В арт-пространстве Куб открылась выставка «Фрагменты нового концептуализма».
Куратор Роман Шалганов решил собрать не привычных героев московского концептуализма, которые, как известно, делятся на несколько поколений: условно старшее — Кабаков, Пивоваров, Булатов, и младшее — группы «Мухомор» и «Медицинская герменевтика». Вместо этого он решил посмотреть, есть ли у этих идей продолжатели сегодня.
Насколько я поняла по отзывам, не всем эта идея пришлась по душе, дискуссия в телеграме уже идёт полным ходом. Мне же это показалось и забавным, и совсем не надуманным.
Всего представлены работы пяти авторов: Михаил Рубанков, Иван Симонов, Михаил Чулов, Денис Горшков и дуэт Арина Атик и Виктор Осипов.
Классики работали с советским языком и неустроенным коммунальным бытом. Связь с ними порой совсем прямая: «Горизонт завален» Ивана Симонова отсылает к булатовскому «Горизонту», только вместо красной ленты с орденскими планками - оплошность фотографа и заснеженный пригород за окном электрички.
Даже по избранным работам становится ясна сквозная тема: за инструкциями, табличками и правилами безопасности человек прячется от современного мира, из которого порой хочется буквально эвакуироваться прямиком в кровать, как на «Плане эвакуации» Рубанкова.
Также сменились экспозиции в нескольких галереях. Например, в галерее Шмуклер можно увидеть персональный проект Аси Мотиной «Случайный свидетель», а прямо напротив расположились работы Елены Троянской. Внимания заслуживает выставка очень разнопланового художника Алексея Орловского «Луна и солнце» в галерее КультПроект.
📍 Арт-пространство Куб
«Фрагменты нового концептуализма», до 1 ноября 2026 года.
Леонид Цхэ давно стал неотъемлемой частью отечественной арт-сцены. Помню, как впервые увидела его работы - тогда более лёгкие и прозрачные - меня по-настоящему поразили. С тех пор живопись Цхэ стала плотнее и экспрессивнее, и за её развитием интересно следить.
Во многом его становление связано с учебой в Германии, в Высшей школе дизайна в Оффенбахе-на-Майне. Сам Цхэ рассказывал в интервью, что там другой свет, другой воздух и другие цвета, а рисунок строится не по академическим, а по модернистским законам. Получается интересный диалог между петербургской академической выучкой и немецкой экспрессионистской традицией. Также художник говорит, что его картины стремятся стать фигуративными, но этого так и не происходит.
Сергей Хачатуров, один из самых тонких кураторов и историков искусства, давно и регулярно сотрудничает с VLADEY. Например, в 2024 году он курировал выставку «Возвращенный взгляд», где работы Цхэ и другого резидента галереи, Егора Кошелева, сопоставлялись со старыми мастерами. Теперь Хачатуров поговорил с художником о его новых работах. Посмотреть можно здесь.
Напомню также, что в Доме с Атлантами параллельно работает постоянно обновляющаяся экспозиция, условно названная «VLADEY Музей», объединяющая авторов разных поколений. Каждая из работ является знаковой для своего художника.
📍VLADEY с Атлантами
«Леонид Цхэ. Продолжение», до 1 ноября 2026 года.
Данил Дэге - один из наиболее активных молодых художников, который благодаря коллаборациям с фэшн-брендами известен далеко за пределами арт-среды.
Дэге — резидент петербургской DiDi Gallery, а сейчас у москвичей впервые есть возможность увидеть его персональную выставку. В пространстве Hidden Place показывают работы, созданные на стыке фовизма и наивного искусства.
Упоминание фовизма абсолютно неслучайно: Дэге нередко называют «нео-Матиссом» из-за приверженности ярким цветам, свойственным и великому мэтру, плоскостности изображения и искаженной перспективе.
На текущей выставке можно увидеть не только живописные и графические работы, но также и эксперименты с пластической формой. Данил создал скульптуры из газобетонных блоков. На зрителя смотрят немного удивленные персонажи с вытянутыми пропорциями, что натолкнуло меня на мысль о языческих тотемах.
📍Hidden Place
(Большой Афанасьевский переулок, 34)
«Данил Дэге. Это только цветочки», до 12 октября 2026 года.
Заехала попрощаться с галереей Ruarts.
После 21 года работы команда во главе с Марианной Сардаровой и арт-директором Катрин Борисов приняла решение закрыть галерею.
Когда я прочитала эту новость, то испытала оторопь, почти шок. К ней примешивалась очень личная грусть: именно галерея в Зачатьевском переулке стала для меня первым окном в мир отечественного современного искусства.
Но, возможно, и хорошо, что я публикую этот текст спустя время: я выдержала паузу, всё обдумала и поговорила с причастными людьми. Это помогло избавиться от похоронного настроения и взглянуть на ситуацию шире.
Фонд Ruarts продолжит работу, в том числе грантовую программу, а выставочный план пространства в Трубниковском переулке расписан на годы вперёд. Команда Ruarts, по моему личному опыту, отличается удивительным профессионализмом и завидной работоспособностью.
Закрытие галереи я предлагаю воспринимать как переоценку накопленного опыта и «пересборку» с учётом нынешнего контекста. Это вполне общемировой тренд: всё больше говорят о том, что галереи в привычном виде перестают отвечать запросам рынка, а в новостях - закрытия филиалов и массовые сокращения в Pace.
А у всех нас есть задача: успеть зайти в культовую галерею и посмотреть прощальную выставку «Смена фокуса». На ней собраны работы художников, с которыми Ruarts сотрудничала все эти годы. Уверена, вы сделаете для себя несколько открытий. Я, например, с удивлением узнала, что в далёком 2013 году здесь проходила выставка Семёна Агроскина, а ещё раньше, в 2009-м, можно было увидеть работы Эрвина Олафа. Ну и, конечно, в экспозиции есть звёзды уличной волны, которых галерея растила годами.
📍Галерея Ruarts
«Смена фокуса», до 4 октября 2026 года.
Этот сезон Открытых студий Винзавода получается особенно ценным для его участников: каждый художник не только работает с ментором Алексеем Корси, но и делает небольшую поп-ап выставку.
Уже прошли экспозиции Яны Арбузовой, Кати Косовой, Алены Троицкой и Любы Ремизовой, а прямо сейчас можно увидеть работы Кости Чиркова (до 1 октября). Следующие на очереди — Кристина Пуршина, Оля Белякова, Анастасия Григорьева и Дмитрий Печурин.
Выставка Кости называется «Важная информация» и посвящена тому, как сведения искажаются, проходя через множество пересказов. В одной из новых работ он пригласил других авторов в эксперимент, похожий на детскую игру в «испорченный телефон»: Костя создал изображение и передал его первому участнику, тот воспроизвёл его по памяти и передал следующему - и так по цепочке. С каждым шагом что-то терялось, а что-то добавлялось, и в итоге получилась наглядная картина того, как переиначивается информация.
Напомню, что слово «открытые» в названии студий неслучайно: заглянуть в пространство и понаблюдать за творческим процессом может любой желающий.
Большая итоговая выставка сезона ждёт нас в январе следующего года.
📍Открытые студии Винзавода
«Константин Чирков. Важная информация», до 1 октября 2026 года.
При выборе отпускного чтива в этот раз отдала предпочтение короткому формату.
Хотя при виде внушительного тома дневников Кесслера этого и не скажешь. Но все-таки это выдержки из дневников, а значит, представляют собой то совсем краткие заметки, буквально на пару строк, то более подробное описание встреч и разговоров.
За кажущейся легкостью, с которой герой перемещается из одной театральной ложи в другую, из одного фешенебельного ресторана в другой, скрываются глубокие познания в культуре и поразительная проницательность. Ведь задолго до начала очередного политического и военного кризиса в Европе их призраки появляются на страницах его дневников.
Признаюсь, что чтение дневников дается мне непросто. Поэтому всегда наготове дополнительная литература. На этот раз дополнением выступила новая книга Наталии Семеновой, которую можно рассматривать как заметки на полях, создающие более насыщенный фон для ее предыдущих книг о великих коллекционерах и одном маршане.
На основе переработанного огромного пласта информации Семенова рассказывает любопытнейшие истории бытования предметов искусства - в первую очередь шедевров импрессионистов. Одна и та же картина могла сменить с десяток владельцев, прежде чем оказаться в музейном собрании.
Наибольший же интерес у меня вызвали упоминания неизвестных мне коллекционеров: многие из них приобретали картины почти за бесценок, но к концу жизни становились владельцами выдающихся и дорогостоящих собраний. Почти все из них после смерти владельцев распылялись на аукционах, оставляя память о первых владельцах лишь сухими надписями в глубинах музейных архивов.
📚 «Гарри Кесслер. Танец на вулкане. Из дневников 1911-1933 годов»
Издательство Ad Marginem
📚Наталия Семенова «Связанные искусством. Странствия картин и коллекций»
Издательство СЛОВО
В продолжение стамбульской темы - не могла не заглянуть в музей современного искусства Istanbul Modern.
Важно знать, что это частный музей: его основала семья Эджзаджибаши (Eczacıbaşı) более двадцати лет назад, а недавно он обосновался в новом здании, спроектированном Ренцо Пьяно.
Прямо сейчас здесь проходит любопытная выставка - ретроспектива Семихи Берксой, первой турецкой оперной примадонны, которая к тому же снималась в кино и была весьма плодовитой художницей. Представляете, какой это подарок для кураторов - такая многогранная героиня.
Судя по представленным работам, любимым жанром Берксой был портрет, их здесь множество. Все они написаны в экспрессивной, немного наивной манере, и мне невольно вспомнился японский художник Ёситомо Нара.
Не могу не добавить несколько хайлайтов из постоянной коллекции музея: фирменная неоновая инсталляция Трейси Эмин, феминистский плакат Guerrilla Girls и «Спящая девочка» Ханса Оп де Бека.
📍Istanbul Modern
«Семиха Берксой. Aria of All Colors», до 22 ноября 2026 года.
В этом году пропустила ярмарку blazar, и не из-за плохого планирования: перенос дат объявили буквально за неделю. Возможных причин две - выборы и неготовность площадки. Сочувствую организаторам, но и негодую.
Обзоров молодого искусства с blazar вы и без меня увидите немало, а я расскажу про ярмарку, которая прошла ровно в эти же даты уже в 21-й раз, - Contemporary Istanbul.
При всей хаотичности этого города, как видите, ярмарка проходит с завидной стабильностью. Около половины стендов представляют галереи не из Турции (от Португалии и Англии до Японии и Бразилии), возможно, отчасти и благодаря этому общий уровень искусства не выглядит местечковым или салонным.
Что уже давно стало привычным на ярмарках - множество партнерских стендов. Наибольший ажиотаж вызвал спецпроект с презентацией скульптуры Джонни Деппа, созданной на основе рисунков его сына и повторяющихся снов самого актера.
Одна из токийских галерей, на стенде которой были в том числе представлены гравюры Хокусая, в качестве сувениров раздавала посетителям веера. Подумала, что это пригодилось бы и в Москве, учитывая массовые жалобы на духоту на blazar.
Пожалуй, больше других запомнились стенды двух галерей: Karpuchina Gallery из Праги и Pontone Gallery из Лондона. На стенде первой были представлены трогательные работы из силикона Margarita Ivy и оттеняющая их станковая живопись Laura Limbourg. Вторая показала работы корейского художника Hwang Seontae на стыке нескольких медиумов - архитектурную графику, помещенную в специальные лайтбоксы.
Отдельным удовольствием стала встреча с узнаваемыми гиперреалистичными скульптурами Carole Feuerman. Впервые увидела их в параллельной программе Венецианской биеннале в 2017 году.
Чем больше езжу по ярмаркам и биеннале, тем больше понимаю пользу от таких поездок для собственной насмотренности и трезвой оценки ситуации на арт-рынке. В России работает действительно много достойных художников, которые ни в чем не уступают международным коллегам. Тем не менее общая обстановка и такие конфузы, как тот, что в этом году произошел с одной из главных ярмарок страны, выступают в роли вязкого бетона, из которого очень сложно выбраться.
📍 Tersane Istanbul
Contemporary Istanbul, 23 - 27 сентября 2026 года.
Есть галереи на московских просторах, которые незаслуженно мало известны широкой публике.
Одна из них - галерея Ковчег, которая возникла еще в советское время. С 1988 года под бессменным руководством и кураторством Сергея Сафонова здесь проходят выставки художников XX века, а также наших современников.
Сейчас здесь можно увидеть работы одного из самых сильных графиков молодого поколения авторов - Ивана Архипова. Ровно десять лет назад здесь же проходила его персональная выставка, а сейчас представлены работы, созданные за прошедшие с того времени годы. Таким образом, мы можем увидеть эволюцию метода художника, результаты его творческой трансформации этого плодотворнейшего периода жизни.
В последнем камерном зале провела без малого полчаса, наслаждаясь тревожной и очень напряженной анимацией художника. Изначально художник получил образование по специальности «гравюра», но постепенно пришел к осознанию необходимости оживить классическую технику печати. Сотни оттисков оживают через покадровый монтаж и цифровую обработку изображений. Получается некий синтез рукотворной графики и видеоарта.
В личном бестиарии Ивана Архипова встречаются быки, львы и змеи, что естественным образом наталкивает на связь с античным эпосом. А если вы уже успели посмотреть нашумевшую версию «Одиссеи» Нолана или планируете это сделать в ближайшее время, эта выставка может быть очень кстати.
📍Галерея Ковчег
«Иван Архипов. Среда обитания», до 11 октября 2026 года.
Мало кто в Москве может похвастаться площадями, которые находятся в распоряжении Фонда культуры «Екатерина».
Но что куда более весомо, чем просто квадратные метры (отметём здесь фактор стоимости недвижимости в районе Лубянской площади) - это желание предоставить пространство для репрезентации самых разных авторов.
В новом выставочном проекте собрали 80 авторов нескольких поколений, которые в разной степени раскрывают в своих работах бездонность черного цвета.
Давайте подумаем, какие ассоциации у вас в первую очередь приходят в голову в связи с этим? Ночь, траур, тайна и загадка, может быть зло. А если взглянуть с точки зрения повседневной и поп-культуры? Это, конечно же, темные костюмы бизнесменов, маленькое черное платье Шанель и его вариация на Одри Хепберн в культовом фильме «Завтрак у Тиффани», Одиллия в «Лебедином озере», трилогия «Темный рыцарь» про стража Готэм-сити … этот перечень можно вести бесконечно.
Проект поделен на периоды, когда этот цвет по-разному воспринимался исходя из исторической парадигмы. А в центральном холле второго этажа представлены тексты искусствоведов, культурологов, философов и социологов, которые как раз и создают контекстуальную структуру проекта: каждый из них по-своему рассматривает черный и его характер.
Перечислять всех авторов не имеет смысла, но некоторых все-таки обозначу: космическая черепаха планетарного значения Плавинского, фирменный лайтбокс Максима Ксуты (где свет прорывается сквозь толщу материала, образуя рисунок), школьная доска Сергея Волкова, врата в неизвестность или из нее Ивана Симонова, рельефы Торнике Бенделиани, скульптурная колонна Михаила Молочникова. Не могло обойтись и без энциклопедического «То-то и оно» Эрика Булатова.
Добавлю, что на многолюдном вернисаже мне не вполне удалось оценить задумку кураторов, при несомненном качестве отдельных работ. Возможно, предприму вторую попытку в более спокойной обстановке.
📍Фонд культуры «Екатерина»
«История черного цвета», до 29 ноября 2026 года.
Галерея Set Projects подтверждает свой статус одного из ключевых мест, где нужно смотреть графику и открывать для себя новые имена.
На текущей выставке представлены работы Сергея Обухова. Его лишь с большой натяжкой можно назвать гиперреалистом, тем не менее его графика напомнила мне хрестоматийные фотореалистичные произведения Герхарда Рихтера.
Со слов автора, в своей практике он использует искусственный интеллект, который помогает ему в компоновке изображения. Возможно, благодаря этому в рисунках чувствуется особый нерв, подсознательное несоответствие реальному миру.
Метафору памяти, концептуально объединяющую работы на выставке, дополняют объекты из бетона с до боли знакомыми звуковыми сообщениями в мессенджерах. Сами эти дорожки разделяют общество на тех, кто отдает им предпочтение в общении онлайн, и их рьяных ненавистников. Думаю, несложно догадаться, к какой категории относится автор канала.
На вернисаже время от времени происходили практически перформативные события: расположенный на полу объект в виде цементного телефона с наушниками то и дело отлетал в угол, из-за нечаянного соприкосновения с чьей-то ногой. Этот импровизированный футбол нисколько не расстраивал автора, а совсем наоборот. Ведь таким образом происходило низвержение божества нашего времени, смартфона, с его пьедестала.
📍Галерея Set Projects
«Сергей Обухов. degaussing/остаточное притяжение», до 31 октября 2026 года.
Кажется, мы уже забыли, что изначально «Зотов» открывался как центр изучения и популяризации конструктивизма.
И как же здорово, что достаточно быстро кураторы вышли за пределы этой, хоть и безусловно интересной, но все-таки довольно узконаправленной темы.
Текущая выставка выстраивается вокруг идентичности места - бывшего Хлебозавода №5. Она, кстати, раскрывает факты, в честь кого когда-то завод, а теперь и центр были названы - в честь Василия Зотова, министра пищевой промышленности СССР, при котором было развернуто массовое строительство московских хлебозаводов.
При всем разнообразии хочется обратить внимание на два экспоната: объекты Андрея Кузькина, которые он создает из хлебного мякиша, а также «Краюха черного хлеба», изготовленная при всей реалистичности из мамонтовой кости в начале XX века.
Понравилось и то, что кураторы не обошли вниманием политическую подоплеку, связанную с хлебом. Ведь на протяжении веков именно хлеб зачастую выступал в роли спускового крючка важнейших исторических событий.
📍Центр «Зотов»
«Хлеб», до 17 января 2027 года.
Культурный обмен между Россией и Китаем стал привычным в последние годы. У нескольких китайских художников прошли персональные выставки в ММОМА.
Но для галерей современного искусства сотрудничество с иностранными авторами по-прежнему большая редкость. В авангарде этого движения выступила галерея a—s—t—r—a, добавив в свой пул художников Чжан Цзинь Вэя. На днях была открыта его первая персональная выставка в их пространстве на Винзаводе, но небольшое превью этого сотрудничества было представлено еще год назад на ярмарке blazar 2025. В тот раз можно было увидеть лишь одну работу, тогда как сейчас - полноценную серию, созданную в мастерских «Своды» при ГЭС-2.
Чжан Цзинь Вэй - молодой автор с академическим образованием, полученным в Санкт-Петербургской академии художеств им. Репина. У него уже прошли персональные выставки в Пекине (Simulacra Gallery) и Берлине (Zimmer 48).
Все, с кем говорила на открытии, отмечают одно и то же — глубину, профессионализм и удивительную трудоспособность художника. Его живопись балансирует на грани фигуратива и абстракции - человеческие фигуры мерцают, осыпаются, прорастают сквозь пространство холста, и в этом чувствуются переклички с традицией русского космизма. В особенности отметила бы интуитивное родство с Василием Чекрыгиным, хотя сам автор на открытии сказал, что знаком с этими работами, но не выстраивает с ним прямой связи. В творчестве он во многом опирается на литературные источники. Среди прочих звучали имена Алексея Толстого и Даниила Хармса. Но художник не просто вдохновляется их трудами, а вступает с ними в диалог.
📍 Галерея a—s—t—r—a
«Чжан Цзинь Вэй. Стеклянный купол», до 16 октября 2026 года.
Есть выставки, о которых особенно приятно рассказывать.
Здесь так сложилось по нескольким причинам:
Во-первых, она дает возможность взаимодействовать с искусством;
Во-вторых, открыла для меня нового автора;
И, в-третьих, позволила наблюдать импровизированный групповой перформанс.
Итак, о чем же я?
О новой выставке ПиранезиLAB в пространстве ЦТИ Фабрика, на которой представлены работы Даниила Толкалина.
Основатель галереи Алексей Веселовский познакомился с Даниилом на ярмарке WIN-WIN, и результатом этого знакомства стал персональный проект художника.
Он занимается стереофотографией, то есть такой разновидностью создания снимков, которая требует от зрителя особенно сосредоточенного и продолжительного «смотрения». А для того, чтобы настроить персональную оптику, зрителю потребуется его собственный большой палец. Наблюдать за этим коллективным перформансом со стороны - отдельное удовольствие.
Некоторые из кадров помещены в стереоскопы, которые со стороны похожи на несколько удивленных паукообразных. Заглядывая в них, зритель может то соединить несколько изображений в одно, то, наоборот, увидеть несколько кадров одновременно.
📍ПиранезиLAB
(ЦТИ Фабрика)
«Даниил Толкалин. Фузия», до 11 ноября 2026 года.
Поезд - как метафора путешествия. Именно от этого в этот раз решила отталкиваться куратор галереи ARTSTORY Анна Апресян при создании смысловой рамки нового проекта.
Стоит признать, что это действительно удачная тема, принимая во внимание, какие художники входят в пул галереи. Семен Агроскин - один из тех авторов, кто обращается к самым простым бытовым объектам и создает из этого целую живописную вселенную. Вы могли видеть его эмалированные бидоны, бутылки, лестницы. Здесь же предметом его интереса становятся чемоданы, узлы и пакеты, расставленные на верхней полке железнодорожного плацкартного вагона.
Более тревожная и экспрессивная сторона перехода из пункта А в пункт Б показана в работах Владимира Мигачева, которые будто сочатся железнодорожной смазкой и креозотом.
Приятно было встретить картины Кати Рожковой, которые представляют собой совсем другой взгляд на путешествие: будто место наполняется печалью, когда его покидает человек.
Интересным концептуальным дополнением проекта оказалось упоминание того факта, что художники, чьи работы представлены на выставке, родом из самых разных городов нашей необъятной страны, а значит, вокзалы, поезда и виды, проплывающие за окном, знакомы им не понаслышке.
📍Галерея ARTSTORY
«Под стук колес», до 1 ноября 2026 года.
Знаете ли вы про ЗНУИ и чем этот институт отличается от других?
Заочный народный университет искусств был основан в 1934 году при участии Фалька, Грабаря, Юона и многих других. И так получилось, что многие классики отечественного наивного искусства окончили именно его. Здесь давали наивистам возможность получить технические навыки, а также профессиональное мнение о своих работах.
Эту преамбулу я решила написать для того, чтобы стало понятно, каких именно художников стоит искать в галерее ЗНУИ, которая работает рядом с этим московским учебным заведением.
Сейчас здесь проходит выставка художницы Евгении Инфелициной, зрелого автора с очень узнаваемой манерой, картины которой просто излучают юношескую энергию. Она сконструировала целую вселенную, наполненную фантазийными персонажами: слонами самых разных размеров, фруктовыми дольками, акробатами и то ли антропоморфными животными, то ли зооморфными людьми.
При общности вселенной заметно, что визуальный язык Евгении развивается, постепенно отсеивая ненужные детали. Фон становится минималистичным, сохраняя лишь однородный цвет.
Отмечу также, что колористические решения достаточно глубокие — это придаёт живописи сложность и небанальность.
📍Галерея ЗНУИ
«Евгения Инфелицина. Поиграй со мной», до 27 сентября 2026 года.
Кстати, если вы любите наивное искусство, стоит доехать до выставки в Музее Царицыно. Про нее писала ранее. Роль ЗНУИ там подсвечена отдельно.
«Я так чувствую»: 9 сентября состоялось открытие квартирной выставки в шоуруме GALLERIQUE.
Такой формат позволяет увидеть объекты не в белом кубе, а в обжитом пространстве, вдобавок еще и среди первоклассной винтажной мебели.
Семь художниц - постоянных резидентов галереи, предлагают семь очень разных вариаций, как можно говорить о личном пространстве. Для кого-то оно связано с чувством безопасности, с памятью о прошлом или в противовес этому - о смятении и поисках себя.
Отдельно хочется отметить работы Эрики Савиной - трогательные и пронзительные: россыпь найденных детских игрушек, «обросших» кристаллами соли. Среди них фигурки козлика, котика, пирамидки. Они узнаваемы, но потеряли четкость, будто зритель видит их сквозь плотный слой времени. Эти работы о ностальгии в самом точном смысле: реальные объекты или воспоминания из детства в нашем восприятии покрываются пылью прошедших лет и перестают быть объективными.
В эти уже не столь солнечные осенние дни получила большое удовольствие смотреть на вид из окна сквозь абстрактную живопись на стекле Анастасии Дунаевой.
Не упустите возможность рассмотреть и подлинные шедевры мебельного мастерства - антикварные шкафы на стыке шинуазри и модерна сохраняют узнаваемую форму одной традиции, но прочитанную через призму европейского la belle époque.
📍 Шоурум GALLERIQUE
«Я так чувствую», до 31 октября 2026 года.
Для художников очень важно, откуда они родом. Одни в своей практике напрямую обращаются к прошлым воспоминаниям и опыту, другие - делают это более завуалированно.
Илья Гапонов - автор, родом из Кемерова. А Кузбасс - очень своеобразный регион, ведь во многом его формирует огромный угольный бассейн. Это определяет занятость населения, то, как проходит их жизнь и жизнь их семей.
Уже многие годы Илья живет в Санкт-Петербурге и Венгрии, но этот индустриальный контекст всегда оставляет отпечаток в его работах. Непременной деталью его живописи является Кузбасслак. Он может быть использован в качестве небольших колористических акцентов, а может быть и основным красочным материалом.
Проводя полгода в Венгрии, художник погрузился в ее историю, и с удивлением узнал, что она тоже участвовала в космической гонке. Для жителей постсоветского пространства это вдвойне неожиданно и близко. И в новой серии работ Илья переносит реальные космические объекты из космических музеев в то, что наиболее характерно для Венгрии - бескрайние поля, засеянные кукурузой и подсолнечником.
Название выставки «Венгерский космизм» также обращается еще к одной важной теме из прошлого, теме космизма. Как таковой прямой школы последователей философских идей Николая Федорова или Константина Циолковского здесь не было. Но в этом и проявляется отчасти уникальность сформировавшегося интереса к освоению космоса, граничащего с одержимостью.
Если внимательно приглядеться, то и в этих работах увидите мазки Кузбасслака. Но вживую эта дополнительная глубина видна куда лучше.
📍Галерея К35
«Илья Гапонов. Венгерский космизм», до 15 ноября 2026 года.
Время от времени люблю расширять культурную зону внимания и посещать мемориальные квартиры. И вот вам мой непрошеный совет: не ограничиваться только художественными музеями. Ведь многие творческие люди были успешными коллекционерами (например, недавно рассказывала о собрании Николая Голованова) или просто тесно общались с художниками, и те в ответ могли дарить какие-то свои работы.
Вот появился повод дойти до Музея Скрябина в Большом Николопесковском переулке. Сейчас здесь представили графические работы Николая Шперлинга, приурочив эту небольшую экспозицию к 145-летию художника.
Честно признаюсь, что совсем ничего не знала о Шперлинге, его творчество прошло мимо меня, затерявшись на фоне других мастеров эпохи модерна и «мирискусников».
Художник интересной судьбы, который до революции успел снискать славу как книжный график. Потом было бегство из страны, охваченной гражданской войной, Галлиполи, странствия по Франции, Сербии, Германии и Египту. Именно там он познакомился с греческим бизнесменом и коллекционером Антонисом Бенакисом. По его заказу было создано огромное количество эскизов греческих костюмов, которые спустя несколько десятилетий печатались огромными тиражами на почтовых марках.
Те работы, которые можно увидеть сейчас на выставке, никогда ранее не экспонировались и происходят из частной коллекции. Обещают, что каждый квартал выставка будет обновляться.
Скульптуру, пожалуй, можно считать наиболее консервативным медиумом. Ведь она дольше других держалась за фигуративность и телесность. И технологические революции затронули ее в меньшей степени: работа с материалом (камнем, бронзой и деревом) осталась узнаваемо похожей на себя веками.
Зато в XX веке скульптура видоизменилась сильнее многих других форм: Бранкузи с его уходом в радикальный минимализм, ленд-арт, реди-мейды Дюшана, кинетическая скульптура, инсталляции.
В Советском Союзе шли процессы, аналогичные мировым, но только их скачкообразность еще более выражена. Наибольший скачок скульптура совершила в эпоху оттепели, что было связано, конечно же, с множеством внешних обстоятельств.
Эта тема сложная, недоисследованная, с ней еще предстоит разбираться как искусствоведам, так и зрителям. Именно поэтому выставку «Они были разными», которая на днях открылась в ЦСИ AZ/ART, можно воспринимать как первый шаг в этом направлении. На открытии Наталия Опалева, коллекционер и основатель центра, сказала, что надеется, что этот проект породит серию публикаций и исследований.
Мне импонирует, что кураторы и архитекторы проекта продумали несколько слоев взаимодействия с работами:
Во-первых, можно расширить свои знания и узнать новые, не самые растиражированные имена. Кроме Вадима Сидура, Николая Силиса, Владимира Лемпорта, Эрнста Неизвестного, здесь представлены работы Нины Жилинской, Татьяны Соколовой, Даниэля Митлянского, Аделаиды Пологовой и других.
Во-вторых, выставка помогает погрузиться в контекст времени. Первая же скульптура, которая встречает у входа, напоминает зрителю о хите того времени - анимационном фильме «Бременские музыканты».
А для того, чтобы упростить задачу вдумчивого созерцания, был подготовлен специальный плейлист из произведений композиторов-шестидесятников (Альфред Шнитке, София Губайдулина).
📍ЦСИ AZ/ART
«Они были разными. Скульптура Оттепели», до 29 ноября 2026 года.
+6
