Cinemacritix 🎬 | Дневник про кино и парижскую жизнь

Не хочется выносить категоричный вердикт «Жозефине» Бет де Араужо, особенно, когда он получил свои лавры на Sundance и в Берлине. В фильме определённо есть что-то важное, нужное и художественно интересное, но вопросов к нему у меня едва ли не больше, чем ответов. Кино о сексуальном насилии снято немало, но это одна из тех тем, которые никогда не будут исчерпаны. Де Араужо выбирает любопытную оптику: рассказывает о травме через восприятие восьмилетней девочки, ставшей свидетельницей преступления. И в этом одновременно главная сила и слабость картины. Временами возникает ощущение некоторой сконструированности детского взгляда. Насколько достоверно переданы переживания ребёнка, а насколько взрослые придумали за него, что и как он должен чувствовать? Даже зная об автобиографической основе истории, не всегда веришь именно в её художественную интерпретацию. Одни метафоры работают замечательно, другие кажутся слишком прямолинейными и настойчивыми. Есть вопросы и к драматургии: повествование периодически ходит по кругу, и двухчасовую историю, на мой взгляд, вполне можно было бы уложить в полтора часа. Зато сцена судебного разбирательства великолепно выстроена и снята: здесь наконец возникает необходимое напряжение, а форма полностью работает на содержание. Очень хороши Ченнинг Татум и Джемма Чан в ролях родителей, а маленькая Мэйсон Ривз — чистый восторг, непредсказуемость и неукротимая энергия . Но больше всего мне не хватило глубины в том, что постепенно становится едва ли не центральной темой фильма: как взрослым говорить с ребёнком о вещах, которые они сами не в состоянии осмыслить и объяснить? Где проходит граница между желанием защитить и опасным замалчиванием? Как подобрать слова, если у тебя самого нет ответов? И вообще, слышим ли мы ребёнка или лишь пытаемся справиться с собственным страхом за него? Фильм постоянно возвращается к этим вопросам, но зачастую ограничивается поверхностными, местами почти нравоучительными диалогами. Проблема обозначена, но мне так и не удалось почувствовать, что авторы действительно добрались до её глубины. И всё же сама попытка посмотреть на настолько сложную тему под непривычным углом заслуживает уважения. Здесь есть сильные сцены, прекрасные актёрские работы и совершенно правильное желание начать трудный разговор. Жаль только, что разговор этот, на мой взгляд, не состоялся в полной мере. #отзыв_cx

«Man To Man» — перформанс Тильды Суинтон 🤍 Очень специфический театральный опыт случился сегодня в Royal Court. Спустя почти 40 лет Тильда Суинтон возвращается к роли, которую впервые исполнила в 1980-х, вновь объединившись с режиссёром Стивеном Анвином. В основе пьесы Манфреда Карге — история немецкой женщины, которая после смерти мужа присваивает его личность, чтобы сохранить работу и выжить. Через её судьбу разворачивается несколько десятилетий немецкой истории с её войнами, политическими катастрофами и общественными потрясениями. Вместо привычного повествования перед нами калейдоскоп из воспоминаний, исторических событий, песен, гротеска и почти перформативных эпизодов. Тильда здесь не только героиня, но и своего рода проводник по истории Германии. Она бесконечно меняет интонации, пластику, обличья, превращая собственное тело и голос в главный инструмент повествования. При этом её героиня далеко не всегда вызывает сочувствие. Временами она откровенно отталкивает: своим внешним видом, одеждой, манерами, грубоватой пластикой. В ней мало привычной театральной привлекательности, и Суинтон совершенно не пытается её добавить. Это удивительная актёрская работа, в которой виртуозное перевоплощение совсем не обязательно предполагает эмоциональное сближение со зрителем. Сама форма постановки тоже оказалась для меня весьма непривычной. Спектакль постоянно перебрасывает между эпохами, настроениями и контекстами, требуя мгновенного включения в происходящее, и порой это утомляет. Приёмов невероятно много, и за их обилием временами непросто удержать эмоциональную связь с историей. Получился любопытный парадокс: человеческая судьба здесь неотделима от большой истории, но и сама героиня, и способ её представить постоянно создают дистанцию между сценой и зрителем. И всё же Тильда Суинтон — великая актриса. Даже когда не до конца принимаешь театральный язык постановки или испытываешь неприязнь к её героине, невозможно не восхищаться той свободой, с которой она существует на сцене. #тятры_cx

Telegram doesn't show this post on the web. Open it in Telegram to see it.

Сегодняшний вечер завершился роскошными Джиллиан Андерсон и Билли Крудапом в «Кто боится Вирджинии Вулф?» Марианны Эллиотт. Мощная 3,5-часовая постановка, погружающая в нарастающий семейный скандал и беспощадную психологическую дуэль между супругами, в которую оказываются втянуты и их гости. Камерная вращающаяся сцена, напоминающая боксёрский ринг, не оставляет шанса быть сторонним наблюдателем: приходится окунуться в происходящее с головой. История о том, как мы цепляемся за иллюзии, чтобы не столкнуться с невыносимой реальностью. Сплошное саморазрушение даже при проблесках возможной любви. Сломленные души, почти превратившиеся в монстров и всё больше обнажающиеся с каждым актом. Временами чёрный юмор и психологическое насилие становятся настолько невыносимыми, что после спектакля буквально хочется пойти и помыться, словно пытаясь смыть с себя всё увиденное. В этом и сила живого театра и культовой пьесы Эдварда Олби, которая спустя более шестидесяти лет ничуть не утратила своей беспощадности. #тятры_cx

«Эльсинор» Саймона Стоуна — бенефис Эндрю Скотта, великого актёра, которому досталась роль другого великого актёра. И, кажется, более подходящего исполнителя для этой истории невозможно было придумать. Фильм рассказывает о последних месяцах жизни шотландца Иэна Чарльзона, звезды «Огненных колесниц», который в 1989 году заменил Дэниела Дэй-Льюиса в постановке «Гамлета» в лондонском Национальном театре. К тому моменту Чарльзон уже тяжело болел СПИДом, но отказываться от роли всей своей жизни не собирался. Гамлет — своего рода Эверест для любого актёра, и Скотт покоряет его с какой-то совершенно невероятной, почти обескураживающей естественностью (на сцене он это уже делал 150 раз). При этом перед ним стоит задача ещё сложнее: сыграть человека, который играет Гамлета, постепенно теряя физические силы, но ни на секунду не утрачивая внутренней потребности выходить на сцену. Скотт существует одновременно в двух ролях, и шекспировский текст приобретает совершенно другое, пронзительно личное звучание. Его герой может быть остроумным, упрямым, раздражительным, испуганным, отчаянно живым, и в каждом из этих состояний ему веришь безоговорочно. Но «Эльсинор» это прежде всего фильм о жизни. О призвании и той почти необъяснимой миссии, которую несёт артист, потому что иначе просто не может. Чарльзон не пытается победить смерть искусством, он пытается прожить отпущенное ему время так, чтобы не предать самого себя. И здесь театр становится не способом убежать от действительности, а возможностью по-настоящему в ней присутствовать, неся свою Миссию. Есть в этой истории и другой, особенно болезненный парадокс. Чарльзон вынужден скрывать от окружающих свою болезнь, а вместе с ней и значительную часть собственной жизни. В мире, где признание могло обернуться осуждением и отвержением, именно сцена становится пространством абсолютной свободы. Там, примеряя чужую личность, он наконец может быть собой. И от этого граница между актёром и его героем, жизнью и шекспировской трагедией постепенно стирается. Отдельных лавров заслуживает Оливия Колман в роли Маргарет Джонсон, врача, стоявшей у истоков лечения ВИЧ и СПИДа в Великобритании. Её героиня — невероятно сильная женщина, строгая, принципиальная, но бесконечно человечная. И в каком-то смысле перед нами история двух людей, посвятивших себя своему делу: один борется за возможность продолжать играть, другая же — за возможность сохранить ему жизнь. Их сцены со Скоттом великолепны, а юмор, порой довольно чёрный, удивительно органично вписывается в эту тяжёлую историю, ни разу не обесценивая происходящее. Отдельным удовольствием стал визуальный язык картины. Стоун очень тонко работает с цветом: особенно заметен голубой, постоянно сопровождающий героя Скотта. Есть и небольшие, но выразительные символические детали: например, чертополох, национальный цветок Шотландии. Колючий, красивый, упрямо сопротивляющийся внешнему миру, он кажется почти идеальным отражением самого Чарльзона. Название фильма отсылает к замку из «Гамлета», но здесь собственным Эльсинором становится Национальный театр. Место, где жизнь и смерть, реальность и искусство окончательно переплетаются. И отдельное, совершенно особенное переживание, смотреть эту историю буквально в соседнем здании от того самого театра, где почти сорок лет назад Чарльзон выходил на сцену. «Эльсинор» не столько оплакивает ушедшего человека, сколько празднует его жизнь. Жизнь, которой оказалось так мало, но в которой было так много смысла. Это невероятно трогательное, человечное кино, которое находит место и слезам, и смеху, и радости самого существования. Битва за лучшую мужскую роль в грядущем наградном сезоне обещает быть жестокой... #отзыв_cx

как довести англичанина или любителя чая до инсульта

Знаю, вам интересно, как тут мой очередной денек лондонский… Сегодня zero фильмов, окунаемся в них вновь завтра, зато случился максимально британский театральный день. Для меня мало что сравнится с таким временем на Вэст-Энде, потому что это всегда чистая магия. Днем — идеальный по всем параметрам мюзикл «Паддингтон», сделанный на высочайшем уровне и заслуженно забравший столько Лоуренсов Оливье. Он милый, трогательный (не посчитала, сколько раз слезились глаза), добрый, разный. Песня о любви многогранному и вечно меняющемуся городу, своей культуре и, конечно, каждому мигрантскому сердцу. Редкий алмаз, как и сам медвежонок Паддингтон 🍊 Вечером — после неизменной прогулки по любимому Ковент-гардену, заглянула на «Сенную лихорадку» Ноэла Кауарда, комедию, адаптированную Эмили Бернс, с Ричардом Грантом в главной роли. Два часа смеха над бескомпромиссным британским юмором, который пронизывает эту абсурдную историю о семье Блисс, не знающей о манерах и забывшей, что жизнь — не сцена в театре. Классический театр, полный оригинального духа и уморительных нелепых сцен. #тятры_cx

Все еще неясно, зачем нам четыре отдельных фильма 🤦🏻‍♀️

Какая же красота 🖤

Космически красиво начинается промо финальной «Дюны» 🌒

Telegram doesn't show this post on the web. Open it in Telegram to see it.

Фред рассказывает про то, как они дом в снегах в горах построили, и там и снимали. Ух!

Какой-то милый мальчик подкинул билет на премьеру «Долгой зимы» Эндрю Хэя (а мы его помним по All of Us Strangers!), и вот уже Фред Хечингер, Мартин Фриман передо мной ❄️ Готова смотреть на снег!

Telegram doesn't show this post on the web. Open it in Telegram to see it.

Сегодня Винни-Пуху 100 лет! 🍯 Великая книга Алана Милна с классическими иллюстрациями Эрнеста Шепарда впервые была опубликована 14 октября 1926 года. Остальное — история, как говорится. Очень люблю фильм «Прощай, Кристофер Робин», где показана неоднозначная история популярности сына Алана Милна, ставшего прототипом мальчика из знаменитой истории.

Дорогим любимым А! Magazine дала комментарий по Artificial, о котором, кажется, не перестану думать 💔

+5

«Золотой мальчик» — пьеса Клиффорда Одетса, написанная в 1937 году, во времена Великой депрессии. В центре истории Джо Бонапарте, талантливый молодой скрипач, который отказывается от музыкальной карьеры ради профессионального бокса, денег и перспективы вырваться из бедности. Но история эта не столько о выборе между искусством и спортом, сколько о постепенном разрушении личности под гнётом капиталистических ценностей. О том, как стремление к успеху незаметно подменяет собой мечту, как человек предаёт собственное призвание и постепенно утрачивает всё, что делало его собой. Джо хочет жить, а не просто существовать, но в мире, где человеческая ценность измеряется деньгами и достижениями, за это право приходится платить собственной идентичностью. И чем ближе он оказывается к желанной победе, тем очевиднее становится масштаб его поражения. Любопытно, что этот конфликт был глубоко личным и для самого Одетса. В середине 1930-х драматург, уже добившийся признания на театральной сцене, отправился работать в Голливуд, где столкнулся с противоречием между художественными убеждениями и соблазном коммерческого успеха. Скрипка здесь становится не просто символом несбывшейся мечты, а воплощением той части личности, которую нельзя безнаказанно обменять на деньги. Сэм Йейтс ставит пьесу довольно классически, не пытаясь радикально переосмыслить оригинал. Здесь всё на своих местах, всё выверено и подчинено драматургии. Особенно хочется отметить красивую, продуманную до мелочей сценографию и живой струнный квартет, который становится не просто музыкальным сопровождением, а словно голосом той части Джо, которую он пытается заглушить (на сцене буквально закрываются и открываются ставни дома, за которыми сидят музыканты). Есть и замечательные режиссёрские находки: например, камера, встроенная в боксёрскую грушу, передающая на стены чёрно-белое, вращающееся изображение во время ударов. В эти моменты внутренний хаос героя приобретает почти физическую форму. Весь актёрский ансамбль работает великолепно. Но Джош О’Коннор, безусловно, задаёт спектаклю пульс. Он совершенно невероятная движущая сила горького сказа об американской мечте, коим является эта постановка. Он актер, у которого не существует никаких границ. Он с поразительной лёгкостью и непринуждённостью существует сразу в двух ипостасях — одарённого скрипача и профессионального боксёра, и наблюдать за этим перевоплощением невозможно без невольных слез в глазах. Джош не просто играет на сцене, он буквально живёт и дышит ею. В его исполнении есть какая-то обезоруживающая естественность, от которой душа преисполняется благостным чувством причастности. По мере того как драматические обстоятельства усугубляются, наблюдать за ним становится только интереснее. В его игре постепенно нарастает отчаяние, и особенно завораживает то, с какой естественностью он переходит от почти мальчишеской мягкости к жестокости и внутреннему надлому. Из сценических дуэтов, пожалуй, самый яркий у Джоша с Хейли Сквайрс, она играет Лорну Мун, возлюбленную менеджера Джо. Между ними возникает совершенно электрическая химия. Их персонажи отчаянно тянутся друг к другу, словно пытаясь найти в другом спасение. Несмотря на то, что история не способна чем-то удивить, и мы видели её бесчисленное множество раз, в кино и театре, во всевозможных вариациях, все же она способна задеть за живое своей тонкостью и уязвимостью. Не обязательно выходить на боксёрский ринг или отказываться от скрипки, чтобы узнать в Джо что-то от себя. Мы и сами нередко пожираем себя изнутри, предаём собственные желания, соглашаемся на чужие представления об успехе и постепенно перестаём замечать, как далеко отошли от того, кем хотели стать. И, пожалуй, в этом главное противоречие «Золотого мальчика»: история о человеке, который теряет себя, рассказанная актёром, который, кажется, на сцене обретает абсолютную свободу. P.S. Спектаклю в записи быть!!! #тятры_cx

+2

После стольких лет премьер, Канн, восхищения мы наконец встретились без толпы в подворотне театра после крышесносного Golden Boy❤️‍🩹 Джош у нас самый скромный на свете, не верит, что его уникальный талант меняет жизни людей, но думает, что искусство Аличе (Рорвахер) вполне возможно меняет (согласны!!). Несмотря на его застенчивость в этом вопросе, я оказалась неизменно настойчива 😅 По дороге со спектакля вновь задумалась о том, что истинный талант не терпит эго, он существует вопреки. Когда появляется эго и гордыня, все остальное исчезает. Орхидея будет жить у Джоша дома, сказал заберет из театра завтра, а то сегодня на велике (возможно, в бар с Джесси Бакли, которая сегодня тоже была с нами на спектакле) 🏡

Ох, ну есть у меня история для вас ❤️‍🔥

Как же я ждала ❤️‍🔥 Джош О’Коннор вот-вот в Golden Boy! 📍Almeida Theatre