, так и студентам искусствоведам / кураторам / арт-менеджерам, чтобы лучше понять институциональное становление российской арт-среды. Ещё одна ценность в том, что Мизиано знает, какие вопросы задать, в каждом есть его личные ремарки об интервьюируемом, очень важные пояснения. Особенно если вас интересует творчество обозначенных на фото с оглавлением художников, также рекомендую к прочтению. В общем, книга нужная, спасибо Винзавод за подарок. Купить можно тут: https://store.winzavod.ru/

С завтрашнего дня выставка «Детство Марго» совместный проект murmure.space и Музея Михаила Булгакова перестанет существовать как экспозиционный нарратив, но останется в прекрасных текстах профессионалов (кстати все они женщины) откликнувшиеся на разговор о Маргарите благодаря нашей выставке. Газета Культура: Лебедь, стразы и шуба: в «нехорошей квартире» открылась выставка «Детство Марго» Ксения Воротынцева: Выставка «Детство Марго» готовилась полтора года, и ее главным героем стал вовсе не Михаил Булгаков — а та, без которой не было бы его знаменитого романа. Первая комната, куда попадает зритель, представляет работы Лизы Артамоновой, обратившейся к образу Маргариты, но не пожелавшей иллюстрировать роман «в лоб». На стенах, окрашенных в черный, стразами выложено лицо девочки; мерцают блики от подвешенного к потолку диско-шара. Это пространство — таинственная ночь, где возможны любые фантасмагории, вроде трехглавого керамического лебедя. Его образ по мысли художницы стал отсылкой к Михаилу Булгакову: на одной из графических работ мы видим встречу диковинной птицы и Маргариты — и вспоминаем легенду о Рыцаре Лебедя, воплощенную в Лоэнгрине. Работы других художниц аккуратно встроены в постоянную экспозицию «нехорошей квартиры»: этикетки неброские и незаметные, так что граница между правдой и вымыслом становится совсем прозрачной. Белые батистовые платья, созданные арт-группой «Штопка» (Наталья Топорова и Татьяна Маркина), парят под кухонным потолком, символизируя чистоту и невинность детства и одновременно напоминая саван. На шкафу притаился их же гигантский мишка, весь обмотанный нитками, — забытая детская игрушка, которая — как бывает в воспоминаниях — искажается, превращается в загадочное видение, химеру. Художница Мари Сокол представила видеоинсталляцию «Шифоньер», включающую в себя черное платье 1920-х с нашитым на нем кружевом шантильи — лишенное владелицы, оно кажется призраком, пустой оболочкой. Наконец, графика Марии Читаевой — дымчатая, потусторонняя, напоминающая по настроению работы Василия Чекрыгина, — воплощает в себе сам дух «нехорошей квартиры». И показывает, что совершенно бытовые вещи — а вместо листов художница использует старые обои — таят в себе немало странного и удивительного. Российская газета: «Детство Марго». Как в "нехорошей квартире" пытаются услышать голос Маргариты Дарья Валиахметова: Объекты расселены по всей квартире, как если бы память рассыпалась по закоулкам дома. Куратор Екатерина Карцева вместе с командой решила вписать часть работ в постоянную экспозицию, чтобы посетитель чувствовал себя не просто наблюдателем, а участником тихого поиска. Видеоинсталляция "Шифоньер" Мари Сокол раскрывает внутренний мир Маргариты через предметы эпохи. Подлинное платье 1920-х и старинный фокстрот на пластинке становятся порталом в атмосферу, в которой музыка и ткань рассказывают больше, чем слова. Коммерсант Weekend: В Музее Михаила Булгакова открылась выставка о взрослении Маргариты Анна Черникова: В кухне на шкаф взгромоздился огромный игрушечный медведь, а оконный проем украшают платья по моде начала XX века, но из белой невесомой ткани — они словно стремятся вылететь прочь, вслед за повзрослевшей обладательницей. Со стен и из углов комнаты, с подоконника и пианино на посетителей смотрят образы, созданные художницей и поэтессой Марией Читаевой во время сеанса автоматического (интуитивного) рисования. Тут Мастер, Маргарита, может быть, Воланд. В соседнем пространстве на куске старых обоев — Иван Бездомный. Рядом видеоарт от Марии Читаевой — попытка вжиться в образ самой женственной булгаковской героини. Литературная газета: «Детство Марго» в «нехорошей квартире» «В этом году мы много говорим о Елене Сергеевне — третьей жене Булгакова, его музе и одной из главных прототипов Маргариты. На выставке «Детство Марго» мы анализируем творческий замысел писателя и размышляем о природе образа Маргариты — Иван Назаров, заместитель директора Музея Михаила Булгакова, к.ф.н. 📸 - «Платяной шкаф Маргариты» (Арт-группа «Штопка») - Мария Читаева и ее «Мастер» Murmure — про женщин в искусстве

+6

Подборка инсталляций с растениями В двух словах, популярность растений в современном искусстве в последние годы обусловлена несколькими мотивами: экологический / постпандемийный / киберфеминистский ▫️ Рэйчел Юн (р.1994) растения - соавторы кинетических скульптур. Концепция мира, где все живое, в т.ч. растения и люди занимают планету на равных основаниях. ▫️ «Гранада» (2022 г.) художник Альваро Урбано (р.1983) Вымышленная встреча архитектора Луиса Баррагана и поэта Федерико Гарсиа Лорки, в форме сада из растений, которые Альваро нашел в стихах поэта и в садах архитектора. ▫️ 2292 фикуса наслаждаются струнным квартетом Пуччини в опере Барселоны. Первое выступление после снятия карантина Covid-19 (2021 год) ▫️ Австриец Клаусс Литман (р.1951) посадил 300 деревьев на футбольном стадионе в Клагенфурте (Австрия) — воссозданный кусочек типичного центрально европейского леса как способ привлечь внимание к исчезновению лесов (2019) ▫️Артем Филатов и Алексей Корси «Сад им.» на территории крематория в Нижнем можно вспомнить о смерти, посидев среди растений и послушав саунд-инсталляцию. ▫️Фрагмент инсталляции «Драгоценности» про блокаду Ленинграда. Выставка Послебеды, МЦ Площадь Мира, Красноярск, 2010. Куратор: Оксана Будулак. На подиуме-«грядке» покрытой сусальным золотом, разложены капусты. Сюжет подсмотрен на архивном фото капустных огородов, которые были разбиты у Исаакиевского собора в Петербурге во время блокады ▫️Инсталляция «Шеренга» художница Наталья Балабанова в моем кураторском проекте Неустойчивые равновесия 2017 г. Оперируя принципом построения в шеренгу по росту (как признаку силы в живой природе) растения собраны в разных местах и выстроены вдоль стены. На фото: сидит мой маленький сыночек 💚 ▫️ Пальмы в гамаках - международная биеннале young art в ммома 2016 год. художники отказались от апокалиптического и утопического видения современности, осознав мир как «множественность состояний и позиций» Ну и раз такое дело, похожие подборки: Помойки в искусстве Арт-проекты с кладбищами и мемориалами Наслаждайтесь 🙂

Художница, автор инсталляции «Прорастание» (проросла на время в открытых студиях Винзавода) Анна Лапшинова дала развернутый ответ насчет полива растений. А то я озадачилась. Теперь за цветочки спокойна ))) К слову, инсталляции с растениями я люблю, сделать сюда мою подборку? ❤️ - да 🤔 - ну не знаю Но, почему-то у меня растения вечно погибают 😓 я просто маньяк-уничтожитель всего зеленого. Вот если бы какой музей сделал мастер-класс по уходу за растениями, здорово же было бы - идею дарю )

Не могу заснуть размышляя, как же поливаются растения в инсталляции Анны Лапшиновой 💡 параллельно вспоминаю инсталляции с растениями (у меня целая папка на самом деле, ведь я кроме прочего чуток работала в павильоне Цветоводство на ВДНХ и вообще инсталляции с комнатными растениями — мой фетиш. Можете насладиться работами Рэйчел Юн из Южной Кореи. (Персона не бинарная, поэтому не знаю как корректно об них говорить). Но растения вытворяют такое! (пляшут, музицируют, даже в сауне сидят — постапокалиптично и никаких человеков) Сайт

+2

Подсматриваю за рабочим процессом Открытых студий Винзавода. 13-й сезон неожиданно живописный! В воздухе витает характерный запах масла. Другие медиумы тоже присутствуют, но пока рабочий процесс в активной фазе, пространство напоминает лоскутное одеяло холстов разных оттенков — от дофаминово-весёлых до мрачно-хтонических и сочно-травяных. Результаты увидим на итоговой выставке весной. Но на втором этаже вчера открылась промежуточная инсталляция Анны Лапшиновой «Прорастание». Она, напротив, дымчатая и полупрозрачная, как цвет года Pantone. В интерьере, обтянутом прозрачной материей, проступает приглушённая зелень растений. Рехаб для души. Объекты Анны часто светятся, как волшебный фонарик. Их свечение и приглушенные тона гармонизируют и успокаивают. Предчувствие ужасного уже перестало быть актуальным художественным высказыванием — кошмар воплотился наяву. Художница исследует хрупкость понятия дом — тема также не новая и более чем животрепещущая. Но в отличие от других высказываний, ее инсталляция заполняет одиночество и пустоту чувством комфорта и безмятежности. Хочется прилечь отдохнуть. А в следующем месяце на втором этаже обещают показать кого-то другого из резидентов. “Открытые студии” стратегическое направление Винзавод.Новые имена с 2017 года. Проект объединяет принципы мастерской, резиденции и арт-школы.

Отвлеку вас? Уже раз 10 посмотрела это короткое видео, снятое сотрудницей музея Площадь Мира в Красноярске, просто в ее рабочем кабинете! Я / Мы хотели бы в такой красоте работать? (Уточнение там -40 сейчас, но это не важно?) Надеюсь, видео заряжено, на мой приезд в Красноярск в 2026

«Я ПОСЛЕДНЯЯ ПЯТИЛЕТКА. НОВОЕ ИСКУССТВО КАЗАНИ» Вышла книга с вступительной статьей арт-критика Сергея Гуськова. Как мне нравится его стиль, ясностью мысли, без всех этих псевдо искусствоведческих нагромождений и пафоса самолюбования. 👉 Читаем