(не)Культурные заметки Ди

Одна из историй в жизни Шагала, которая меня очень тронула, — это история про 27 рублей от отца будущего художника. Возможно, если бы не они, мы бы не говорили сегодня про Шагала. В 1906 году Моисею (настоящее имя Марка) Шагалу 20 лет. Он уже получил какие-то базовые навыки рисования в художественной школе витебского живописца Юделя Пэна, но хотелось большего, и нужно было двигаться дальше. А дальше — Санкт-Петербург. Вот только не так то просто было Шагалу взять и поехать в столицу. Во-первых, черта оседлости, которая не позволяла евреям свободно перемещаться по Российской империи. Во-вторых, материальное положение семьи. Отец торговал сельдью и получал за это 20 рублей в месяц, а мать продавала бакалею. В целом это была неплохая зарплата для того времени и выше среднего заработка обычного рабочего. Как вспоминает сам Шагал: На столе у нас всегда было вдоволь масла и сыра. Вообще в детстве я не выпускал из рук кусок хлеба с маслом, этот извечный символ достатка. Но хватало ли этих 20 рублей на семью с 9 детьми и 2 взрослыми? Родители, конечно, хотели для Моисея хорошую работу, но юноша настаивал на рисовании. Ни отец, ни мать не понимали этого стремления. Но и мешать не стали. И когда встал вопрос о поездке в Петербург, отец просто швырнул сыну 27 рублей на пол и сказал больше не просить у него денег. Вот как вспоминает это Шагал: Слезы и гордость душили меня, когда я подбирал с пола деньги, — отец швырнул их под стол. (Обижаться нечего — такая уж у него манера.) Ползал и подбирал. И вот, ползая под столом, я вдруг представил, как буду сидеть по вечерам голодный, среди сытых людей. У всех всего в достатке, и только мне, несчастному, негде жить и нечего есть. Не лучше ли так и остаться под столом? На отцовские расспросы я, заикаясь, отвечал, что хочу поступить в школу и-искусств... Может показаться, что отец поступил довольно жестко. Но дело в том, что он отдал сыну все последние деньги, которые у него оставались на то время. «Это все, что я могу наскрести», — сказал отец Моисею. Потом он еще достанет через знакомых временное разрешение для своего сына на поездку в Санкт-Петербург. И вот Шагал в Петербурге. Дальше учеба, стипендия и первая поездка в Париж и много-много еще ярких моментов, которые сделали Шагала Шагалом. А все началось с 27 рублей и злого отца, который, несмотря на все свои эмоции, был готов сделать очень многое для своего сына. P.S. На фото картина Марка Шагала «Отец» 1911 года.

+5

На днях мне улыбнулась удача (обычно никогда на такое не попадаю), и я поймала один билет на выставку «Марк Шагал. Радость земного притяжения». Этот #культурный_визит получился со смешанными впечатлениями. Выставка посвящена первому русскому периоду в творчестве Шагала, поэтому тут не очень много его привычных работ (но те, что есть, волшебны!) Зато есть графика, акварели, военный цикл и росписи для Еврейского театра. Честно говоря, меня эти вещи не сильно впечатлили. Я не любитель подобных видов искусства. А росписи для театра заняли почти все пространство выставочного зала, в то время как для всего остального оставили очень мало места. Ограниченность места ощущается еще сильнее из-за очень большого количества людей. Я понимаю, что это издержки музеев и громких выставок, и для комфортного посещения можно купить карту друга музея и прийти в нерабочий день. Но мне кажется, если уж заявляется громкое имя, то ожидается и много народу. А значит нужно по умолчанию делать более-менее удобное пространство. Тут будто решили сделать все наоборот. Еще один минус выставки — это освещение. Почти все работы в полумраке. Я в какой-то момент подумала даже, что у меня уже совсем плохо со зрением стало. При этом на Брюллове в Третьяковке такой проблемы не было, и там темнота наоборот давала дополнительный эффект и подчеркивала работы. На Шагале в Пушкинском что-то пошло не так. Еще не очень понравилось, что основную работу, «изюминку» всей выставки по сути, картину «Прогулка», повесили чуть ли ни под потолок. Почему так решили сделать, я понимаю — метафора полета. Но из-за этого картину невозможно рассмотреть, к сожалению. Такая же ситуация с картиной «Над городом». Теперь про хорошее. Мне повезло — попался очень хороший экскурсовод, который вытянул всю выставку. Нам рассказали, в каких условиях развивался Шагал, как человек и как художник, и показали характерные черты его творчества, которые видны уже на ранних работах и которые сохранились почти на всех последующих картинах. Благодаря этому по выставленным работам можно понять, каким человеком был Шагал и прочувствовать его отношение к жизни. Еще хорошо видно влияние Гогена, Ван Гога, Пикассо, Матисса, Модильяни и попытки Шагала найти свою стезю, свой характерный, ни на кого не похожий стиль. Но чтобы это заметить и сложить все в единую историю, нужно или очень хорошо разбираться в искусстве, или знать биографию и творчество Шагала, или попасть на хорошего рассказчика, который вам на все детали укажет. А лучше все вместе. Самостоятельно, думаю, я бы не получила совсем никакого удовольствия. Поэтому кажется, что многим будет сложно считать задумку этой выставки и раскрыть художника. А жаль. Художник очень самобытный, необычный и точно достойный внимания. «Марк Шагал. Радость земного притяжения» идет в Пушкинском музее до 15 марта.

Готовлюсь к лекции про Михаила Булгакова, читаю его жизнеописание, кропотливо собранное по частичкам Мариэттой Чудаковой. Встретила забавную историю. В первые годы жизни в Москве Булгаков писал для газеты «Накануне». По заданию редакции писатель пошел на Всероссийскую сельскохозяйственную и кустарно-промышленную выставку (прототип ВДНХ) в Нескучный сад. Ему нужно было описать не только построенные специально для этого события павильоны, но и рассказать, какие блюда там подавали. Поэтому в ресторан Булгаков тоже сходил. Потом предъявляет оттуда счет в редакцию, чтобы ему компенсировали расходы. А счет внушительный, и видно, что в ресторане было два человека. Булгакова ожидаемо спрашивают, почему счет на двоих. На это писатель ответил: «Без дамы я в ресторан не хожу, а в фельетоне отмечено, какие блюда даме пришлись по вкусу». Ну каков! И есть подозрение, что ходил он на дегустацию не с женой (флиртовать и общаться с женщинами Булгаков очень любил) P.S. Еще больше про писателя буду рассказывать уже через неделю, в рамках книжного клуба, где читаем «Мастера и Маргариту» #история_из_истории

Книжный клуб февраля — «Мастер и Маргарита», Михаил Булгаков Пожалуй, ни про одну другую книгу я не слышала столько полярных впечатлений. Для одних это любимая книга, которую можно перечитывать раз в год. Для других это какой-то бред и произведение, которое невозможно даже дочитать. И пока одни становятся просто фанатами этого текста, другие считают этот роман Михаила Булгакова самой переоцененной книгой 20-го века. И все это про «Мастера и Маргариту». Нас ждет несколько параллельных историй, в которых сплетаются воедино библейские сюжеты, Москва 30-х годов, мистическая свита дьявола и советское общество. На встречах мы попробуем разобраться в хитросплетениях сюжетных линий, найти и разобрать отсылки, которые оставил нам Булгаков, посмотреть, как его жизнь и убеждения отразились в персонажах. И, конечно, порассуждаем, а о чем же этот роман: про любовь, про веру, про власть, про жизнь творца или про что-то еще. Как по мне, это идеальная книга для обсуждений в книжном клубе! А расписание у нас такое: 🔴 8 февраля — первая встреча, на которой я расскажу про жизнь Михаила Булгакова. К этой дате книгу читать не нужно. Печатный вариант книги вас будет ждать на месте встречи. 🔴 22 февраля — вторая встреча, на которой будем обсуждать прочитанное, ругать эту книгу или восхищаться ею (у нас можно все, и противоположные мнения очень даже приветствуются для живой дискуссии). Стоимость участия в клубе: 3500 руб. В стоимость входит печатная книга, две встречи в Москве, дополнительные материалы по книге и отдельный чат с участниками клуба. Чтобы записаться или задать вопрос, напишите мне @diananizhnik Посмотреть, как проходили наши прошлые встречи, можно по хештегу #книжный_клуб@discultnotes

+2

Как красиво в Михайловском театре в Санкт-Петербурге ожидают весну✨ На фото сцена «Оживленный сад» из балета «Корсар»

+1

Ну что, по миру начинает свое шествие новый «Грозовой перевал». На премьере фильма в Лос-Анджелесе Марго Робби, которая играет роль главной героини Кэти, появилась в потрясающе красивом платье Schiaparelli и с бриллиантом «Тадж-Махал». История этого украшения и истории любви, которые этот бриллиант в форме сердца наблюдал, заслуживают отдельных экранизаций. Началось все еще в далеком 1627 году в Индии. В это время там правил падишах Империи Великих Моголов Джахангир. Человек это был, мягко говоря, сложный: жестокий пьяница и опиумный наркоман и одновременно большой ценитель прекрасного и очень сентиментальная личность. И, как положено любому падишаху, было у него 30 жен и еще очень много наложниц. Но нас интересует его последняя главная жена — Нур-Джахан. Эта женщина укрепила свою власть, поставив на многие значимые посты своих родственников и выдав свою дочь и племянницу за наследников престола. Нур-Джахан охотилась на тигров, подавляла восстания, пока не было ее мужа, а после его смерти активно участвовала в войне за власть. Там была настоящая «Игра престолов» по-индийски. И именно имя Нур-Джахан и слова «Любовь вечна» написаны на персидском языке на бриллианте, который надела Марго Робби. Но точно неясно, принадлежал ли камень Нур-Джахан. Предполагают, что потом бриллиант оказался у сына Джахангира — у Шаха Джахана I. Тот подарил камень уже своей жене Мумтаз-Махал. Она была любимой женой падишаха и родила ему 14 детей. Но при родах последнего ребенка Мумтаз-Махал умерла. Убитый горем, Шах Джахан приказывает начать строительство гробницы, которую мы все сегодня знаем, как Тадж-Махал. В честь этого монумента получил свое название и бриллиант. На этом история украшения обрывается. Вновь он появляется уже в 20-м веке, когда его покупает Cartier. Дизайнеры ювелирного дома вместо индийского шелка сделали цепочку из золота и рубинов, которую дополнили кисточками. И в 1972 году ожерелье показывают одному из самых высокооплачиваемых актеров Голливуда своего времени — Ричарду Бёртону. Он попросил Cartier идеи подарков ко Дню святого Валентина и дню рождения его супруги — Элизабет Тейлор. Украшение в форме сердца идеально подошло, и Тейлор получила такой роскошный подарок на свое 40-летие. Фото с праздника в подарке на фото 3-5. В 2011 году в рамках продажи украшений Элизабет Тейлор неизвестный покупатель выложил $8,8 млн за бриллиант «Тадж Махал». Тогда это стало рекордом среди всех остальных индийских ювелирных украшений. Будем считать, что еще одна очень любимая кем-то женщина получила такое красивое признание в любви) P.S. Как мне кажется, это украшение очень хорошо подходит героине Марго Робби, Кэтрин, и ее отношениям с Хитклифом. И представляете, сколько охраны было на премьере фильма) #история_из_истории

В продолжение поста про выставку о Царском селе немного интересного про это место и Императорскую семью: 📷 В 1710 году Петр I отписал земли, на которых находится современное Царское село, своей будущей жене Екатерине Алексеевне. Именно она стала первой хозяйкой этой земли и при ней начинают строить первый каменный дворец. А по-настоящему роскошным это здание стало при дочери Петра I — Елизавете Петровне. Перестройкой дворца занимался итальянец Растрелли, а на декор внешних и внутренних украшений ушло около 100 кг червонного золота. 📷 Российские правители очень любили фарфор из Китая и Японии и заказывали его напрямую с Востока. В Европе долго не знали рецепт этого материала, а азиатские мастера хранили его в секрете. Только в начале 18-го века в немецком городе Мейсен появилась первая фарфоровая мануфактура. А Россия стала третьей страной, где производили фарфор. 📷 В 1830-40-е годы, после выхода романа Виктора Гюго «Собор Парижской Богоматери», стали очень популярны часы в виде готических соборов. И это были настоящие соборы в миниатюре, так как на часах воспроизводили все детали: ветхозаветных царей, пророков, апостолов, гаргулий. Делали даже специальные вставки, которые имитировали витражи. Пример таких часов на фото в комментариях. 📷 Есть на выставке и стол, полностью отделанный перламутром. Точно известно, что принадлежал он Екатерине II. Но откуда он у нее взялся неясно. Есть две версии. Одна говорит о том, что это подарок турецкого султана после победы России в первой Русско-турецкой войне. А по другой версии это подарок фаворита императрицы Григория Потемкина, который он привез из Турции, как трофей. В любом случае подарок просто шикарный и по-настоящему императорский. Фото стола тоже в комментариях. 📷 В собрании изделий из янтаря есть очень утилитарные вещи. Например, курительные трубки. Одна из них с изображением Александра III. Он и его супруга были заядлыми курильщиками и собирали самые разнообразные трубки. А Александр II коллекционировал янтарные мундштуки для кальянов и сигар. 📷 Члены Императорской семьи становились шефами разных полков России и заказывали себе мундиры под свои подразделения. Это касалось и детей. Например, в 1818 году Александр I назначил своего новорожденного племянника, будущего Александра II, шефом Гусарского полка. Для младенца сделали маленький мундирчик и в нем представили ребенка офицерам и другим чинам. #история_из_истории

+5

Еще до Нового года был #культурный_визит в ГИМ на выставку «Сокровища императорских резиденций. Царское село». Поход сюда очень удобно объединить с посещением выставки по соседству — «Сны Алены». Про нее рассказывала тут. Царское село — это огромная территория с несколькими дворцами и парками, которые летом служили резиденцией для Императорской семьи. Сейчас это музей, который хранит множество роскошных и изящных произведений искусств. Часть из них приехала в Москву. На выставке можно увидеть драгоценные предметы из Янтарной комнаты, коллекцию китайского фарфора и стекла, мебель, сделанную по заказу императорской семьи, посуду, экипажи, картины и личные вещи правителей. Очень-очень много всего! Меня особенно впечатлили парадные мундиры членов императорской семьи. На выставке есть красный мундир, в котором Николай II женился. На внутренней подкладке написано: сохранять навечно. Можно посмотреть и на одежду других императоров и понять их габариты — необычный вариант «оживить» и представить человека с картинки. А рядом мундиры маленьких цесаревичей и мундирные платья императриц. Запомнилось еще, что почти возле каждого раздела, будь то посуда, одежда, мебель, украшения или картины, говорится о потерях во время Великой Отечественной войны. Когда войну только объявили, музейные экспонаты начали вывозить в тыл. Но все вывезти было невозможно, и спасали в основном изделия из цветных и драгоценных металлов. В итоге за время войны музей утратил 70% фонда, а к 1944 году от Царского села остались только руины. Реставрацию начали в 1957 году. Но если сломать можно за мгновение, то на восстановление уходят десятки лет. Поэтому реставрация продолжается и сегодня, а фонды постепенно пополняются новыми предметами. «Сокровища императорских резиденций. Царское село» идет в Государственном историческом музее до 13 апреля

+4

На прошлой неделе я потеряла своего родного человека. Мне сложно было продолжать что-то писать тут, и сейчас не очень ясно было, как вернуться. И единственная история, которая показалась мне естественной в таком случае — это «Сентиментальная ценность» Йоакима Триера. Про этот фильм речь и пойдет. В фильме нет экшена и какой-то запутанной истории, за которой можно смотреть, не отрываясь. Он про обычных людей, про обычную семью и обычные проблемы. Так, пожилой режиссер (Стеллан Скарсгард) пытается наладить отношения со своими взрослыми дочерьми. Много воды утекло, много обид накопилось. Они не могут даже поговорить спокойно и не поругаться. Для отца всегда в центре его жизни была работа и творчество, а детям не хватало папы. Он не может выразить свои чувства простыми словами, а они долгое время не хотят даже попробовать его услышать. Каждый из них по-своему надломлен и каждому из них нужна их семья. Этот фильм с послевкусием и разными темами. Тут не только про ближайшую семью, но и про историю рода, которая переплетается с непростой и страшной историей 20-го века. А еще про кино, творческих людей и депрессию. Отдельный персонаж фильма — это родовой дом, где живет несколько поколений одной семьи и который видел, слышал и чувствовал все их горести и радости. Он сам по себе одна большая сентиментальная ценность и хранит в себе еще много таких ценностей — вещей, которые напоминают о прошлом и о прошлых обитателях. Мне близка идея таких сентиментальных ценностей, и я легко могу придать значение той или иной вещи. Но вот эти последние дни я думаю о том, что важны даже не столько все эти материальные предметы, сколько воспоминания, которые они вызывают, и настоящие моменты, которые ты проживал с человеком. Вещи остаются, им можно даже дать новую жизнь (что и делают в фильме, кстати). А вот человека рядом и новых совместных мгновений, событий, впечатлений, разговоров, историй уже не будет. #культурный_просмотр

+5

Посмотреть на белый московский Кремль воочию можно еще пару дней в Музее русского импрессионизма на выставке «Свой человек. Владимир Гиляровский». В эти выходные у нас с книжным клубом был как раз туда #культурный_визит с индивидуальной экскурсией. Выставка получилась очень объемной! В целом неудивительно: кураторам нужно было рассказать и про насыщенную жизнь Гиляровского, и про насыщенную жизнь Москвы и москвичей конца 19 - начала 20-го века. Так, портреты Гиляровского и его друзей и знакомых соседствуют с портретами самых колоритных персонажей старой Москвы. Тут братья Чеховы и Максим Горький, Федор Шаляпин и Михаил Лентовский. Рядом с ними обычные школьники, бурлаки, солдаты, актеры, бандиты и рабочие. Этот контраст будто дополнительно подчеркивает и разница между представленными работами: на выставке передвижники и импрессионисты соседствуют с только-только зарождавшимися тогда авангардистами. Кстати, первых Гиляровский обожал, а на вторых писал анонимные доносы из-за нарушений цензуры) А между ними — современные инсталляции, созданные специально для выставки. А вокруг — улицы и закоулочки, стены и крыши, шумные трактиры и заполненные дороги старой Москвы. Вот тут-то и виден белый Кремль, лошади у фонтана на Лубянке, Сухарева башня, еще не перестроенная Тверская, извозчики вместо метро и много другого, чего сейчас уже не найдешь в Москве. А так как время Гиляровского было богато еще и на разные изобретения, то отдельный этаж отвели под технологические диковинки того периода: первый телефон и фотоаппарат, граммофон, музыкальный автомат и велосипед «костотряс». Если вам нравится нырять в прошлое и смотреть, как раньше выглядели улицы, по которым вы сейчас ходите, то выставка точно для вас. Но, как мне показалось, полностью воспринять всю экспозицию будет сложно, если не знаешь биографии Гиляровского и не знаком с его текстами. «Свой человек. Владимир Гиляровский» идет еще буквально пару дней, до 25 января.

Прочитала, что Артемий Лебедев предложил перекрасить Кремль в белый цвет (капелька хайпа никогда никому не помешает). И эта инициатива вызвала много негативных реакций. Вот что значит сила привычки! Дело в том, что Кремль довольно долго и был белым (а до и после этого долго был красным). Вот небольшая хронология того, как Кремлевские стены и башни меняли свой цвет. В 1360-х годах при Дмитрии Донском деревянный Кремль решили заменить на каменный. И построили его из белого камня. Отсюда пошло название «Москва белокаменная». Камень, конечно, получше дерева, но и этот материал не вечен. Почти через 100 лет Кремль пришлось перестраивать. Инициировал реставрацию Иван III, который для этого дела пригласил итальянских архитекторов (из-за них кстати Кремль имеет схожие черты, например, с замком Сфорца в Милане). Они разбирали белый камень и делали кремлевские стены и башни из обожженного кирпича. То есть в конце 15-го века Кремль становится красным. Это хорошо видно и на иконе 17-го века (фото 1). И в том же 17-м веке брат Петра I, царь Федор Алексеевич, решает вернуть Кремлю его первоначальный цвет и приказывает побелить здание. С этих пор Кремль из красного кирпича постоянного белили. Делали это не только красоты ради, но и для защиты кирпича. И так как побелка не всегда была в идеальном состоянии, то на некоторых картинах Кремль можно видеть даже двухцветным или грязновато-оранжево-розоватым. Пример на картине Петра Верещагина 1879 года: почти весь Кремль получился идеально белый, но одна пристроенная часть стены красновата (фото 2). Окончательно красным Кремль стал после Великой Отечественной войны. Во время войны его замаскировали и разрисовали под обычные дома, а после отреставрировали, подкрасили и привели в привычный нам вид. Представляете Кремль белым сегодня?😅 #история_из_истории

+2

Идеальный вечер выходного дня — это #культурный_визит в театр Моссовета на постановку «Женитьба» по повести Гоголя. Женитьба у Гоголя, как торговля на рынке. Выбирают по приданому, по статусу, по внешности. О чувствах там речи нет. Потому это и не брак, и не свадьба. И тут все средства хороши (вспоминается Гиляровский: «не обманешь — не продашь»). Женитьба — это в первую очередь сделка, что-то не самое приятное, но вынужденное и необходимое. Ведь так все делают. Куда без женитьбы-то. И эту довольно жесткую сатиру Гоголя на брачные отношения просто потрясающе показал Евгений Марчелли на сцене театра Моссовета. С одной стороны, сохранили настроение того, что в женитьбе все действующие лица, как дельцы на рынке. Но это не вызывает отвращения, только легкую грусть и жалость к тем, кому пришлось пройти через это. С другой стороны, в постановке есть место наивному и девичьему ожиданию женихов, робости в общении и томительному ожиданию той самой женитьбы. Еще вся история получилась очень смешной и ироничной — хохотали просто все! И это большая заслуга режиссера и актеров. Потому что текст Гоголя хоть и остер, и ироничен тоже, но иногда казался мне неприятным из-за холодности рассудка и рассуждений героев. Отдельное «браво» актерам! В постановке играют Ника Здорик, Ольга Остроумова, Александр Яцко и Валерий Яременко. Увидев Яцко на сцене, я подумала, что, пожалуй, именно так Подколесин, этот нерешительный жених, и выглядел в моей голове. Остроумова просто идеальная сваха, а Яременко выложился на все 100%, пытаясь организовать женитьбу своего друга. Эти двое мои фавориты, не хотелось, чтобы они покидали сцену) И отдельно отмечу женский хор, который в течение всей постановки исполняет народные и свадебно-обрядовые песни. Просто мурашки были по коже от каждого их исполнения! Я это восприняла, как олицетворение истории и традиций и напоминание всем, что в женитьбе все-таки есть и нечто сакральное, а не просто выгода и расчет. #культурнаяраспаковка

+4

Насекомые, религия и Tiffany — и все это про костюмы из фильма «Франкенштейн» В фильме Гильермо дель Торо «Франкенштейн» у главной героини, Элизабет, просто потрясающие костюмы. Каждое платье отражает ее увлечение насекомыми и естественными науками. Например, на одном из платьев сделали узор, который напоминал бы биологические клетки (фото 1), для другого наряда взяли изображение малахита (фото 2), а на одну из шалей нанесли узоры с крыльев бабочек. Полноценные жуки тоже были. Их поместили на украшениях Элизабет: на голубом ожерелье (фото 3) и на красном кресте (фото 4). Все это, кстати, архивы Tiffany 19-20-х веков, которые воссоздавали специально для фильма. Очень и очень красиво! Но еще и со смыслом. Это идеальное отражение мировоззрения Элизабет: сильная религиозность и страсть к естествознанию. Отсылки были не только к естественным наукам, но и к прошлым фильмам про Франкенштейна и его создание. Например, часть свадебного наряда Элизабет — это бинты на руках (фото 6). Это прямая отсылка к одноименному фильму 1931 года и фильму «Невеста Франкенштейна» 1935 года (фото 8). А корсет платья напоминает ребра. Это сделали для того, чтобы показать Элизабет настоящей невестой Франкенштейна. В целом, просто потрясающая работа с разными смыслами, отсылками, архивами, идеями. Например, одежда Виктора Франкенштейна вдохновлена белыми рубашками нараспашку Пабло Пикассо и Рудольфа Нуреева — такой творец в порыве создания своего идеала. Бинты существа в начале его «жизни» — это отсылки к Иисусу Христу, а затем снятый с чужого плеча плащ — отражение его сути, существа, созданного из частей других людей. P.S. В Лондоне проходила выставка костюмов из фильма. Вздохнула и взгрустнула🥲

+2

Какой самый необычный материал, из которого можно сделать одежду, приходит вам в голову? Уверена, что мы придумаем много разного, но вот вам одна идея — платье из жуков🪲 В Южной Америке, Южной и Юго-Восточной Азии брали надкрылья жуков (их называют златки) и украшали ими платья. Крылышки очень красиво переливались и были природными пайетками. Потом мода пришла в Индию, где в 16-18 веках такие украшения считались символом высокого статуса. Но где Индия, там и Великобритания, естественно) Видимо, британские модницы решили, что они ничем не хуже индийских дам, поэтому крылья жуков стали привозить в Лондон. Их вырезали определенной формы, выкладывали в цветочные узоры и связывали между собой металлической нитью. В итоге при свете свечей эффект был просто потрясающим, а крылышки напоминали драгоценные камни. На платье нужно было много крыльев. Вот, что пишет одна дама: На левое платье пошло 1942 крылышка, на шаль — 1548, а на правое платье — 6753 крылышка. Если полистать коллекцию музея Виктории и Альберта, то можно увидеть, что украшали этим материалом не только платья, но и обувь, пояса, шали и даже скатерти. И такой модный «тренд» очень хорошо ложился на общее увлечение науками, естествознанием и на страсть к изучению насекомых того времени. Это, кстати, хорошо отражено и во «Франкенштейне», как в книге, так и в фильме. Поэтому хочется чуть подробнее остановиться на костюмах из фильма. Но про это уже отдельно) #история_из_истории

На новогодних каникулах был #культурный_просмотр недавних экранизаций готической классики — «Дракулы» и «Франкенштейна». Оба эти произведения про монстров, считаются ужастиками, но какие же они разные! Что книги, что фильмы. И для меня во всех категориях выигрывает «Франкенштейн». «Дракула» Книга мне совершенно не понравилась, но я решила дать шанс фильму. Последнюю экранизацию про известного на весь мир вампира снял Люк Бессон. И спасибо ему, что он дал Дракуле хоть какой-то мотив и историю, а не оставил его просто вампиром, как в книге. Я других фильмов про Дракулу не смотрела, но насколько поняла, это совсем не новый прием (читала, что Бессон и вовсе снял просто копию фильма Копполы 1992 года). Еще понравился Калеб Лэндри Джонс в главной роли. У него в фильме специфическая внешность, но классно, что это не романтизированный и «вылизанный» Эдвард Каллен. Возможно, грубо прозвучит, но от Калеба прямо несло средневековым человеком. И это круто, как по мне, учитывая, что нам показывают 15 век. В остальном фильм оставил странное впечатление. Он какой-то фантасмагоричный, местами происходит безумный фарс и китч, а к игре актеров иногда хочется добавить приставку «слишком». В итоге вообще неясно, что это: ужастик, мелодрама, комедия, мюзикл или сборная и не самая удачная солянка из всего этого. К этому добавлю еще главную героиню, возлюбленную Дракулы. Она вызывала у меня только отторжение, а ее поведение выглядело очень неправдоподобным. «Франкенштейн» Гильермо дель Торо в своем фильме идет практически по роману Мэри Шелли. Потому что там и выдумывать ничего лишнего не надо, в книге уже все есть. В фильме сотворили волшебную готическую атмосферу, очень хорошо показали всю безответственность и даже где-то безумие Виктора Франкенштейна и раскрыли трагедию существа, которое он создал. А фраза лорда Байрона, которой заканчивается фильм, так и вовсе может разбить сердце — The heart will break and yet brokenly live on. Единственное, как мне показалось, в фильме немного упростили поиск ответа на самый главный вопрос — кто из двух главных героев настоящий монстр, создатель или существо. В книге можно побольше порассуждать на эту тему, хотя и там для меня ответ остается таким же. Красивое кино, фантастические костюмы, просто невероятный грим Джейкоба Элорди (играет существо) и душераздирающая история, которая заставляет задуматься — все это про «Франкенштейна» Гильермо дель Торо. И небольшой постскриптум. Интересно, что в этих двух фильмах красной нитью проходит одна идея: вечная жизнь — это проклятие, а не дар. И настоящее чудо и то, что буквально нужно каждому для жизни, — это близкий человек рядом. Смотрели? Читали? Расскажите, как вам)

Как Мане порезал картину Дега, а Дега собрал порезанную картину Мане Эдуард Мане хорошо дружил со своим коллегой Эдгаром Дега. Последний довольно часто рисовал первого, художники были в одной творческой компании и часто проводили вечера в домах друг друга. Мане однажды подарил Дега свою работу — натюрморт «Сливы». В ответ Дега подарил портрет четы Мане (фото 1). На картине жена художника, Сюзанна, играет на пианино, а сам Мане вальяжно развалился на диване и глубокомысленно смотрит вдаль. И вот однажды Дега приходит в гости к своему другу и видит, что часть портрета просто оторвана. Мане не скрывал, что это он порезал картину. Сделал он это потому, что ему не понравилось, как Дега изобразил его жену. Мол изображение только ухудшает всю картину. После такого Дега выбежал из дома Мане и демонстративно вернул ему его «Сливы». Но очень скоро художники помирились. Как писал Дега, «на Мане невозможно долго злиться». После примирения Дега попросил Мане вернуть ему «Сливы». Но оказалось, что художник уже их продал. А теперь несколько вопросов и ответов к ним) ⚫️Почему Мане не понравилось изображение его жены? Есть точка зрения, что Эдуарду в целом не очень нравилась внешность Сюзанны, которая к моменту написания картины начала уже стареть. Более того, он не сильно любил и ее музыку. В целом, его отрешенный взгляд на картине это подтверждает. И предполагают, что Дега нарисовал Сюзанну Мане такой, как она есть. А она такой была не мила своему мужу. ⚫️Куда делись «Сливы» Мане? Первый вариант картины считается утраченным. Но в 1880-м году Мане сделал копию. Последней собственницей этой картины была американская светская львица Энн Вудворд. А «прославилась» она тем, что убила своего мужа, которого приняла за грабителя в собственном доме. В тюрьму она не попала, так как убийство признали несчастным случаем. Но для американского общества Энн Вудворд навсегда стала изгоем. ⚫️Как Дега спас порезанную картину Мане? Видимо, судьба решила вернуть бумеранг) Уже после смерти Мане его сын разрезал его картину «Казнь Императора Максимилиана» (фото 2), чтобы продавать ее по кусочкам. Дега выкупил все оставшиеся части, собрал их и бережно хранил вплоть до своей смерти. Потом они попали в Национальную галерею Лондона. #кто_это_нарисовал

+2

Сегодня прошла первая встреча книжного клуба января по книге «Москва и москвичи» Владимира Гиляровского. Мы собрались в одном из самых злачных районов старой Москвы, на Хитровке. Вот, что пишет Гиляровский про это место: Никакая власть не смела сунуться в эти мрачные бездны. Сегодня не осталось и следа от такого описания. Но зато до сих пор стоит дом писателя, поэта и друга Гиляровского Николая Телешова. Он и стал местом нашей встречи, на которой было чаепитие с пирожками в лучших московских традициях, знакомство с Гиляровским и теплая атмосфера: 🟠 я рассказала, откуда на самом деле Гиляровский (не из Москвы, хоть он сам и называет себя москвичом) и как место его взросления повлияло на его характер и дальнейшую жизнь; 🟠 мы проследили все скитания этого свободолюбивого и необычайно активного человека и узнали, как из бурлака и бездомного он стал «королем репортеров»; 🟠 посмотрели на знаковые репортажи «дяди Гиляя» и разобрали, почему пик его литературной карьеры случился, когда Гиляровскому было далеко за 60. Теперь берем две недели, чтобы прочитать «Москва и москвичи» и познакомиться со старой Москвой. А уже на следующей неделе идем закреплять материал и еще больше погружаться в Москву Гиляровского на выставку в Музей русского импрессионизма (если что, к нам можно присоединиться, даже если вы не участвуете в книжном клубе). #книжный_клуб@discultnotes

Вчерашний вечер закончился в театре имени Гоголя, где был #культурный_визит на постановку «Воскресение» по роману Льва Толстого. Если кратко, то сюжет сводится к тому, что князь Дмитрий Нехлюдов в молодости соблазнил горничную Екатерину Маслову. Девушка забеременела, потеряла место работы и попала в череду событий, каждое из которых все больше и больше опускало её вниз и надламывало. В итоге Маслова оказалась на каторге. Спустя 10 лет Нехлюдов узнает ее на суде и пытается все исправить. Этот роман Толстого один из моих любимых. И мне понравилось, что сюжет постановки в театре Гоголя следует тексту книги. Так что, если вы читали «Воскресение», вы увидите практически роман Льва Николаевича на сцене. А если не читали, то легко сможете понять сюжет и проникнуться им. Интересно, что, читая книгу, я была готова выслушать Нехлюдова, попытаться понять его точку зрения, мотивацию и поведение. В театре же этот персонаж явно проигрывает, а его внезапно проснувшееся желание все исправить вызывает только отторжение. И его фраза «я хочу спасти себя», пожалуй, лучше всего описывает его настоящего. Зато Маслова просто потрясающая! Этот персонаж получился таким сильным, эмоциональным, настоящим. Сердце из-за нее разрывалось и из-за той несправедливости, жертвой которой она стала. Понравилась и невеста Нехлюдова. В книге она была для меня максимально второстепенным персонажем, но в постановке она совершенно полноценный герой. В спектакле, как и Толстой в романе, затронули и земельный вопрос, и проблемы содержания заключенных, и существующий в то время правопорядок с его чиновниками. Но постановка не погружает в непросветную тьму, в ней находится место и юмору, и смеху, и теплой надежде на лучшее. Мне еще понравился дополнительный эффект погружения за счет запахов. На сцене жандармы курят, а каторжане жгут бумагу и топят печку, чтобы согреться. Все эти запахи чувствуют и зрители. А в конце весь зал просто погружается в аромат ладана и превращается в церковь. Пожалуй, еще нигде в театре я так сильно не ощущала запахи. И это очень добавляет атмосферы. И финальное. Я люблю послушать впечатления зрителей, пока стою в очереди в гардероб или в буфет, когда иду с ними в одной толпе к метро. И вчера услышала, что для одного зрителя спектакль стал примером воскресения Нехлюдова: он понял свои ошибки и буквально переродился. В книге у меня тоже был такой вывод. Но, как мне показалось, поставка в театре Гоголя больше про воскресение Масловой. Если смотрели или читали, поделитесь своими впечатлениями) #культурнаяраспаковка

+2

Сегодня никакого серьезного и познавательного контента, потому что весь день смотрели на живые зимние пейзажи. Москва вся в снегу и сугробах ростом с человека, а на улицах лишь самые отчаянные😅 Настоящая зима! 📍Мещерский парк - место, где особенно волшебно именно зимой.

2026 год — это год огненной лошади. И при этих словах у меня невольно возникает перед глазами картина Кузьмы Петрова-Водкина «Купание красного коня» 1912 года. Картина вызвала много обсуждений. Во-первых, художника критиковали за то, что он нарисовал коня ненатурального цвета. Всех таких комментаторов Петров-Водкин отсылал к русской иконописи, где красные лошади встречаются довольно часто. Художник знал про это очень хорошо: он сам занимался иконописью, выполнял церковные заказы и видел коллекцию псковских и новгородских икон XIV–XVI веков, которые реставрировали как раз в 1910-е годы. Второе, что вызывало бурю разговоров — это толкование и символика. Сам Петров-Водкин, вероятно, сделал коня красным, просто вдохновившись иконами. Плюс в это время активно развивается фовизм с его яркими цветами. Самый показательный пример — красные танцоры у Матисса. То есть Петров-Водкин по сути очень органично соединил древность с настоящим, а его основной задачей был эксперимент с цветами и формами. Другого скрытого смысла он будто и не закладывал. Но этот скрытый смысл нашли другие. Все сразу вспомнили, что именно на красном коне скачет один из всадников Апокалипсиса. Учитывая, что дальше началась Первая Мировая война и случилась Революция в России, то можно сказать, что Апокалипсис в какой-то степени и наступил. Другая версия заключается в том, что красный конь — это на самом деле судьба России, которой управляет смелый молодой юноша. Опять же, учитывая все последующие события, красный конь просто идеально лег на новую советскую власть и коммунистическое развитие страны. После такого совпадения Петрова-Водкина называли настоящим пророком. «Купание красного коня» могло бы стать отличной советской картиной, но работа почти 40 лет была за пределами России. Дело в том, что в 1916 году картину направили на выставку в Швецию. Первая Мировая война, Революция, Гражданская война, Вторая Мировая война помешали вернуть красного коня домой. И только в 1950-м году вдова Петрова-Водкина добилась возврата произведений своего мужа на родину. В 1961-м году картину передали в дар Третьяковской галерее. #кто_это_нарисовал